中国画

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出版者:湖南美术出版社
作者:孔凡智
出品人:
页数:68
译者:
出版时间:1996-06
价格:24.00
装帧:平装
isbn号码:9787535608109
丛书系列:
图书标签:
  • 中国画
  • 绘画
  • 艺术
  • 美术
  • 传统文化
  • 国画
  • 技法
  • 历史
  • 文化
  • 教程
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具体描述

作者简介

作者简历

孙凡智 一九五四年

生于湖南省长沙市。一九

八二年毕业于湖南师范大

学艺术学院美术系,一九

九五年于母校完成“研究

学者”研修课程。现执教于

湖南省轻工业高等专科学

校工艺美术系,任副教

授。

十余年来,一直致力

于中国画的教学和创作研

究,其作品《牵纱图》人选

第六届全国美术作品展

览,部份作品多次在美国、

新加坡、台湾、香港等国家

和地区展出和收藏。

目录信息

目录
前言
第一章 中国画概述
第二章 工具与材料
第三章 工笔人物画
一、概述
二、工笔人物画的造型基础
三、线描技法
四、白描
五、着色技法
六、工笔人物写生
第四章 工笔花鸟画
一、概述
二、工笔花鸟画的表现形式
三、花木的生态特征
四、禽鸟的生态特征
五、写生方法
第五章 山水画
一、概述
二、用笔用墨
三、树法
四、山石法
五、云水法
六、设色法
七、透视与构图形式
八、题款、铃印
第六章 写意人物画
一、概述
二、意象造型
三、造型训练
四、意笔线描
五、意笔着色
六、即兴与契机
七、意笔人物写生
第七章 高考提要
附彩图
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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这本书在图像的选取和对“意境”的诠释上,展现出一种近乎苛刻的品味。我发现它避开了那些被过度曝光、审美疲劳的“爆款”名作,转而收录了大量博物馆的镇馆之宝或是过去较少被关注的精品。例如,它花了不少篇幅去解读那些在历史长河中地位略显尴尬,但技法上独具开创性的地方画派作品,这极大地拓宽了我的视野。对于如何理解“意境”这个核心概念,书中采取了一种多维度解析的方法,而不是空泛地赞美。它会从“气”、“性”、“情”三个层面来拆解一幅作品的感染力,并辅以具体画例进行对照分析。比如,分析一幅小品山水时,会特别指出画家如何通过一根松针的姿态来暗示其坚韧的“性”,以及这种暗示如何与整幅画面的“情”相呼应。这种细致入微的“导读”,让我从一个旁观者,逐渐转变为一个能够与古人“对话”的鉴赏者,不再满足于“好看”,而是开始追问“为什么好”,这种思维方式的转变,是这本书带给我最宝贵的东西。

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这本书的学术深度和广度,着实让我感到震撼。我过去接触的很多关于中国画的读物,往往侧重于某一朝代或某一画科,难以形成一个完整的脉络。但《中国画》做到了这一点,它构建了一个宏大而又逻辑严密的知识体系。它并没有将中国画视为一个孤立的艺术形式,而是将其置于整个中国哲学、历史乃至社会变迁的大背景下进行考察。比如,书中对“院体画”和“文人画”的对比分析,不仅仅停留在技法差异上,更是深入挖掘了背后的政治生态和士人阶层的自我期许。更值得称道的是,它对近现代中国画的转型和探索给予了充分的关注,没有在清末民初戛然而止,而是细致地梳理了从“四王”到“海派”、“岭南画派”乃至当代实验水墨的发展脉络,清晰地指出了每一次变革背后的思想动因。对于像我这样希望系统性建立知识框架的深度学习者来说,这种结构上的完整性和论述上的严谨性,是确保知识不碎片化的关键。它提供的参考书目和注释也极其详尽,足以引导读者进行下一步的学术深耕。

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坦率地说,这本书的实用性超出了我的预期。虽然它看起来像是一本理论和鉴赏的专著,但其中蕴含的实践指导却是潜移默化的、润物细无声的。它没有提供生硬的“五步画竹法”之类的步骤拆解,而是通过对历代名家“笔墨语言”的解构,间接指导了如何形成自己的语言。我特别欣赏其中关于“积墨法”的探讨,它不仅仅描述了积墨的层次,更着重分析了不同积墨法背后所体现的画家对于“留白”和“厚重”的哲学取舍。书中穿插的那些“高手私房话”式的解读,比如关于如何调配不同浓度的墨水来应对不同季节的自然光影,或者如何在湿润的空气中调整行笔速度以避免墨色洇散,这些细节只有真正长期浸淫于创作实践的人才能体会到其价值。读完这本书,我感觉自己对笔墨的掌控有了一种更深层次的敬畏和理解,知道每一笔落下都包含了前人无数次的试错与沉淀,这比单纯模仿技巧要高明得多,它教的不是“怎么画”,而是“如何思考如何画”。

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我带着一种略微挑剔的眼光翻开了这本书的文本部分,原本以为它会是那种堆砌着晦涩难懂的术语和故作高深的理论的“教科书”。然而,作者的叙事方式却出乎意料地平易近人,充满了人文关怀。它没有直接上来就给我灌输“气韵生动”的抽象概念,而是从更生活化的角度切入,比如探讨古代文人在特定气候、特定心境下如何选择笔墨的材料和工具。我特别喜欢其中关于“时间感”的论述,作者将一幅画的完成过程视为一个动态的时间序列,而非一个静态的结果,分析了画家在起稿、破墨、罩染、点睛等不同阶段的心态转换,这极大地丰富了我对创作过程的理解。例如,书中提到唐代吴道子的“吴带当风”,并不是单纯形容衣袂飘逸,而是深入剖析了当时社会对气势磅礴、动态美学的追求如何影响了线条的走向和力度。行文节奏张弛有度,引用了大量鲜为人知的轶事和书信片段,让那些历史上的大师们仿佛活了过来,不再是冰冷的图像符号。读下来,我感觉自己不是在学习绘画理论,而是在听一位见多识广的长者,娓娓道来一场跨越千年的艺术漫谈,那种娓娓道来的亲切感,是其他同类书籍所不具备的。

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这部《中国画》的装帧设计简直是一场视觉的盛宴。我拿到书的时候,首先被那厚实的纸张和温润的触感所吸引,仿佛能感受到传统宣纸的呼吸。封面设计更是匠心独运,没有使用那种俗套的、将多幅名画拼贴在一起的做法,而是选择了一幅意境深远的写意山水局部特写,墨色的浓淡干湿变化被精准地捕捉和印刷出来,即便是微小的笔触飞白,也清晰可见。内页的排版布局极为考究,留白的处理达到了极高的艺术水准,每一幅作品都有足够的空间“呼吸”,不会让人感到拥挤。更让我惊喜的是,作者在介绍画作时,不仅提供了高清的图像,还专门开辟了“细节放大”的版块,用微距镜头展示了关键区域的笔锋走势和墨韵变化,这对于想要深入学习技法的爱好者来说,简直是无价之宝。例如,在临摹一幅宋代花鸟画时,我过去总是疑惑于画家如何控制润墨的程度,这本书通过细致入微的图解,清晰地展示了“宿墨”与“活墨”在同一笔触中如何交融,这种严谨而又充满敬意的呈现方式,让原本高高在上的艺术变得触手可及。整体来看,这本书不仅仅是一本画册,更像是一件精心制作的艺术品,收藏价值与学习价值兼备。

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