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出版者:高等教育出版社

作者:

出品人:

页数:285 页

译者:

出版时间:2002年1月1日

价格:24.90元

装帧:平装

isbn号码:9787040109436

丛书系列:

图书标签:

• 设计
• 图案
• 艺术
• 视觉
• 创意
• 装饰
• 纹样
• 绘画
• 灵感
• 元素

好的，这是一本名为《图案》的图书的简介，内容聚焦于探索设计、艺术、文化与自然界中的视觉元素，旨在为读者提供一个深入理解“图案”这一概念的广阔视角。 --- 图案 简介：视觉语言的解码与构建 《图案》并非一本简单的图谱集，而是一场对构成我们视觉世界的底层逻辑——“图案”——的深度哲学思辨与实践探索。本书超越了单纯的装饰性定义，将图案视为一种跨越时间、地域和媒介的通用语言，一种承载着信息、文化记忆与结构秩序的视觉符号系统。 我们生活在一个由图案主导的世界：从细胞核的螺旋结构到星系的宏大布局，从古老文明的几何刻纹到现代工业的像素矩阵，无处不在的重复、韵律和变异，构成了我们感知现实的基础框架。本书旨在为读者提供一套工具箱，帮助他们不仅能“看到”图案，更能“理解”图案背后的生成机制、文化意涵及其在当代设计语境中的潜力。 第一部分：图案的起源与结构——秩序的诞生 本书的开篇聚焦于图案的本质属性及其在自然界中的基础形态。我们探讨了图案的数学基础：对称性、平铺性与周期性。这不是枯燥的数学理论，而是通过对分形几何、晶体结构以及生物形态学的观察，揭示自然界如何利用最简洁的规则创造出无限复杂的视觉结构。 自然界的韵律： 详细分析了斐波那契数列在向日葵花盘、松果鳞片中的应用，以及自然界中常见的六边形结构（蜂巢、玄武岩柱）所蕴含的效率与美学。我们研究了这些“自然图案”如何影响了早期人类对建筑和工艺的模仿与构建。 人类文明的初始符号： 追溯了图案作为信息载体的历史。从洞穴壁画上的手印与狩猎场景的重复描绘，到史前陶器上刻划的几何纹样，这些早期图案承载着部落的身份标识、宇宙观以及对神灵的祈愿。我们深入分析了这些符号如何逐渐抽象化，最终演变为更复杂的装饰母题。 第二部分：文化编织——图案中的身份与叙事 图案从不孤立存在，它们是文化的活化石。《图案》的第二部分致力于剖析不同文明如何通过图案来表达其世界观、社会阶层和技术水平。 东方之韵与西方之律： 对比了东西方图案哲学的核心差异。东方艺术，如中国的云雷纹、海水江崖纹，强调流动性、气韵生动以及对永恒的隐喻；西方的几何图案，特别是古希腊的连续几何边饰（如希腊回纹）和伊斯兰艺术的复杂星形图案，则展现了对无限延伸、完美比例和逻辑严密的追求。我们详细拆解了伊斯兰艺术中“双重周期性”和“无限非重复性”的构建手法。 工艺的语汇： 深入探讨了纺织品、陶瓷和金属工艺中图案的物质性。例如，中世纪欧洲挂毯中的植物图案如何体现了贵族的田园理想；日本的“刺し子”（Sashiko）缝纫图案，如何将实用性、修复美学（侘寂）与家族传承融为一体。图案不再是附加的装饰，而是工艺本身逻辑的展现。 权力与禁忌： 分析了图案在社会控制中的作用。皇室的徽章、特定的宗教符号（如十字架、曼陀罗）是如何被制度化，用以区分群体、确立权威。同时，也探讨了在特定社会中，哪些图案被视为禁忌或具有保护性的辟邪力量。 第三部分：现代性的重塑——从工业到数字 工业革命极大地加速了图案的生产和传播，但也带来了对其意义的巨大冲击。《图案》的第三部分关注19世纪末至今，图案在面对大规模生产和新兴技术时的演变。 新艺术运动与装饰的解放： 探讨了威廉·莫里斯（William Morris）及其追随者如何试图用有机、自然形态的图案对抗工业的僵硬化，将图案重新引入日常生活的审美殿堂。紧接着，我们分析了维也纳分离派和“少即是多”的现代主义思潮，如何试图“净化”图案，将其简化为最纯粹的几何形式，以适应机器美学。 抽象的极限与功能主义： 详细考察了包豪斯（Bauhaus）对图案的解构与重构。从Kandinsky的色彩理论到格罗皮乌斯（Gropius）对功能性排版的强调，图案被重新定义为解决空间和信息传递问题的工具。 像素的低语： 进入数字时代，屏幕刷新率、分辨率和代码逻辑构成了新的“图案”底层结构。本书探讨了早期计算机图形学中的算法生成图案，以及当代信息可视化设计中如何利用色彩梯度、网格系统和模因（Meme）的快速传播性，创造出瞬态的、可交互的视觉序列。 第四部分：图案的未来——感知、互动与创造 在本书的最后部分，我们转向前沿领域，探讨人类如何能更好地与图案互动，并利用这些知识进行新的创造。 认知心理学与视觉锚点： 引入认知科学的视角，研究人脑对图案的偏好机制——为什么我们会对某些重复模式感到满足，而对另一些则感到不安。这包括对错视画、动态视觉序列（Op Art）的研究，它们如何“欺骗”我们的视觉系统，揭示我们感知的局限性。 算法设计与人机共创： 探讨生成式艺术（Generative Art）的兴起。通过编程语言，设计师可以定义一套规则，让计算机生成无限变体的图案集合。这模糊了作者身份的界限，使图案的创造过程本身成为一种“表演”。本书鼓励读者超越预设模板，尝试使用代码或参数化建模来探索尚未被人类直觉发现的视觉空间。 可持续性与循环设计中的图案： 最后，本书提出了一个面向未来的思考：如何利用图案设计来实现物质的循环利用和环境的和谐共生。例如，通过研究废弃材料的天然纹理，或设计出易于生物降解的、具有特定分解速率的“生命周期图案”。 结语：成为图案的阐释者 《图案》最终试图唤醒读者内心深处的视觉敏感性。当我们能够识别和解析周围环境中的各种图案时，我们就不再是被动的接收者，而是积极的参与者。理解图案，就是理解世界的构建方式，掌握了这门古老而永恒的视觉语言，便能更有效地表达、创造和改变我们所处的环境。本书是一份邀请函，邀请您加入这场对视觉秩序永无止境的探索之旅。

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说实话，我当初买这本书，是冲着它在文学圈子里流传的某种“结构主义”的赞誉去的。我期待看到某种宏大叙事下，符号是如何被解构和重组，形成一种全新的意义体系。结果，这本书完全没有那种高高在上的理论架势，反而像是一个老派匠人对手艺的近乎偏执的打磨过程记录。它的大部分篇幅都集中在对某种重复性手工技艺的细致描述上，比如古老的编织纹样，或是传统木雕中的榫卯结构。作者似乎对“秩序”有着一种近乎固执的追求，他反复探讨的，是如何在看似机械的重复中，孕育出微妙的差异。他详细描述了纺线时手指的力度变化，如何影响最终织物表面粗糙度的毫厘之别；又或者，在雕刻同一个花纹时，因为工具磨损程度的不同，使得相邻图案之间产生的细微“呼吸感”。这种对“误差之美”的探寻，让我感到非常震撼。它不是在讲述一个故事，而是在展示一种“存在”的方式——即便是最严格的规范，也无法完全扼杀个体生命力的自由流淌。对于任何从事创造性工作的人来说，这本书提供了一种全新的视角来审视自己作品中的那些“不完美”，以及它们真正的价值所在。

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我一直以为“图案”是一个静态的概念，是印刷品上或墙纸上的固定花纹。然而，这本书彻底颠覆了我的认知。它探讨的是“运动中的图案”，是那些稍纵即逝、需要专注才能捕捉到的动态序列。作者的视角非常新颖，他将研究对象聚焦在了那些高速运动中的现象：比如火焰的湍流，飞鸟群迁徙时的阵型变化，甚至是你盯着一个单一光点看久了后，视野中出现的视觉残影。他运用了大量的类比，将复杂的流体力学现象，用非常形象的比喻来解释，让人这个非专业人士也能领会到其中的精妙。阅读过程中，我感觉自己的大脑皮层被不断激活，因为它要求读者不仅仅是用眼睛看，更要用想象力去“模拟”这些运动的轨迹和背后的逻辑。这本书的结构极其跳跃，从微观的分子运动到宏观的气象变化，跨度极大，但都紧密围绕着“重复中的变化”这一主题。它像是一部高概念的纪录片，节奏紧张，信息密度极高，读完后有一种酣畅淋漓的智力满足感，让人对周遭环境的动态感知能力有了质的提升。

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这本书的叙事节奏，如同慢镜头回放，非常舒缓，甚至有些催眠的效果。它的核心主题似乎围绕着时间的痕迹如何在物质上留下印记——也就是所谓的“风化”。作者花了大量的篇幅去描述金属的锈蚀过程，石头表面的剥落，以及皮革因反复摩擦而形成的独特光泽和纹理。他笔下的“图案”，并非是预先设计好的，而是时间这个无形艺术家精心雕琢的副产品。我记得有一章专门写了老图书馆里书脊的磨损，那些因为无数次被抽取、被翻阅而产生的褪色和折痕，在作者的笔下，竟被赋予了比书本内容本身更厚重的历史感。这让我开始反思，我们是否过度追求事物的“新”和“完美”，而忽略了那些饱经风霜的物件所蕴含的生命故事。这本书的语言风格是极其内敛和克制的，它避免了任何浮夸的形容词，用一种近乎科学的精确度来描摹那些自然产生的“不规则之美”。它就像是一剂强力的镇静剂，让人在喧嚣的世界中找到一个安静的角落，专注于那些缓慢发生、却又永恒不变的物理变化。

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这本书给我带来的阅读体验，更像是一次长途的、带着强烈地方口音的旅行向导陪同。它没有明确的章节划分，更像是随心所欲地记录着作者在不同地域间穿梭时，对当地生活视觉元素的捕捉。从摩洛哥集市上色彩斑斓的瓷砖，到日本禅宗园林中苔藓铺就的枯山水布局，作者似乎在用一种近乎人类学家的严谨，记录着这些“地域符号”的演变和传承。我尤其欣赏他对于“对比”的运用。比如，他将北欧极简主义的直线条，与南美洲原住民复杂而奔放的几何图案进行并置讨论，让人立刻能感受到不同文化心理对“视觉表达”的影响。这不是一本关于艺术史的教科书，而是一本活生生的“文化地理志”，它告诉我们，我们所生活的环境，是如何被一代代人的生活习惯、信仰和气候所塑造。读完后，我感觉自己对日常生活中那些被忽略的公共设施、建筑外墙的装饰，乃至超市货架上的商品排布，都多了一层审视的目光。这本书成功地将“美学”从艺术馆中解放出来，让它回归到烟火气十足的日常之中。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种深邃的蓝与神秘的紫交织在一起，仿佛将人一下子拽入了一个未知的星空之下。我原本以为这会是一本偏向哲学思辨的著作，毕竟“图案”这个词本身就带着一种抽象和象征的意味。然而，当我翻开扉页，却发现它更像是一部细腻入微的自然观察手记。作者的笔触极其轻盈，他似乎对光影的变化有着近乎痴迷的敏感度。比如，他描绘清晨薄雾如何被第一缕阳光穿透，那些漂浮的微尘在光束中形成一个个短暂而完美的几何图形，那种瞬间的美感被捕捉得栩栩如生，让人忍不住停下来，回味那种稍纵即逝的精致。我特别喜欢其中关于水波纹的部分，他没有使用任何复杂的科学术语，而是用诗意的语言，将涟漪扩散的规律比作记忆的层层叠叠，每一次波动都带着前一次的残影，完美地诠释了“形态的生命力”。阅读过程中，我常常需要放下书本，望向窗外，试图在现实世界中寻找那些被作者捕捉到的“图案”，那种沉浸式的体验，远超了我对一本纯文字作品的预期。它不是在教你“看”，而是在唤醒你“感知”世界的能力，非常值得那些渴望在日常中发现不凡之美的人细细品味。

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