现代乐器学.下册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民音乐出版社

作者:柏辽兹

出品人:

页数:286

译者:金文达

出版时间:1959-3

价格:13.80元

装帧:

isbn号码:9787103001929

丛书系列:

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《管弦乐编配原理与实践》 内容简介 本书深入剖析了管弦乐队的结构、音色特性、传统与现代的配器手法，旨在为音乐创作者提供一套系统、详尽且具备高度实践性的编配指南。本书摒弃了枯燥的理论堆砌，聚焦于如何将音乐构思转化为丰富、立体且富有生命力的管弦乐织体。 第一部分：管弦乐队的构建与基础 第一章：管弦乐队的起源、演变与现代构成 本章追溯了管弦乐队从巴洛克时期小型合奏到浪漫主义时期巨型编制的演变历程。重点分析了十九世纪末至二十世纪初，乐团规模与音响哲学的关系。深入解析了现代标准交响乐队的编制蓝图，涵盖弦乐组（第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）的比例考量、木管组（长笛、双簧管、单簧管、巴松）的音色衔接与乐器扩展（如短笛、英国管、低音单簧管、低音巴松）的使用时机。同时，详细阐述了铜管组（圆号、小号、长号、大号）在不同风格音乐中的功能定位，以及打击乐组（定音鼓、有音高打击乐器、无音高打击乐器）如何提供节奏支撑与色彩点缀。 第二章：乐器音域、音色与技术特性 本章是理解配器的基石。对每一种主要乐器进行了细致的声学剖析。音域图谱不仅标注了其常规实用范围，更细致区分了“有利音区”（Sweet Spot）、“弱音区”和“炫技区”。音色描述部分，摒弃了模糊的形容词，采用对比分析法，例如，区分小提琴的“弓法颗粒感”与大提琴的“歌唱性音色”，以及木管乐器在不同奏法（如断奏、连奏、颤音、颤指）下的音色变化。此外，系统介绍了各种演奏技巧对音量的影响，如管乐器的“弱音器（Mute）”使用对音质的改变，以及弦乐拨奏（Pizzicato）与揉弦（Vibrato）在情感表达中的作用。 第二部分：核心配器技法与织体构建 第三章：和声的色彩化：和弦配置与乐器分配 本章探讨了如何将既定的和声结构转化为具有特定听觉效果的乐器组合。重点讨论了“和弦的密度”与“配器层次”的关系。讲解了如何利用弦乐组的不同声部交织，来创造饱满或稀疏的底层和声。深入分析了不同乐器组合带来的“泛音色彩”变化，例如，双簧管与中音号组合形成的“鼻音式”音色，或长笛与竖琴的交织所营造的“透明感”。讨论了如何使用挂留音、经过音等装饰性音符来增加织体的流动性，并指导读者如何分配这些装饰性声部以避免乐器间的音域重叠与冲突。 第四章：旋律的塑造：线条的清晰度与平衡 清晰的旋律线条是管弦乐的灵魂。本章专注于如何确保主要旋律在复杂的伴奏织体中依然突出、清晰且富有感染力。讲解了“突出技巧”，包括使用高音域的乐器、使用对比强烈的乐器组（如木管独奏对抗弦乐齐奏）、以及运用力度标记（如渐强、突强）来引导听众的注意力。同时，详细讨论了“对位法”在配器中的应用，区分主旋律、副旋律与对位声部在音量和音色上的主次关系，确保层次分明而不混浊。 第五章：管弦乐织体的层次与空间感 本章侧重于构建三维的听觉空间。介绍了“三层结构”配器模型：底层（根音与低音支持）、中层（和声填充与织体铺陈）和表层（旋律或重要的对位线条）。重点探讨了如何利用乐器的“声学位置感”来模拟空间深度：例如，将圆号和低音提琴置于底层营造深远感，将高音单簧管或短笛置于表层以获得“近距离”的锐利感。此外，还分析了如何通过“间歇性配器”（A-B-A’结构）来控制听众的听觉疲劳，以及使用不同发音点（如近琴码的弦乐对后方的低音铜管）来增加织体的立体感。 第三部分：特殊技法与现代应用 第六章：铜管组的动态力量与色彩控制 铜管组是管弦乐中力量的象征，但其应用需要精妙的平衡。本章详细分析了圆号在传统配器中的“粘合剂”作用，以及如何利用其宽广的音域来弥合木管与铜管之间的音色鸿沟。重点讲解了小号和长号的使用限制与强化效果，尤其是在力度对比极大的场景下（从极弱的弱音器到震耳欲聋的强音）。探讨了现代作曲家如何利用铜管组的噪音成分（如气息声、敲击管体）来拓展其表现力。 第七章：木管组的精妙与融合艺术 木管组以其多变的音色和极佳的颗粒感著称。本章聚焦于木管的“衔接与过渡”。详细阐述了如何通过精确的指法和气息控制，实现木管声部的无缝衔接，例如，用巴松平稳过渡到大提琴，或用英国管引入中提琴的旋律。探讨了“木管齐奏”（Woodwind Choirs）的构建，以及如何利用不同木管乐器的高低音区交替，来模仿人声合唱的效果。 第八章：打击乐的现代角色与节奏驱动 本书的打击乐章节超越了传统的节奏支持功能。分析了如何将打击乐视为音色“爆炸点”或“节奏锚点”。系统介绍了各种马林巴、颤音琴、木琴等有音高打击乐器在和声填充中的作用，并指导读者如何将这些乐器的高频声音与弦乐的高音区进行有效区隔。对于无音高打击乐器（如铙钹、军鼓），重点在于分析其在构建复杂节奏型和制造突然的音响冲击力时的精确时机。 第九章：非传统配器手法与现代管弦乐的拓展 本章面向更具探索精神的创作者。讨论了二十世纪以来的配器新趋势，包括：集群音高（Tone Clusters）的实现与记谱；微音程（Microtones）在弦乐和特制管乐器上的应用；扩大技巧（Extended Techniques）的记谱标准和听觉效果（如弦乐的敲击琴码、木管的气息声）；以及对录音棚效果（如延迟、混响）的模拟。同时，探讨了室内乐配器与大型乐队配器的思维差异，以及如何在有限编制中实现丰富的色彩对比。 结论：从乐谱到舞台 总结了配器决策的最终原则：服务于音乐的内在逻辑和情感表达。强调了“试听”与“修改”是配器过程中不可或缺的一环，并提供了针对不同乐器组合的常见问题排查清单，帮助读者在最终定稿前优化声音的清晰度和平衡性。 目标读者： 音乐学院作曲、配器专业学生，影视、游戏音乐制作人，专业管弦乐队指挥，以及对管弦乐编配艺术有深入学习需求的音乐爱好者。

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作为一名业余的电子音乐爱好者，我本以为这下册能为我揭开那些神秘的“声音设计实验室”的面纱，但阅读体验却让我感到有些枯燥乏味。书中对声音合成技术的探讨，更多地集中在了数学模型和傅里叶分析的深层推导上，这些固然是科学的基础，但对于一个渴望了解如何用最直观的方式创造出震撼人心的音效的实践者来说，这些公式堆砌的篇章读起来如同在啃硬骨头。缺乏生动的案例分析——比如，某个著名音乐家如何利用书中提到的某种合成器模块，创造出其标志性的“环境音景”，或者某个特定音色的产生过程背后的独到见解。这本书似乎更热衷于解释“为什么”是这样，而不是指导“如何去”实现它。它给了我一张精确的乐器蓝图，却没告诉我如何拿起工具去雕刻出艺术品。这种理论的过载和实践的缺失，使得整本书的阅读过程显得节奏缓慢且缺乏必要的激励性。

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这本书的编撰者似乎对乐器分类学有着近乎偏执的严谨性，这在组织结构上体现得淋漓尽致。每一个新的乐器类别——从气动电子混合体到基于生物反馈的接口——都被划分为极其细小的子类别进行冗长而详尽的论述。这种极端的细分，虽然保证了内容的全面性，却牺牲了阅读的连贯性。我常常在阅读一段关于某种稀有键盘乐器的介绍时，感觉自己被突然拉到了一个完全不同的技术领域，上下文的衔接非常生硬。这使得读者很难建立起一个宏观的、互相联系的现代乐器知识网络。它更像是一部按字母顺序排列的百科全书的片段，而不是一部经过精心设计的、引导思维流动的学术专著。如果能将这些技术分类进行更具启发性的主题整合，比如围绕“人机交互效率”或“声音生成速度”来组织章节，而不是仅仅基于物理原理的划分，这本书的阅读价值和学习效率无疑会大大提升。现在看来，它更适合在查阅特定资料时翻阅，而非进行系统性的深入学习。

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这本书的排版和图示，坦白说，给我留下了一种陈旧的印象，这与“现代乐器学”这个标题所暗示的前卫感格格不入。虽然内容厚实，但那些黑白印刷的、分辨率不高的乐器剖面图，让我难以清晰分辨出那些精密的机械或电子组件。尤其在介绍那些需要精确视觉辅助才能理解其工作原理的混合乐器时（比如某些复杂的机械键盘或触控敏感的表面），文字的描述显得苍白无力。我总是在脑海中构建不出那些声音是如何从物理形态转化而来的。更有甚者，对于某些高度依赖特定软件生态系统的现代乐器，书中引用的软件版本似乎已经有些年代感了，这让我在尝试将书中的理论应用于我手头的最新设备时，遇到了不少兼容性的障碍。如果一本讲授“现代”的学术著作，其自身的视觉载体和参考案例不能紧跟时代步伐，那么它所传授的知识的鲜活度和实用性，必然会大打折扣。我期待的是一场视觉和理论的完美结合，但这本书提供的体验，更像是一次对历史资料的整理性回顾。

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翻开这本《现代乐器学》的下册，我的第一感觉是，它仿佛是一本为特定领域的专家准备的内部参考资料，而不是一本面向广大音乐爱好者的科普读物。对于那些热衷于传统管弦乐器家族的演变与改良的读者，这本书的价值可能并不突出。它几乎将笔墨全部集中在了那些近几十年才崭露头角的电声、计算和控制界面相关的乐器上。例如，关于“实时采样与音色重构”这一章节，作者用了大量的篇幅去描述软件算法的复杂性，但对于这种技术对演奏者“即兴能力”带来的哲学冲击，却着墨甚少。我更想知道，当乐器本身就能进行近乎无限的音色生成时，演奏家自身的“技艺”究竟该如何重新定义？这本书的结构安排显得有些失衡，对于那些在现代音乐现场中扮演重要角色的控制器和接口设备，分析得过于简略，仿佛只是作为实现复杂功能的附属品。读完后，我感觉自己对“声音的物理实现”有了更清晰的认识，但在“声音的审美表达”上，依然感到意犹未尽，仿佛错过了作者真正想表达的音乐核心。

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这本厚重的《现代乐器学》下册，说实话，我抱着极大的期待翻开它，希望能在纷繁复杂的当代器乐世界里找到一些清晰的脉络和指引。然而，阅读的过程更像是一场在迷雾中摸索的旅程。书中对于某些新兴电子乐器和模块化合成器的介绍，虽然信息量很大，但叙述方式显得过于学术化和冰冷。它似乎更偏向于技术规格的罗列，而不是深入探讨这些新工具如何改变了作曲手法和音色设计的美学理念。比如，当我试图了解微音器技术在特定现代打击乐器上的应用时，发现书里给出的只是一个简短的原理图和参数表，缺少了实际演奏者在使用这些技术时所面临的挑战和创造性的解决方案。我期待的是一种能够激发我动手尝试、去探索声音边界的引导，而不是一份冰冷的说明书。整体来看，这本书的深度在某些前沿领域显得有些不足，仿佛只是触及了表面，未能真正深入到现代乐器学最核心的、与实践紧密结合的创新精神之中。对于想从零开始构建现代乐器知识体系的初学者来说，这本书的门槛可能会有点高，而对于已经有一定基础的研究者而言，它提供的突破性见解又似乎不够振聋发聩。

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第二本乐器法书

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连版本都一样，牛。

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