具体描述
这本书并不是在各个方面都很有系统的，从钢琴表演的方法学的观点来看，很可能它还有些缺点。它的作者并不追求陈述的严格的循序渐进性，也不企图包罗万象；更不把它看作规则指令的汇编。他只求告诉我们一些东西，借助于它们可以揭开钢琴艺术之谜。
本书对我们说来是艺术家 的生动的思想的结晶，它深入地讨论了那些最“使人烦恼的”问题。在这里我们会看到许多想法，尽管它们有时很散乱，但却是鲜明而深刻的。本书的优点——笔调生动、内容丰富、比拟犀利——是无庸置疑的。
这是一本对中国钢琴教育产生重大影响的艺术表演论著。作者具有高度艺术修养，渗透到论述的方方面面，它不是一本实际应用的教本，而是具有指导意义的“心法”。
作者简介
海因里希.涅高兹（Heinrich Neuhaus 1888-1964），乌克兰著名钢琴家,1902年首次登台,1904年到德国旅行演奏,后到维也纳音乐学院从戈多夫斯基学琴,回国后,1915年在彼得堡音乐学院毕业,从1922年起一直在莫斯科音乐学院任钢琴教授。他的儿子斯塔尼斯拉夫·涅高兹(Stanislav Neuhaus,1927- ),1964年接替其父在莫斯科音乐学院任教,其录制的斯克里亚宾和肖邦的作品亦获好评.
涅高兹是举世公认的俄罗斯钢琴学派的创始人和卓越的音乐教育家。他以学识渊博、演 奏富有情感、诗意和独特的见解而著称于世。涅高兹擅长演奏舒曼、肖邦和斯克里亚宾的 钢琴作品，曾在一场音乐会上演奏德彪西的24首前奏曲而被后人广为传颂。特别是他在莫 斯科音乐学院任教的42年中，辛勤的耕耘，为前苏联乃至世界培养了一批著名的世界级钢琴家，里希特、吉列尔斯、加夫里洛夫、扎克、马里宁等都是他的学生。其影响之深广难以估量，以至今日乐迷们提起他的名字时，敬慕和崇拜之情油然而生。鉴于他在音乐艺术 上做出的巨大贡献，曾获"艺术博士学位"，及"人民艺术家"的称号。
目录信息
第一章 论音乐作品的艺术形象
第二章 略论节奏
第三章 论声音
第四章 论技术训练
一、概论
二、信心是放松的基础
三、动作器官
四、论放松
五、钢琴技术的要素
第四章的补充部分
一、论指法
二、论踏瓣
第五章 教师与学生
第六章 论音乐会活动
结论
亨利·涅高兹
· · · · · · (收起)
读后感
楼上有一个无知者郭家玮，你所掌握的充其量是即兴伴奏而已，和古典钢琴根本就不是一回事，你连门都没如，还敢大言不惭说很简单，古典音乐博大精深，多感受多控制这种毫无价值的言论你也敢说？只能说无知者无畏，而且即兴演奏是另外一种能力，在这里我多说几点，有些不懂古典音...
评分楼上有一个无知者郭家玮，你所掌握的充其量是即兴伴奏而已，和古典钢琴根本就不是一回事，你连门都没如，还敢大言不惭说很简单，古典音乐博大精深，多感受多控制这种毫无价值的言论你也敢说？只能说无知者无畏，而且即兴演奏是另外一种能力，在这里我多说几点，有些不懂古典音...
评分在“结论”中，作者自己也说，必须原谅和理解他这样絮絮叨叨且（看似）毫无章法地举那些可能地球人都知道的例子，因为这书主要是写给（我想是中级上下的）专业学生及其教师看。至于其纯技术建议的合理或先进性——至少想到这是上个世纪四、五十年代苏联教学的水平与方式——不...
评分楼上有一个无知者郭家玮，你所掌握的充其量是即兴伴奏而已，和古典钢琴根本就不是一回事，你连门都没如，还敢大言不惭说很简单，古典音乐博大精深，多感受多控制这种毫无价值的言论你也敢说？只能说无知者无畏，而且即兴演奏是另外一种能力，在这里我多说几点，有些不懂古典音...
评分在“结论”中，作者自己也说，必须原谅和理解他这样絮絮叨叨且（看似）毫无章法地举那些可能地球人都知道的例子，因为这书主要是写给（我想是中级上下的）专业学生及其教师看。至于其纯技术建议的合理或先进性——至少想到这是上个世纪四、五十年代苏联教学的水平与方式——不...
用户评价
不得不说，这本书的价值远远超出了我最初的期待。我之前对钢琴演奏艺术的理解，可能还停留在比较表层的技术层面，而这本书则像一座宝藏，为我揭示了更深邃的艺术内涵。 我对书中关于“演奏的哲学”的探讨，尤为着迷。作者并没有简单地罗列技巧，而是将钢琴演奏视为一种对人生、对世界、对情感的理解和表达。他探讨了演奏者如何在音乐中寻找内心的平静，如何在追求完美技艺的同时，保持对艺术的热情和真诚，以及如何在与作品的互动中，实现自我的成长和超越。这一点让我觉得，学习钢琴，不仅仅是为了掌握一门技能，更是为了塑造一个更完整、更丰富的人格。 书中对“音乐与寂静”关系的阐释，也让我颇受启发。作者指出，音乐的魅力，不仅仅在于那些发出的声音，更在于那些未曾发出的“寂静”。他分析了如何通过对休止符的恰当运用，以及对音符之间“空白”的处理，来营造音乐的张力、表现音乐的细腻情感，甚至让寂静本身也成为音乐的一部分。这一点让我对音乐的感知力有了质的提升，也让我学会了在演奏中去“聆听”那些无声的力量。 此外，书中对“演奏家的修养”也进行了细致的论述。作者强调，一位优秀的钢琴演奏者，不仅要有精湛的技艺，更要有广博的学识、高尚的品德和良好的心理素质。他提供了一些关于如何培养音乐感觉、如何进行心理调节、以及如何在舞台上保持自信和从容的建议。这一点让我意识到，钢琴演奏是一项全方位的挑战，需要不断地进行自我提升和完善。这本书让我看到了钢琴演奏艺术的无限魅力，也让我对自己的未来充满了更美好的憧憬。
评分这本书的语言风格非常独特，它既有学术的严谨，又不失艺术的感染力。作者在论述中，仿佛是一位经验丰富的钢琴大师，用最精炼的语言，揭示了钢琴演奏艺术中最核心的奥秘。我特别喜欢书中那些充满智慧和洞察力的见解，它们往往能够一语道破我长期以来在演奏中遇到的困惑。 举个例子，书中关于“触键”的讨论，就让我受益匪浅。我一直认为触键只是指尖的动作，但作者却将触键提升到了一个全新的高度，将其视为“音乐的语言”。他详细分析了不同触键方式对音色、力度、甚至情感表达的影响，并提供了许多实践性的练习方法，帮助我训练手指的独立性、力量和灵活性，同时培养对音色变化的敏感度。例如，书中对“歌唱性触键”的描述，让我理解了如何通过柔和而富有弹性的触键，在钢琴上发出如声乐般连贯而富有表情的声音。 此外，书中对“节奏的呼吸”的探讨，也让我对音乐的节奏有了更深刻的理解。作者指出，节奏不仅仅是时间的度量，更是音乐生命力的体现。他分析了如何通过对节奏的细微处理，比如轻微的延迟或提前，来制造音乐的张力、表现情感的起伏，甚至赋予音乐一种“呼吸感”。这些细致入微的分析，让我意识到，对节奏的精准把握和创造性运用，是构成一首精彩钢琴演奏的关键要素之一。 我觉得这本书最大的价值在于，它不仅解答了我“如何弹”的问题，更重要的是，它引导我去思考“为何要这样弹”。它让我看到了钢琴演奏背后更深层次的艺术追求和哲学思考，也让我对自己的钢琴学习之路有了更清晰的规划和更坚定的信心。
评分这本书的结构非常合理，逻辑性极强，让我在阅读过程中始终保持清晰的思路。我尤其欣赏作者对于钢琴演奏艺术的整体性把握。他并没有将演奏技巧孤立地看待，而是将其置于更广阔的音乐理解和情感表达的语境中进行探讨。这一点非常重要，因为很多人可能只关注手指的灵活性和速度，却忽略了音乐的灵魂所在。这本书正好弥补了这一不足，它强调了技术是为了更好地服务于音乐表现，而不是反之。 书中对于乐句处理的讲解，我感觉尤其受用。如何构建一个具有生命力的乐句，如何在乐句之间建立自然的联系，如何在乐句中体现呼吸和张力，这些看似简单的问题，在书中得到了非常深入的解析。作者运用了大量的生动比喻，比如将乐句比作诗歌的韵律，将音乐的起伏比作自然的潮汐，这些形象的描述，让我在脑海中能够清晰地勾勒出音乐的线条和情感的走向。我反复阅读了关于如何运用踏板来塑造音乐色彩的部分，这一点对于很多钢琴学习者来说都是一个难点。书中详细介绍了不同类型踏板使用的技巧，以及它们对音响效果的具体影响，这让我受益匪浅。我尝试着在练习中运用书中提到的方法，果然发现自己的弹奏在音色和层次感上有了明显的提升。 此外，书中对不同时期作曲家作品演奏风格的差异也进行了细致的阐述。从巴洛克时期的清晰严谨，到古典时期的平衡典雅，再到浪漫时期的激情奔放，以及近现代的探索创新，作者都一一进行了梳理和分析。这让我意识到，对不同时代音乐风格的理解，是准确把握作品演奏精髓的关键。总而言之，这本书不仅是一本技术指南，更是一本关于音乐理解和艺术表达的哲学著作，让我对钢琴表演艺术有了更全面、更深刻的认知。
评分这本书的深入程度，绝对超出了我最初的预期。我原本以为会是一本偏向技术指导的书籍，但它所涵盖的内容之广、思考之深，让我感到惊喜。它不仅仅是一本关于钢琴演奏的书，更是一本关于如何理解音乐、如何与音乐沟通的书。 我对书中关于“情感与理性的平衡”的论述尤为赞赏。作者强调，优秀的钢琴演奏，既需要深厚的情感投入，也需要严谨的逻辑思维。情感是音乐的灵魂，而理性则是支撑起音乐结构的骨架。两者缺一不可，只有达到完美的平衡，才能创作出真正打动人心的演奏。书中通过对不同作曲家作品的分析，展示了这种平衡是如何在实践中体现出来的。例如，在演奏肖邦的夜曲时，如何将那种细腻、忧郁的情感与乐曲优美的旋律线和和声的流动有机结合。 我还注意到书中对“空间感”的运用进行了细致的探讨。这里的“空间感”并非指物理空间，而是指音乐在听众心中所营造的一种心理空间。作者分析了如何通过音符的疏密、力度的变化、以及乐句的衔接，来创造出或辽阔、或幽深、或疏离的音乐氛围。这一点对于我在弹奏一些大型作品时，如何把握整体的宏观结构，如何构建起音乐的“叙事性”，都提供了非常宝贵的启示。这本书让我意识到，钢琴演奏不仅仅是手指的运动，更是对声音空间的艺术性构建。它让我从一个更高的维度去审视自己的演奏，也让我对未来的学习方向有了更明确的认识。
评分这本书就像是一扇通往钢琴演奏艺术殿堂的厚重木门，而一旦推开，迎接我的便是广阔而精深的艺术世界。我之前可能只看到了钢琴演奏的“表面文章”，诸如指法、乐句、力度等，但这本书却像一把钥匙，将我引入了更深层次的思考。 我特别关注书中对“音乐中的戏剧性”的探讨。它阐释了如何在演奏中构建起跌宕起伏的情感曲线，如何在音乐中制造紧张与释放的张力，以及如何通过音色的变化来描绘出丰富的人物形象和故事情节。例如，在分析贝多芬奏鸣曲时，作者不仅仅停留在指法的层面，而是深入到作品的结构、和声走向以及作曲家所处的时代背景，来解释为何某些乐句的处理会产生如此强大的戏剧效果。这让我意识到，好的钢琴演奏，本身就是一种表演，是一种用声音讲述故事的过程。 书中对“听众”的关注也让我印象深刻。作者强调，钢琴演奏的最终目的，是将音乐的美感和情感传递给听众，引起他们的共鸣。因此，演奏者需要时刻关注听众的感受，理解他们对音乐的期待，并在演奏中与之建立联系。这一点非常重要，因为有时候我们可能会沉浸在自己的演奏技巧中，而忽略了音乐的传播性。书中提到的一些与听众互动的技巧，以及如何通过舞台表现来增强与听众的连接，都让我耳目一新。 此外，我对书中对“声音的雕塑”的描述也感到非常惊叹。作者将钢琴的声音比作可以塑造的泥土，演奏者就是雕塑家，通过手指的触摸、琴键的深浅、踏板的运用，将无形的声音雕刻成具有生命力的艺术品。他对不同钢琴音色特质的分析，以及如何根据作品的风格和情感需求来选择和塑造音色，都为我提供了宝贵的实践指导。这本书让我看到了钢琴演奏的无限可能性，也激发了我不断探索和追求更高艺术境界的热情。
评分这本书的名字确实很吸引人，我一直在寻找一本能够深入探讨钢琴表演艺术的书籍，而《论钢琴表演艺术》这个名字，恰恰点中了我的心坎。我最近刚刚翻阅了其中一部分，迫不及待地想与大家分享我的初步感受。 首先，它给我的最深刻印象是那种严谨的学术态度和对艺术的深沉敬意。书中对每一个演奏技法的剖析都细致入微，仿佛将我的双手带入了那个充满挑战的演奏空间。它不仅仅是告诉你“怎么弹”，更是深入到“为什么这么弹”，背后的原理、历史渊源以及不同时代演奏家对同一技法的理解差异，都得到了详尽的阐述。我特别欣赏书中对不同音色控制的探讨，比如如何通过触键的微小变化来塑造丰富的情感层次，如何在流畅的乐句中加入呼吸感，以及如何在钢琴这个乐器上模拟出声乐般的歌唱性。这些细致的描述，让我感觉自己仿佛置身于大师的课堂，亲耳聆听他们关于音色、力度、节奏的精妙讲解。 我还注意到书中对音乐表现力的挖掘，不仅仅局限于技术层面，而是上升到了对音乐内涵的理解和再创造。它引导我去思考，在每一个音符背后，作曲家想要传达的是怎样的情感？是欢乐、是忧伤、是激昂还是宁静？而作为演奏者，我们又该如何通过自己的理解和表现，将这份情感准确无误地传递给听众？书中引用了许多不同时期、不同风格的钢琴作品作为案例，对这些作品的演奏处理进行了深入的分析，让我对这些耳熟能详的乐曲有了全新的认识。比如，书中对肖邦练习曲的解读，让我理解了那些看似炫技的音型背后，蕴含着多么深沉的浪漫情怀。它让我意识到，真正的钢琴表演艺术，是将技术与情感完美融合的过程，是演奏者与作品、与听众之间进行心灵对话的桥梁。这本书的出现，无疑为我打开了一扇通往更深层次钢琴艺术理解的大门。
评分这本书的视角非常独特，它没有局限于传统钢琴教学的框架，而是将钢琴演奏艺术置于一个更广阔的文化和历史背景下进行考察。这种跨学科的分析，让我在阅读过程中不断产生新的思考和联想。 我对书中关于“钢琴演奏的时代性”的讨论深感着迷。作者分析了不同历史时期，钢琴本身以及演奏方式的演变，以及这些演变如何反过来影响了作曲家创作的作品。例如，从早期钢琴的轻巧音色到现代钢琴的宏大音响，演奏者需要根据乐器的特点来调整自己的演奏方式，以更好地诠释作品。书中引用了大量不同时期的钢琴文献和演奏录音作为例证，让我能够直观地感受到这种时代性的变化。 此外，书中对“演奏家的声音”的塑造也进行了深入的探讨。作者强调，每个演奏家都应该拥有自己独特的声音，这种声音是演奏者个性、情感和技术完美结合的产物。他提供了一些训练方法，帮助演奏者培养对音色的敏感度，探索不同的发声技巧，并最终形成自己独特的声音标识。这一点让我意识到，与其盲目模仿他人，不如深入挖掘自己的潜力，塑造出属于自己的艺术表达方式。 我还特别欣赏书中对“批评与反思”的重视。作者鼓励演奏者要学会客观地评价自己的演奏，及时发现问题并加以改进。他提供了一些自我评估的技巧，以及如何从他人的反馈中汲取有益的建议。这种开放和反思的态度，对于任何一位追求艺术进步的人来说，都是至关重要的。这本书让我看到了钢琴演奏艺术的丰富性和多样性，也激励我更加积极地去探索和实践。
评分我从这本书中获得的不仅仅是知识，更是一种启发和一种全新的视角。它让我明白，钢琴演奏艺术并非是一成不变的教条，而是一个充满生命力、不断发展变化的动态过程。书中对“诠释”的探讨，让我尤为印象深刻。它告诉我们，即使是同一首作品，不同的演奏家也会有不同的理解和演绎，而这种差异正是艺术的魅力所在。作者并没有要求读者去模仿某一种特定的演奏风格，而是鼓励我们去独立思考，去挖掘作品的内在意义，然后用自己的方式去表达。 这一点对于我来说，具有非常重要的指导意义。我过去可能过于拘泥于“标准答案”，担心自己的演奏不够“正统”。然而，这本书让我意识到，最动人的演奏，往往源于演奏者内心最真挚的情感和最独特的理解。书中通过对不同演奏家录音的分析，生动地展示了这种“个体化诠释”的力量。例如，对鲁宾斯坦和阿什肯纳齐对同一首拉赫玛尼诺夫协奏曲的对比分析，就让我惊叹于两位大师截然不同的处理方式，但两者都同样精彩，都能够触动人心。 我还特别喜欢书中对“即兴”概念的探讨。虽然现代钢琴演奏大多是根据乐谱进行，但作者强调了即使在严格的乐谱限制下，演奏者仍然可以在音色、节奏、力度等方面进行一定程度的“即兴”，从而使演奏更具生命力。这一点让我联想到爵士钢琴的演奏，虽然两者有本质区别，但其中关于“自由度”和“创新性”的共通之处，给我带来了很多思考。这本书就像一位循循善诱的老师，它不仅传授给我方法，更重要的是，它点燃了我对音乐创作和表现的更大热情，让我对未来的钢琴学习充满了期待。
评分我必须说，这本书对于我理解钢琴演奏艺术的深度和广度，起到了颠覆性的作用。它没有给我现成的答案，而是像一个智慧的引路人，引导我去发现问题，去思考问题，去解决问题。 让我印象深刻的是书中关于“音乐的建筑性”的论述。作者将一首完整的钢琴作品比作一座精美的建筑，而演奏者则是建筑师。每一个音符、每一个乐句、每一个段落，都如同建筑的砖石、梁柱、楼阁，需要精心安排，相互呼应，共同构建起一个宏伟而和谐的整体。他详细分析了如何通过对作品结构的深入理解，来把握音乐的整体走向，如何在各个部分之间建立逻辑联系，以及如何通过音色和力度的变化来突出建筑的重点和亮点。这一点对我来说非常重要，我过去可能更关注单个乐句的完美，而忽略了作品的整体性。 书中对“演奏的自由度”的探讨也让我受益匪浅。作者并没有否定乐谱的权威性，但他指出，即使在严格遵循乐谱的前提下，演奏者仍然拥有很大的自由度来表达自己的情感和理解。他分析了如何通过对节奏、力度、音色等元素的细微处理，来赋予音乐生命，使其更具个性和表现力。例如，在处理一些重复的乐句时，如何通过细微的变化来避免单调，增加音乐的趣味性。 此外，书中对“舞台的呈现”也进行了一定的阐述。虽然它不是一本纯粹关于舞台表演的书，但作者也强调了，一次成功的钢琴演奏，不仅仅是技巧的展现，更是与听众的沟通和交流。他提到了一些与观众互动的技巧，以及如何通过肢体语言和表情来增强音乐的表现力。这一点让我意识到，钢琴演奏是一项综合性的艺术，需要全面的准备和投入。这本书让我对钢琴演奏艺术有了更立体、更全面的认识，也激发了我不断挑战自我、追求卓越的决心。
评分这本书的内容，真的可以称得上是“字字珠玑”，每一个字都蕴含着作者对钢琴演奏艺术的深刻理解和独到见解。我感觉自己就像是在与一位学识渊博、经验丰富的钢琴大师进行一场深入的对话。 我特别喜欢书中关于“音乐的呼吸”的比喻。作者将音乐的乐句处理比作人的呼吸，认为音乐的流畅性和生命力，就体现在对“呼吸”的恰当运用上。他详细分析了如何在乐句的开头、中间和结尾处进行“换气”，如何通过渐强和渐弱来表现音乐的张力和抒情性，以及如何通过休止符来营造音乐的“停顿”和“回味”。这一点让我对音乐的节奏和乐句有了全新的认识，也帮助我克服了之前弹奏时“一口气弹到底”的毛病。 书中对“音色的调色板”的描述，也让我大开眼界。作者将钢琴的音色比作调色师手中的颜料，演奏者可以通过不同的触键、不同的踏板运用，来调出丰富多彩的音色，从而细腻地描绘出音乐的情感和意境。他分析了不同钢琴品牌的音色特点，以及不同演奏者如何利用这些特点来塑造自己的音乐语言。这一点让我对音色控制有了更具象的理解，也激发了我对不同音色表现的探索热情。 我还特别欣赏书中对“音乐的叙事性”的探讨。作者认为，一首优秀的钢琴作品，本身就包含着一个故事，而演奏者就是这个故事的讲述者。他分析了如何通过音乐的起伏、情绪的转折、以及旋律的走向，来构建起音乐的叙事线索，引导听众跟随自己进入音乐的世界，去感受其中的喜怒哀乐。这一点让我觉得，每一次的弹奏，都是一次新的创作，都是一次与音乐灵魂的对话。这本书让我对钢琴演奏艺术有了更深的敬畏和热爱。
评分非常好！大师就是大师！！！
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评分他太聪明了...
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