西洋美术家画廊 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:吉林美术出版社

作者:（英）De Agostini出版公司

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2001-06

价格:15.00元

装帧:铜版纸彩印平装

isbn号码:9787538608472

丛书系列:西洋美术家画廊

图书标签:

• 艺术
• 艺术界
• §美术
• =j=
• *长春·吉林美术出版社*
• 美术史
• 西方美术
• 绘画
• 艺术作品
• 艺术欣赏
• 画家
• 艺术流派
• 艺术风格
• 艺术馆藏
• 艺术参考

文艺复兴时期：艺术的黎明与辉煌 人类文明的长河中，总有一些时期，如同沉睡的巨龙被唤醒，迸发出耀眼的光芒，照亮了前行的道路。文艺复兴，便是这样一段光辉的岁月。它并非一夜之间出现，而是孕育于中世纪的晚期，在14世纪的意大利悄然萌发，并逐渐席卷整个欧洲，历经15至16世纪的鼎盛，直至17世纪才逐渐演变为新的艺术风格。这段时期，人们的思想从神本主义逐渐转向人本主义，对古典文化的重新发现和学习，激发了前所未有的创造力，艺术家们以前所未有的热情和技巧，将人性和自然的壮丽描绘得淋漓尽致。 米开朗琪罗：神的雕塑家与凡人的画家 提起文艺复兴，绕不开的名字便是米开朗琪罗·博那罗蒂。他的一生，本身就是一部史诗。作为一位多才多艺的艺术家，他不仅在雕塑领域成就斐然，其绘画作品同样惊世骇俗，其建筑设计也体现了非凡的远见。 在雕塑方面，米开朗琪罗继承和发展了古希腊罗马雕塑的传统，却又赋予了作品前所未有的生命力和动感。他常常以一块未经雕琢的石料为起点，仿佛其中蕴藏着一个完美的生命，而他的使命，便是将它从束缚中解脱出来。其代表作《大卫》，矗立在佛罗伦萨的领事馆前，不仅仅是一尊雕像，更是文艺复兴时期人文主义精神的象征。大卫那坚毅的眼神，蓄势待发的肌肉，以及面对强敌时的从容与自信，无不彰显着人类作为万物灵长的力量与尊严。这尊雕塑，与古希腊时期追求的理想化完美不同，它展现的是一个充满力量、思考和准备战斗的个体，一种即将爆发的内在张力。与此相对，《哀悼基督》（Pietà）则展现了他柔情的一面。圣母玛利亚抱着死去的儿子耶稣，那悲痛却又庄严的面容，以及衣袍褶皱的精妙处理，无不体现出米开朗琪罗对人性的深刻洞察和对悲悯情感的细腻表达。圣母的年轻，在传统表现中也显得尤为独特，暗示着她纯洁无瑕，也似乎在诉说着她承受的无尽痛苦。 而在绘画领域，米开朗琪罗最为人称道的，无疑是西斯廷礼拜堂的穹顶画。这幅规模宏大的壁画，耗费了他数年的心血，却并非他最为偏爱的艺术形式。然而，正是这幅作品，将他的艺术才华推向了新的高峰。从“创世纪”到“最后的审判”，米开朗琪罗以其精湛的解剖学知识和对人体肌肉线条的绝妙把握，描绘了圣经中的众多场景。那些饱满健硕的人物形象，充满了力量感和生命力，他们的表情、姿态，无不展现出作者对人性的深刻理解。尤其是《创造亚当》这一章节，上帝伸出的手指与亚当伸出的手指之间，那微乎其微的距离，却仿佛蕴含着生命的传递和人类的诞生，成为了永恒的经典。他笔下的人物，不再是扁平的神祇，而是拥有血肉之躯、情感丰富的人类，即便是神，也展现出了拟人化的特质，拉近了与观者的距离。 拉斐尔：和谐与完美的化身 如果说米开朗琪罗是力量与激情的象征，那么拉斐尔·桑齐便是和谐与完美的化身。他以其优雅的线条、宁静的色彩和对人物情感的细腻刻画，赢得了“画坛王子”的美誉。 拉斐尔的作品，总是散发着一种宁静而又充满活力的气息。他的圣母像，是意大利文艺复兴时期圣母画的典范。他笔下的圣母，温柔而慈爱，充满了母性的光辉，她的眼神中透露出对孩子的无限关爱，却又带着一丝淡淡的忧郁，仿佛预知了孩子的命运。这不仅仅是对宗教题材的描绘，更是对母爱的普世情感的赞颂。其中，《西斯廷圣母》最为著名，画面中的圣母怀抱圣子，目光深邃，脚下是两位圣人，两侧是两位沉思的天使。整个画面构图和谐，色彩明丽，人物姿态优雅，充满了宗教的庄严感和人间的温情。圣母的眼神，似乎穿透了画面，直视着观者，带着一种神秘而又温柔的力量。 除了圣母画，拉斐尔在宗教壁画和肖像画领域也取得了辉煌成就。他为梵蒂冈宫绘制的壁画，尤其是《雅典学院》，更是集中体现了他的艺术理念。这幅壁画描绘了古希腊哲学家们聚集在一起讨论哲学的情景，众多不同时代、不同学派的哲学家汇聚一堂，拉斐尔将他们巧妙地安排在宏伟的建筑空间中，每个人物都生动而富有神采。柏拉图和亚里士多德站在画面中央，一个手指着天，一个指着地，象征着他们不同的哲学思想，而周围的人物，或辩论，或沉思，或倾听，构成了一幅思想交流的壮丽图景。这幅画不仅仅是对古代哲学的一次致敬，更是文艺复兴时期人文主义精神的集中体现，它展现了人类对知识的渴望，对理性思考的推崇，以及对不同思想兼容并包的态度。拉斐尔在处理复杂构图时表现出的卓越才能，以及对人物心理的深刻洞察，都使得《雅典学院》成为艺术史上的不朽之作。 达·芬奇：跨越时代的思想者与艺术家 莱昂纳多·达·芬奇，这个名字本身就充满了传奇色彩。他不仅是文艺复兴时期最伟大的艺术家之一，更是一位集科学家、发明家、工程师、哲学家于一身的博学家。他的好奇心和求知欲，驱动着他对自然界和人类自身的深刻探索，而这些探索，又反哺了他的艺术创作，使其作品充满了科学的精确和人文的温度。 达·芬奇的绘画，以其独特的“空气透视法”和“晕涂法”（Sfumato）而闻名。他并非直接勾勒轮廓，而是通过微妙的光影变化，模糊了物体的界限，使画面更加柔和、自然，充满了神秘感。这种技法，极大地增强了画面的深度感和空间感，也为人物增添了难以捉摸的魅力。 《蒙娜丽莎》无疑是达·芬奇最为著名的作品，也是世界上最神秘、最令人着迷的肖像画之一。画中女子那神秘的微笑，至今仍是人们津津乐道的话题。她的眼神仿佛带着一种洞察世事的智慧，又仿佛藏着一个不为人知的秘密，让人不禁想要一探究竟。达·芬奇运用晕涂法，使蒙娜丽莎的嘴角和眼角的轮廓若隐若现，这种模糊处理，使得她的表情显得格外生动和难以捉摸，仿佛在微妙地变化着。她所处的背景，也并非写实的风景，而是一种模糊朦胧的山水，进一步增强了画面的梦幻感和神秘感。这幅画，不仅仅是对一位女性的肖像，更是达·芬奇对人类内心世界的深刻探索，是对女性魅力的极致展现。 达·芬奇的另一幅重要作品《最后的晚餐》，以其创新的构图和对人物情感的深刻描绘而闻名。他并非简单地将耶稣和门徒们排列成一条直线，而是通过巧妙的构图，将所有人的目光和情感都聚焦在耶稣身上。在得知将有人出卖他之后，门徒们表现出各种不同的反应——惊讶、愤怒、悲伤、疑惑，每个人物的情感都得到了极为细腻的刻画，使得整个场景充满了戏剧性的张力。达·芬奇对人物心理的把握，以及对场景氛围的营造，都达到了前所未有的高度。 北方文艺复兴：本土的色彩与精神 虽然文艺复兴的火种最早在意大利点燃，但它很快传播到欧洲其他地区，并与当地的文化传统相结合，发展出各具特色的北方文艺复兴。 扬·凡·艾克：细致入微的现实主义 扬·凡·艾克是北方文艺复兴的代表人物之一，他的作品以其精湛的油画技法和对细节的极致追求而著称。他擅长运用油画颜料，创造出前所未有的光泽感和色彩的丰富性。 《阿尔诺菲尼夫妇的婚礼》是凡·艾克最著名的作品之一。这幅画以极高的写实度描绘了一对富有的商人在他们的家中举行婚礼。画中的每一个细节，从夫妇身上的华丽服饰，到室内的家具摆设，甚至是墙壁上的镜子，都被描绘得细致入微，仿佛触手可及。镜子中反射出的两个人物，其中一人很可能就是画家本人，这不仅增加了画面的趣味性，也暗示了画家对自身艺术地位的认知。画面的宗教寓意也非常丰富，例如那只狗象征着忠诚，水果象征着生育，等等。凡·艾克通过对现实世界的精细描绘，赋予了画面深刻的象征意义和宗教内涵。 阿尔布雷希特·丢勒：人文精神的探索者 阿尔布雷希特·丢勒是德国文艺复兴时期最重要的艺术家，他不仅是一位杰出的画家和版画家，更是一位充满思想和人文关怀的学者。他将意大利文艺复兴的人文主义精神与北方艺术的精细传统相结合，创作出独具特色的作品。 丢勒对解剖学和透视学进行了深入研究，并将其运用到自己的创作中，使得他的人物形象更加准确和生动。他的版画作品，如《忧郁症 I》、《骑士、死亡与魔鬼》和《圣哲罗姆在书斋》，都充满了哲思和象征意义。在《忧郁症 I》中，他描绘了一个沉思的女性形象，周围摆满了各种象征着知识、工具和思想的物品，却又流露出一种深沉的忧郁，反映了艺术家对人类理性能力和精神世界的复杂思考。在《骑士、死亡与魔鬼》中，他以坚毅的骑士形象，象征着人在面对诱惑和恐惧时，依然要坚持正义和信仰。丢勒的作品，往往超越了单纯的艺术描绘，而是对人类生存状态、道德困境和精神追求的深刻探讨。 印象派：捕捉光影的革命 时间的流转，艺术的变革从未停止。当文艺复兴的光辉逐渐淡去，新的艺术思潮如同春风拂过，带来了色彩斑斓的革新。 莫奈：光影的舞者 克劳德·莫奈，是印象派的代表人物，也是印象派名字的来源。他一生致力于捕捉瞬间的光影变化，将自然界的瞬息万变呈现在画布之上。 莫奈对同一景物的反复描绘，形成了其独特的创作风格。例如，他创作了一系列以鲁昂大教堂为题材的作品，在不同的光线下，捕捉了这座古老建筑在清晨、中午、傍晚等不同时段所呈现出的不同色彩和光影效果。他并非关注建筑的细节和轮廓，而是通过笔触的跳跃和色彩的碰撞，直接表现出光线穿透物质后留下的视觉感受。他笔下的《日出·印象》，画面粗犷而奔放，色彩鲜艳而跳跃，打破了传统绘画的细腻描绘，直接传递出画家在清晨港口所感受到的那种朦胧、微妙的视觉体验，也因此被评论家戏称为“印象主义”，从此开启了一个新的艺术时代。 莫奈的睡莲系列，更是将他对光影的探索推向了极致。他花费大量时间在吉维尼的花园里，将池塘中的睡莲作为主要描绘对象。在这些作品中，他不再追求对睡莲形态的精确描绘，而是通过对水面反射的光线、睡莲叶片和花朵的色彩变化，以及水下模糊的倒影，来表现光线在水面上的跳跃、流淌和交织。画面中，色彩的运用自由而大胆，笔触的叠加也充满了生命力，仿佛观者置身于宁静而又充满生机的睡莲池塘之中，感受着大自然的呼吸。 德加：捕捉动态的瞬间 埃德加·德加，是印象派中一位独特的艺术家，他对于捕捉瞬间的动态和日常生活场景的描绘尤为擅长。与莫奈对自然光影的沉迷不同，德加更关注城市生活中的人物和他们的姿态。 德加以其对芭蕾舞演员的描绘而闻名。他深入芭蕾舞团，观察并记录了演员们在舞台上表演、在后台排练、以及休息时的各种姿态。他并非描绘她们光鲜亮丽的一面，而是通过一些不经意的瞬间，展现了她们的辛勤付出和职业的艰辛。他尤其擅长捕捉舞者们在跳跃、旋转、弯曲等瞬间的身体姿态，并将这些动态的画面定格在画布之上。他常常运用独特的视角，例如从侧面、从高处或者从后台的角度进行观察，打破了传统的观看方式，使得画面充满了新鲜感和生活气息。他对于人物构图的把握，也常常显得有些“不完整”，仿佛只是截取了某个瞬间的画面，但正是这种不完整，却营造出一种强烈的写实感和动态感。 德加的作品，也常常展现出对城市生活中的其他场景的关注，例如咖啡馆、赛马场等。他用敏锐的观察力，捕捉了这些场景中人物的表情、动作和互动，并将这些生动的生活场景呈现在观众面前。他尤其擅长运用粉彩，这种媒介的特性与德加捕捉瞬间动态的需求非常契合，使得他的作品色彩丰富而又充满质感。 雷诺阿：捕捉快乐与生命力 皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿，是印象派中最为热情和乐观的画家之一。他的作品充满了温暖的阳光、鲜活的色彩和对生活的热爱。 雷诺阿最擅长描绘人物，尤其是女性和儿童。他笔下的人物，总是带着灿烂的笑容，充满着青春的活力和生活的喜悦。他喜欢在户外创作，将阳光透过树叶洒在人物身上的光斑，以及人物脸上流露出的幸福感，都通过他鲜亮的色彩和奔放的笔触表现出来。 《游船上的午餐》是雷诺阿的代表作之一。画面描绘了一群朋友在塞纳河畔一家餐厅聚餐的场景。人物之间有说有笑，气氛轻松而愉悦。雷诺阿通过对人物肤色、衣着和周围环境的描绘，展现了当时法国中产阶级悠闲的生活状态。画面中的色彩明亮而温暖，笔触轻快而富有节奏感，仿佛能够感受到微风拂过，听到欢声笑语。 雷诺阿的儿童画也同样出色。他笔下的孩子们，天真烂漫，充满了好奇和活力。他能够准确地捕捉孩子们的神态和动作，并将他们纯真的情感呈现在画面之中。例如，《荡秋千》这幅作品，一个女孩在秋千上荡漾，她的笑容甜美而灿烂，周围的环境也充满了阳光和生机，整幅画作充满了童趣和温馨。 后印象派：走向更深沉的内心探索 在印象派的光辉之后，艺术家们开始思考更深层次的艺术表达，他们试图在对光影的捕捉之外，注入更强烈的个人情感和哲学思考，从而催生了后印象派的诞生。 梵高：燃烧的灵魂与炽热的色彩 文森特·梵高，这位在生前默默无闻，死后却影响了整个20世纪艺术的荷兰画家，是后印象派中最具代表性的人物之一。他的艺术，是他内心世界最直接、最炽热的表达。 梵高一生都在与内心的挣扎和病痛作斗争，但正是这种痛苦，却激发了他对生命最真挚的渴望和最深沉的爱。他的色彩运用，大胆而炽烈，他用纯粹的原色，以粗犷而富有力量的笔触，直接将情感倾泻在画布之上。他笔下的《星夜》，天空中的星辰如同燃烧的火焰，月亮也散发着奇异的光芒，整个夜空充满了动感和神秘。他试图通过色彩来表现自己内心的感受，而非仅仅是客观的视觉。 他的自画像，更是他内心世界的直观展现。在这些作品中，他用扭曲的线条和强烈的色彩，描绘出自己饱经沧桑的脸庞，以及眼神中流露出的忧郁、孤独和坚韧。他并不回避自己内心的痛苦，而是将其融入到艺术创作中，从而引发了观众深刻的共鸣。 梵高对自然景物的描绘，也充满了生命的张力。《向日葵》系列，是他对生命活力的赞颂。他用炽热的黄色，描绘了向日葵在阳光下绽放的姿态，仿佛每一个花瓣都充满了能量，每一朵花都带着一种勃勃的生机。他笔下的麦田，也充满了流动感和生命力，仿佛能够听到风吹过麦浪的声音。 塞尚：解构与重塑的理性 保罗·塞尚，被誉为“现代艺术之父”，他的艺术探索，为后来的立体派等艺术流派奠定了基础。与梵高的感性不同，塞尚更注重理性和对形的探索。 塞尚试图打破传统绘画的二维平面限制，通过对物体进行几何化的分解和重组，来展现物体的立体感和空间关系。他常常从不同的角度观察同一物体，然后将这些不同的视角融合到一幅画面中，从而使得画面具有了多维度的视觉感受。他尤其喜欢描绘静物，他笔下的苹果、橘子等水果，以及瓶子、桌布等，都经过了精心的安排和构图。他用简洁的几何形体，将这些物体解构，然后再以一种新的方式重新组合，从而展现出物体的本质形态和内在结构。 塞尚的作品，色彩运用相对克制，但他善于运用色调的微妙变化来表现形体和空间。他的笔触也显得更加理性，带有一定的几何感。他对于构图的严谨追求，以及对画面空间的处理，都对后来的艺术家产生了深远的影响。他笔下的《圣维克多山》系列，是他对同一景物的反复描绘，每一次的描绘都带有不同的构图和视角，展现了他对山峦的结构和光影变化的深入研究。 高更：走向异域的色彩与象征 保罗·高更，在经历了都市生活的浮华后，选择远离文明，前往塔希提岛，寻求一种更为原始、纯粹的艺术表达。 高更的作品，以其鲜艳、浓郁的色彩和对东方元素的运用而著称。他摆脱了西方绘画中对光影和写实的传统束缚，转而运用平涂的色彩和简化的人物形象，来表现他所感受到的原始生命力和神秘的象征意义。他尤其喜欢描绘塔希提岛上的土著居民，他们纯朴、自然的生活状态，以及他们身上所蕴含的原始力量，深深地吸引着高更。 在高更的作品中，色彩不再仅仅是为了描绘现实，而是具有了象征意义。他运用大块的、纯粹的色彩，来表达人物的情感和画面的整体氛围。例如，他笔下的《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》，这幅巨型画作，是他人生哲学的集中体现，画面中的人物形态各异，从婴儿到老人，从不同的人生阶段，象征着人类的生命历程。他希望通过这幅画，来探讨人类存在的意义和生命的终极问题。 高更的作品，充满了异域风情和神秘的宗教感。他将西方艺术的理性与东方文化的神秘相结合，创造出了一种独具魅力的艺术风格，对后来的象征主义和野兽派都产生了重要的影响。 总结 从文艺复兴时期对人性和自然的赞颂，到印象派对光影的捕捉，再到后印象派对色彩和情感的深度探索，人类艺术的画卷在一代又一代艺术家的笔下不断延展。每一位艺术家，都以其独特的视角和创造力，为我们呈现了一个又一个令人惊叹的艺术世界。他们的作品，不仅是时代的印记，更是人类精神的不朽传奇，永远闪耀着智慧与美的光芒。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事结构采用了非线性的、主题驱动的方式，这令我这个习惯了传统时间线阅读的读者感到耳目一新。它并没有严格按照年代顺序推进，而是将不同时期、不同地域的艺术家放在同一主题下进行对比和探讨，比如“对人体的极致描绘”、“光影的革命”或是“风景的抒情化”，这种组织方式极大地促进了跨时代的比较性思考。它鼓励读者自己去发现艺术史中的“对话”和“回响”，而不是被动地接受既定的历史框架。例如，当它将巴洛克时期的戏剧性与后来的表现主义的内在张力进行类比时，那种豁然开朗的感觉非常美妙。这种编排方式，使得即便是对某个特定时期已经有所了解的读者，也能从中获得全新的启发和观照视角。这本书无疑是为那些已经有一定艺术基础，渴望进行更深层次、更具批判性思维的艺术探索者们量身定做的佳作。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是艺术爱好者的福音！我花了整整一个下午沉浸在那些精美的画册中，眼睛都快不够用了。内容编排得非常有条理，从文艺复兴的辉煌到印象派的色彩斑斓，再到现代艺术的先锋探索，作者似乎为我们搭建了一条清晰的时间长廊。每一位艺术家的介绍都详略得当，既有生平轶事，又不乏对其核心艺术理念的深刻剖析。尤其让我惊喜的是，它收录了许多罕见的早期素描和草图的清晰图像，这对于研究艺术家的创作过程是极其宝贵的资料。装帧设计也相当考究，纸张的质感和印刷的精度都达到了博物馆级水准，捧在手里沉甸甸的，充满了对艺术的敬意。我原本以为这只是一本普通的艺术史概述，没想到它在深度和广度上都远超我的预期，绝对是书架上不可或缺的镇馆之宝。这本书的排版布局也十分巧妙，没有那种教科书式的呆板，而是充满了视觉的流动性，让人在阅读历史的同时，也能享受到纯粹的视觉盛宴。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是在朋友的强烈推荐下购入的，一开始还有点疑虑，毕竟市面上关于西方艺术史的书籍汗牛充栋，很难有能让人眼前一亮的。然而，这本书的独特视角和深入的文本分析，彻底打消了我的顾虑。它不仅仅是罗列事实和作品名称，更像是一位资深策展人带着你，耐心地解读每一幅杰作背后的时代背景和社会思潮。作者的笔触极为细腻且富有洞察力，尤其在论述一些争议性艺术运动时，能做到平衡各方观点，给读者留下独立思考的空间。我特别欣赏其中对“风格演变”的梳理，那些从古典主义到浪漫主义的微妙过渡，被阐释得清晰而富有逻辑性，使得原本晦涩的艺术史脉络变得生动起来。我几乎能想象作者在撰写这些文字时，付出了多少心血去钻研那些浩如烟海的文献资料。对于希望深入了解西方艺术发展轨迹的非专业读者来说，这本书提供了一条平易近人但又绝不肤浅的探索之路，绝对是物超所值。

评分☆☆☆☆☆

我是一个痴迷于油画技法的业余爱好者，这本书对我来说，最大的价值在于那些对绘画技巧的详尽描述。以往的书籍往往只停留在“如何欣赏”的层面，而这本书却难得地触及了“如何创作”的核心。它细致地探讨了不同时期画家对面光、阴影处理的差异，以及对色彩调和的独到见解。比如，对威尼斯画派光线处理的剖析，简直就像是拆解一堂大师课。虽然是文字描述，但结合书中提供的那些极高分辨率的局部特写图，我仿佛能“看到”颜料在画布上堆叠的层次感。这种对工艺层面的关注，使得这本书超越了单纯的美学评论，上升到了技术传承的高度。我甚至尝试模仿书中描述的某些笔触技巧，虽然效果尚有差距，但那种感觉的捕捉，是纯粹的理论书无法给予的。这本书真正做到了将艺术的“形”与“神”完美结合，非常适合那些想要从实践角度理解艺术的读者。

评分☆☆☆☆☆

初次拿到这本书时，我立刻被它的体量和设计感所震撼。它沉甸甸的，开本也足够大，确保了那些宏伟的画作能够以应有的气势展现出来。这本书的编辑和设计团队功不可没，他们成功地避免了“大而无当”的陷阱。每一页的留白、字体选择、以及图片与文字的排布，都体现出一种克制而优雅的现代审美。阅读体验非常流畅，它不像某些画册那样，把图文挤压在一起，让人感到拥挤和信息过载。相反，这本书的节奏感把握得极好，你可以在欣赏完一幅全景巨作后，紧接着阅读一段精炼的背景介绍，然后是针对细节的深入分析，这种节奏变化，极大地保护了读者的注意力，让人不易产生阅读疲劳。我常常是抱着放松的心情随手翻开一页，结果一头栽进去就是一两个小时，完全停不下来，这大概就是一本优秀读物的魔力所在吧。

评分☆☆☆☆☆

有评论家说他画的人物都很冷漠，不是。他们不冷漠，有一丝温情，至少看起来是我会喜欢的人。奥尔加斯伯爵的葬礼 ，

评分☆☆☆☆☆

有评论家说他画的人物都很冷漠，不是。他们不冷漠，有一丝温情，至少看起来是我会喜欢的人。奥尔加斯伯爵的葬礼 ，

评分☆☆☆☆☆

有评论家说他画的人物都很冷漠，不是。他们不冷漠，有一丝温情，至少看起来是我会喜欢的人。奥尔加斯伯爵的葬礼 ，

评分☆☆☆☆☆

有评论家说他画的人物都很冷漠，不是。他们不冷漠，有一丝温情，至少看起来是我会喜欢的人。奥尔加斯伯爵的葬礼 ，

评分☆☆☆☆☆

有评论家说他画的人物都很冷漠，不是。他们不冷漠，有一丝温情，至少看起来是我会喜欢的人。奥尔加斯伯爵的葬礼 ，