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出版者:

作者:陈征

出品人:

页数:249

译者:

出版时间:2002-6

价格:22.00元

装帧:

isbn号码:9787301056806

丛书系列:

图书标签:

• Photoshop
• 图像处理
• Photoshop教程
• 图像编辑
• 图形设计
• 设计软件
• 数码图像
• 后期制作
• 图像修复
• 软件操作

数字影像的无限可能：现代摄影与视觉叙事导论 本书聚焦于数字影像的本质、历史演进及其在当代社会中的叙事力量。它并非一本技术操作手册，而是对“图像如何思考”的深度探索。 第一部分：光影的哲学与视觉的起源 本部分将带领读者穿越摄影术诞生前的漫长历史，追溯人类对捕捉和重现现实的渴望。我们将考察早期绘画、暗箱的原理及其在文艺复兴时期如何影响了透视和空间观念的建立。 一、从洞察到定影：黑暗箱的诞生与光学基础 自然界的光学魔术： 深入解析针孔相机（Camera Obscura）的基本原理，探讨其作为人类最早的“影像捕捉器”的意义。重点分析光线穿透小孔后在平面上形成倒像的物理现象，而非具体如何操作设备。 透镜的革命： 讨论凸透镜在聚焦光线中的关键作用，以及它如何从简单的放大工具演变为现代影像捕捉系统的核心组件。这部分将侧重于光学定律对清晰度与景深概念的形塑影响，不涉及任何现代镜头的光圈或快门设置。 化学的曙光： 简要概述尼埃普斯和达盖尔早期对光敏材料的探索历程。关注的是“记录光线”这一概念的哲学突破，而非显影、定影的具体化学流程。探讨了首次成功“凝固时间”对人类认知带来的冲击。 二、图像的语言：形式、符号与结构 视觉艺术的分析基础，探讨图像构成要素如何有效传达意义。 构图的内在秩序： 剖析古典构图法则（如三分法、黄金分割）背后的数学美学和心理学基础。讨论不对称、平衡、引导线等元素如何引导观者的目光和情绪，但完全避开任何关于裁剪或画布比例调整的实践指导。 色彩的心理学光谱： 探究色彩在不同文化和历史背景下的象征意义。分析暖色调、冷色调的心理效应，以及色彩对比如何用于强调主题或营造氛围，不涉及色轮、色阶或任何色彩模式（如RGB/CMYK）的具体应用。 纹理与深度： 讨论如何利用画面的纹理和影调变化来模拟三维空间感和触感，从而增强叙事的真实性或表现力。这部分侧重于观察和感受，而非后期处理中的纹理叠加。 第二部分：摄影的纪实与艺术的张力 本部分探讨摄影术从单纯的记录工具演变为严肃艺术媒介的复杂历程，并考察其在社会文化中的角色。 三、纪实的伦理与时代的见证 新闻摄影的诞生与责任： 分析早期新闻照片（如克里米亚战争、美国内战）在构建公共记忆中的作用。讨论新闻纪实的客观性边界，以及“瞬间决定性”理念对捕捉历史瞬间的影响。 社会纪实：人性的扫描仪： 聚焦雅各布·里斯、刘易斯·海因等社会改革者如何利用影像揭露社会阴暗面。探讨影像作为社会批判工具的有效性，分析图像对政策和公众舆论的推动力，但完全不讨论如何选择拍摄对象或设置曝光。 作为证据的图像： 探讨法律、科学领域对影像准确性的要求，以及不同媒介（胶片与数字）在证据力上的历史差异，重点在于“真实性”的探讨，而非图像校准技术。 四、从沙龙到先锋：艺术摄影的自觉 绘画主义的抗争： 探讨摄影师如何试图模仿绘画的质感和意境，以争取艺术地位。分析柔焦、油画效果等美学尝试，及其在确立摄影本体语言过程中的功过。 直达本质：现代主义的纯粹： 考察以斯特里肯德、亚当斯为代表的摄影师如何强调清晰、精确的影调和形式感，确立了摄影作为一种独特艺术语言的地位。关注他们对自然光线和环境的极致捕捉，而非后期对影调的控制。 后现代的解构：图像的复数性： 讨论杜尚、辛德尔等艺术家如何挑战“原作”概念，以及通过系列作品探讨时间、重复和主体性的关系。分析图像被挪用、复制和再语境化对意义的冲击。 第三部分：影像的当代语境与未来视野 本部分转向当今世界，探讨数字技术背景下视觉文化的深刻变革，以及图像在身份建构和全球传播中的新角色。 五、身份的构建与屏幕的凝视 肖像的变迁：自我表达的剧场： 考察传统肖像画到现代自拍文化之间的演变。分析个体如何利用影像来协商、构建和展示其社会身份，探讨“被观看”与“观看”之间的权力关系，不涉及任何自拍技巧或滤镜的使用。 身体、空间与景观的重塑： 分析当代艺术家如何利用摄影介入公共空间和私密体验。探讨城市景观、废弃空间以及人体在当代影像中的非传统呈现方式，以及它们如何挑战我们对“美”和“真实环境”的既有认知。 全球化的视觉符号： 探讨在互联网环境下，某些图像符号如何迅速跨越文化界限，成为全球共同的视觉词汇。讨论符号的固化与消解过程。 六、超越定格：动态影像与虚拟现实的边缘 时间与运动的捕捉： 简要回顾电影艺术的早期探索，着重于如何通过连续的静止画面来模拟运动的感知，以及早期的电影制作人如何开始运用剪辑来控制叙事节奏和观众情感。 数字化的边界： 探讨高分辨率、多媒体集成对传统“摄影”定义的挑战。讨论当所有图像都可被轻易修改时，我们对“记录”的信任基础发生了怎样的动摇。这部分将是关于认知和伦理的讨论，而非任何软件操作的介绍。 本书旨在提供一个坚实的理论框架，帮助读者批判性地理解我们被包围的视觉世界，理解每一张影像背后蕴含的决策、历史和文化意图。它鼓励读者成为一个更有洞察力的观看者，而非单纯的图像生产者。

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老实说，我抱着试试看的心态翻开了这本教材，主要是冲着它那相对比较“厚道”的篇幅去的，心想至少内容不会太肤浅。结果发现，这本书的深度和广度远超我的预期，特别是对于那些追求特定效果，而非泛泛而谈的进阶用户来说，简直是宝藏。我最近在尝试复刻一些老照片的胶片质感，市面上大部分教程都只停留在调整曲线和色阶的表面，但这本书里，它专门辟出了一整节，详细剖析了如何通过颗粒模拟、暗角控制，乃至模拟特定年代胶片的偏色倾向，进行极其精细的“年代感”再造。它对“Camera Raw”模块的讲解尤其精妙，没有将其视为一个简单的预处理工具，而是将其上升到“数字底片”的哲学层面来探讨。作者对于光影的理解和表达，那种近乎艺术家的细腻感，透过文字清晰地传递了出来。阅读时，我甚至不得不放慢速度，因为很多细节，比如如何利用高光和阴影的“混合模式”来重塑物体的体积感，都需要反复揣摩和在软件中实时验证，这本书的价值在于它提供了思考的框架，而非简单的操作清单。

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这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范，完全颠覆了我对技术类书籍的刻板印象——那些书通常是工具导向的，打开就是“A工具在哪里，按B键”。这本书的结构显然更侧重于“项目驱动”和“问题解决”。我特别欣赏它在每完成一个基础模块后，都会立刻衔接一个“实战演练”的案例。比如，在学完图层混合模式后，紧接着就有一个“制作晶莹剔透玻璃效果”的综合练习。这种即学即用的模式，极大地提升了我的学习效率和成就感。更人性化的是，作者似乎总是能预判到读者在操作中可能遇到的“卡壳点”，并在关键步骤用小提示框的方式进行预警和补充说明，这些提示往往是过来人才能总结出的经验之谈，避免了我在重复试错中浪费时间。这种以学习者为中心的设计思路，让整个阅读过程都保持着一种积极、顺畅的节奏，让人很难中途放弃。

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从一个纯粹注重视觉体验的读者的角度来看，这本书在版式设计上也是下足了功夫。很多技术手册往往因为追求信息密度而牺牲了可读性，但这本书的排版非常舒服，留白恰到好处，即便是面对复杂的双通道对比图，也能保持清晰的逻辑分隔。图片的使用更是精准到位，每一个截图都带有明确的指示箭头或者高亮区域，完全没有那种模糊不清、需要读者自行在软件中寻找按钮的尴尬情况。更重要的是，它对“美学标准”的强调贯穿始终。它不仅仅告诉你“怎么把照片变亮”，还会引导你去思考“在什么场景下，这种亮度的处理才是最符合情感表达的”。这种将技术操作与审美判断紧密结合的叙事方式，让学习过程充满了启发性，感觉自己不仅在学习软件的“术”，更在领悟设计的“道”，收获远超一本普通操作手册的价值。

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这本《Photoshop图像处理教程》真是我近期阅读体验中的一股清流，尤其是在我这个对设计软件总是感到头疼的“小白”用户来说。我本来以为它会像市面上那些充斥着密密麻麻专业术语的书籍一样，让我望而却步，但事实完全出乎意料。它似乎深谙如何用最平易近人的方式，把那些看似高深的工具和概念拆解开来。举个例子，书中讲解图层蒙版的那一章，我以前总是在各种教程里被“黑白渐变控制透明度”这种说法绕晕，但这本书里，作者竟然用了“厨房里的百叶窗”来比喻，一下子就让我明白了其核心逻辑。更让我印象深刻的是，它不仅教你怎么“做”，更强调“为什么这么做”。比如，在谈到色彩空间转换时，它没有简单地罗列出RGB和CMYK的区别，而是通过几个实际的打印案例，展示了不正确转换可能导致的灾难性后果，这种前瞻性的指导，让我学会了在处理图片之初就做好规划，而不是等后期返工才发现问题。阅读过程中，我感觉自己像是在跟着一位经验丰富、耐心十足的老师傅在工作室里学习，每一步都有清晰的指示和充足的理论支撑，让我对这个强大软件的敬畏之心，转化成了实实在在的操作信心。

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我得承认，我过去在图像处理上花了不少冤枉钱，买过好几本号称“全能”但内容陈旧的书籍。这本《Photoshop图像处理教程》的优势在于其内容的“鲜活度”和与时俱进。它不仅涵盖了基础的修图校色，对近年来越来越重要的非破坏性编辑理念有非常深入的探讨，并且清晰地划分了哪些操作是“一去不复返”的，哪些可以通过智能对象和智能滤镜进行灵活调整。我尤其欣赏其中关于“矢量路径与位图结合”的应用章节。在处理Logo设计或需要精确边缘合成的场景时，过去我总是把它们割裂开来理解，但这本书巧妙地展示了如何利用Photoshop内部的矢量工具来辅助复杂的选区创建和精确裁切，这极大地拓宽了我对软件边界的认知。它不是一本停留在软件旧版本的功能列表，而是一本真正面向现代设计流程的指南。

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