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出版者:吉林美术出版社

作者:张晓凌

出品人:

页数:299

译者:

出版时间:1999-05

价格:29.8

装帧:平装

isbn号码:9787538607710

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
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• 艺术家

《观念艺术》：一次关于“思想”与“形式”的深度对话 “观念艺术”——这个名称本身就如同一扇门，引领我们进入一个由思想、过程与语境构成的独特艺术领域。它并非仅仅关于视觉的愉悦，更是一场对艺术本质的深刻拷问，一次对我们感知世界方式的全新解读。本书《观念艺术》并非一部简单的作品集，而是试图梳理、剖析并呈现这一艺术运动的核心逻辑与多元面貌。它将带您深入了解，为何艺术家开始将观念置于首位，为何“做什么”变得比“看起来如何”更为重要，以及这背后所蕴含的深远社会与哲学意义。 第一章：思想的萌芽——为何我们需要“观念”？ 本章将追溯观念艺术的起源，探索促使其诞生的时代背景。我们会审视二战后西方社会在政治、经济、文化上的巨变，以及这些变化如何挑战了传统的艺术观念。在这个充斥着信息爆炸、社会变革和哲学思潮涌动的时代，艺术家们开始质疑艺术是否还能仅仅停留在模仿现实或表达个人情感的层面。 艺术的危机与反思： 探讨后印象派、立体主义、抽象表现主义等早期现代艺术思潮留下的遗产，以及它们如何为观念艺术的出现铺垫了道路。我们将分析这些运动在挑战传统技法和视觉形式上的努力，以及它们最终可能遇到的局限性。 哲学思潮的影响： 重点关注现象学、结构主义、后结构主义等哲学流派对观念艺术家的启发。萨特的存在主义、维特根斯坦的语言哲学、福柯的权力批判，都为艺术家提供了新的思考工具和视角。艺术家们如何从这些哲学体系中汲取灵感，开始探索语言、意义、权力与主体性的关系，将是本章的核心。 社会政治的催化剂： 聚焦20世纪60年代的社会运动，如民权运动、反战运动、女权运动等。这些运动不仅改变了社会结构，也深刻影响了艺术家对艺术功能的认知。艺术不再是象牙塔里的孤芳自赏，而是成为介入社会、引发思考、甚至推动变革的有力武器。艺术家如何通过艺术作品回应当时的社会议题，表达政治立场，将是本章的重点分析对象。 第二章：观念至上——“做什么”的革命 本章将深入剖析观念艺术最核心的特征——将观念置于技法和形式之上。我们将展示艺术家如何通过各种媒介和形式来呈现他们的思想，而这些媒介和形式本身常常是服务于观念的展开。 媒介的解放： 探讨观念艺术家如何打破对绘画、雕塑等传统媒介的依赖，拥抱摄影、录像、装置、行为、现成品、文本等多元媒介。例如，约瑟夫·科苏斯（Joseph Kosuth）的《一把椅子和一把椅子和一把椅子》便是对“现成品”概念的经典运用，通过改变物件的呈现方式来探讨“椅子”的意义，而非对椅子进行传统意义上的艺术创作。 过程与概念的记录： 介绍艺术家如何将创作过程、研究、文献、甚至失败本身作为艺术的一部分。例如，汉斯·哈克（Hans Haacke）对社会政治现实的调查性作品，以及克劳斯·奥尔登堡（Claes Oldenburg）早期对日常物品进行放大或变形的行为，都强调了创作背后的思考和实践过程。 语言作为艺术： 重点关注语言在观念艺术中的重要性。许多观念艺术家使用文字、句子、指令甚至符号作为其作品的主要载体。罗伯特·巴里（Robert Barry）的“静止空气”（Inert Gas Series）系列，通过对空气的“不可见”进行定义和记录，充分体现了语言如何构建和传达艺术的意义。 “减法”的美学： 分析观念艺术如何通过“减法”来突出观念。去除不必要的装饰，简化形式，甚至避免直接的视觉冲击，都是为了让观众更专注于作品背后的思想。索尔·勒维特（Sol LeWitt）的“墙画”（Wall Drawings）便是通过对过程和指令的呈现，来表达其几何形式的生成逻辑，而现场的执行者则成为观念的传递者。 第三章：语境的力量——意义的生成场域 观念艺术的意义并非孤立存在，而是深深根植于其创作的语境之中。本章将探讨环境、制度、观众以及艺术史本身如何共同作用，生成观念艺术作品的意义。 展陈空间的考量： 分析艺术家如何利用画廊、美术馆、公共空间甚至非传统空间来呈现作品，以及空间本身如何影响观众对作品的解读。例如，迈克尔·阿舍（Michael Asher）通过改变画廊的空间结构来反思艺术机构的运作模式，这种对空间和制度的介入，本身就是其艺术的核心。 制度与权力： 深入探讨艺术家如何审视和挑战艺术的制度化运作，包括艺术市场、评论体系、教育机制等。艺术家通过揭示这些制度的内在逻辑和权力关系，来引发观众对艺术价值的批判性思考。 观众的参与与解读： 强调观念艺术对观众参与和主动解读的需求。观众不再是被动的观看者，而是需要调动自身的知识、经验和批判性思维来完成意义的建构。例如，约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys）的“社会雕塑”理论，鼓励观众参与到社会改造中，将艺术的边界无限扩展。 艺术史的对话： 分析观念艺术家如何通过引用、挪用、颠覆艺术史上的经典作品和理论，来构建自身作品的意义。这种对艺术史的自觉回应，使得观念艺术成为一个不断自我反思和发展的体系。 第四章：观念的疆界——多元的探索与影响 观念艺术并非一个单一的、静态的流派，而是一个不断演变、影响深远的艺术运动。本章将展示观念艺术如何与其他艺术形式融合，并对当代艺术产生持续的影响。 行为艺术与身体政治： 探讨观念艺术与行为艺术的紧密联系，以及艺术家如何利用身体作为媒介来表达政治、社会和个人议题。玛丽娜·阿布拉莫维奇（Marina Abramović）等艺术家的作品，便是观念与身体的完美结合。 装置艺术与体验空间： 分析观念艺术如何催生出大规模的装置艺术，以及这些装置如何通过构建沉浸式的体验空间来传达观念。 当代艺术的基因： 梳理观念艺术对当下各种艺术实践的影响，包括新媒体艺术、观念摄影、社会介入艺术等。我们会看到，许多当代艺术作品的根源，都可以追溯到观念艺术的探索。 批判性思维的传承： 强调观念艺术留给我们的最宝贵的遗产——一种批判性思维方式。它鼓励我们不仅仅停留在表象，而是深入探究事物的本质，质疑既定的规则，并重新认识我们与世界的关系。 结论：永不停止的提问 《观念艺术》一书的最终目的，并非为观念艺术画上句号，而是希望激发读者对艺术、对思想、对我们所处的世界进行更深入的思考。观念艺术之所以能够持续地引发讨论和反思，正是因为它代表了一种永不停止的提问精神。它挑战我们习以为常的认知，邀请我们以全新的视角审视周遭，并认识到，艺术的真正力量，往往蕴藏在那些最不经意的观念之中。这本书将引导您踏上一场智识与感知的旅程，去发现那些超越视觉的、令人振奋的艺术可能性。

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坦白讲，这本书的学术深度是毋庸置疑的，但更让我感到惊喜的是它在拓展边缘领域的努力。作者并没有将焦点仅仅集中在那些耳熟能详的大师身上，反而花费了相当大的篇幅去梳理那些被主流叙事边缘化的实践者。比如，关于行为艺术和身体政治的章节，分析得尤为透彻，作者没有用高高在上的批判视角，而是带着一种近乎同理心的理解，去剖析艺术家们如何利用自身的脆弱性作为对抗机制。这种对“边缘声音”的关注，极大地丰富了我对当代艺术生态的理解。它让我意识到，真正的思想碰撞，往往发生在那些尚未被完全驯化的领域。书中的注释部分也做得非常扎实，每一个关键术语的溯源都清晰可见，这对于希望进一步钻研的读者来说，简直是一份宝贵的地图。总而言之，它提供了一种更具包容性和复杂性的视角，去审视艺术如何在不断自我解构的过程中重塑意义。

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这本书的阅读体验，对我而言，更像是一场智力上的攀岩。一开始的几页，你可能感觉抓不住任何支点，信息量大到让你想要放弃。各种流派、思潮、历史节点像潮水一样涌来，需要极大的专注力去分辨它们之间的细微差别和相互影响。但是，一旦你找到了核心的逻辑线索，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。作者在处理跨学科议题时展现出的驾驭能力令人叹服，他能将现象学、符号学，甚至一些后结构主义的理论，巧妙地融入到对具体艺术作品的分析中，却丝毫没有让理论喧宾夺主。我发现自己开始不自觉地用书中的框架去审视周围的一切——路边的广告牌、电影的剪辑手法，甚至日常对话中的逻辑谬误。这种知识迁移能力的激发，是我衡量一本好书的重要标准。这本书成功地将理论的严谨性与实践的生动性完美地结合在了一起，是一种难得的“工具书”与“思想启迪书”的混合体。

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我必须得说，这本书的语言风格极其跳跃，初读时甚至有些让人措手不及。它一会儿像一位激昂的演说家，用排比和反问句式，猛烈地冲击着读者的既有观念，让你感觉心脏都要被揪紧；下一秒，它又会突然变得极其冷静和内敛，用近乎散文诗般的细腻笔触，描摹某个特定艺术家的创作心境，那种情绪的张弛有度，处理得非常高明。我尤其欣赏作者在引用艺术家的原话时，那种不加修饰的力度。那些原始的、带着火药味的话语被精准地嵌入文本中，使得论述充满了生命力和现场感。阅读过程中，我经常需要反复咀嚼那些看似简单的句子，因为它们往往浓缩了复杂的思想内核。这绝不是一本适合快速浏览的书，它需要你投入时间去“消化”文字的重量。我甚至把这本书带到了咖啡馆，试图在喧嚣的环境中强迫自己进入这种高强度的思考状态，结果发现，环境越嘈杂，书中的观点反而越发清晰有力，形成了一种奇特的对抗张力。

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这本书的装帧设计实在是太吸引人了，简约而不失内涵，封面那种略带粗粝的纸张质感，配合着内页那种微微泛黄的色调，仿佛瞬间就将我带入了一个沉静的、思考者的空间。我原以为这会是一本晦涩难懂的理论专著，毕竟“观念”这个词本身就带着一种高冷的学术气息。然而，翻开目录时，我发现作者的叙事脉络极为清晰，他并没有一开始就抛出那些令人望而生畏的哲学概念，而是从艺术史中那些看似不起眼的小事件入手，层层递进。比如，他对杜尚小便池事件的剖析，简直是教科书级别的精彩，没有陷入过度美化或简单的猎奇，而是深入挖掘了其背后的权力结构和符号转换。读起来，感觉就像是跟随一位经验丰富、谈吐风趣的向导，穿梭在现代艺术的迷宫中，每走一步都有新的发现。特别是关于“原创性”的探讨，作者提出了一个颠覆性的观点，让我不得不停下来，合上书本，望向窗外，重新审视我一直以来对艺术创作的固有认知。这种引发深度反思的阅读体验，在我近期的阅读中是极其罕贵的。

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这本书给我最深刻的印象，是它在维护一种批判性怀疑态度上的坚定不移。在通读全书的过程中，作者始终保持着一种清醒的疏离感，不轻易站队，也不盲目崇拜任何一种既定的“真理”。他像一位冷静的侦探，抽丝剥茧地揭示了艺术机制是如何运作的，以及“观念”本身是如何成为一种新的权力语言。特别是在讨论市场化对艺术独立性的侵蚀时，作者的笔锋显得尤为犀利，他没有停留在简单的道德谴责上，而是深入剖析了资本逻辑是如何被巧妙地包装成审美趋势。这种对系统内部运行机制的深刻洞察，使得全书的论述具有了超越时代局限的价值。读完后，我感到自己对许多艺术新闻和评论的解读能力都有了质的提升，不再容易被浮光掠影的表象所迷惑，而是能够穿透表象，直达其背后的运作机制。这本书无疑是为那些真正渴望思考艺术“为什么”而不是仅仅满足于“是什么”的读者量身定做的精神食粮。

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解构与重建的诗学

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当观念本身就是一种艺术，形式就像真实与准确的最后一块遮羞布，是阻碍。

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