具体描述
作者简介
王逊（1916.7—1969.3）山东莱阳人。美术史家。1933年入清华大学研究院学习。曾任云南大学、西南联合大学讲师，南开大学、清华大学教授。建国后，任中央美术学院教授。著有《中国美术史》。王逊先生是我国著名的美术史家，他撰写的讲义《中国美术史》是中国美术史上重要的学术专著，也是中国现代高等美术史教育的重要文献。而2006年5月出版的《王逊学术文集》既是对王逊先生学术文章的一次成规模的整理，也是对先人在天之灵的一次告慰。
上世纪50年代，梁思成与林徽因的家里，经常会有一些聚会，都是一些“谈笑有鸿儒”的常客，其中不乏张奚若、金岳霖、钱伟长这样鼎鼎大名的人物。王逊先生当时三十几岁，是清华大学哲学系教授邓以蛰先生的得意弟子，而在当时，梁思成与邓以蛰先生时任清华文物馆的主任，而具体的工作都是由王逊先生来负责的。王逊先生也因此成为了梁家的常客。
王逊的祖父在军阀割据时期曾经当过山东省的省长，王逊算得上是一个官僚地主家的少爷，从小条件优越，十分酷爱美术。十八岁那年考入清华土木工程系，后又受闻一多与林庚的影响转入中国文学系，一年后又转入哲学系，这样就可以跟着邓以蛰先生学习美学。北京沦陷后，王逊几经辗转，经济南、武汉、长沙后随校迁至昆明。毕业后，王逊曾在云南大学、西南联大讲授文史与哲学的课程，虽然这时候并没有接触到美术史教学与研究的内容，但他在文学、历史、哲学方面的修养和研究方法上所经历的严格训练，已经为以后的美术史研究工作打下了厚实的基础。林徽因曾评价王逊先生是位出色的哲学家、美术史家、又是历代工艺美术鉴赏、评论家，足见其博学深厚的研究功底。
著名的工艺美术家，原中央工艺美术学院院长常沙娜在提到王逊对中国美术中上的贡献时说：王逊先生对中国美术史的研究，突出了中国美术史形成的源流始于工艺美术，论说中国美术史从原始社会到战国时期，从古代的石器、玉器、陶器，直至商周时期的青铜器等器皿上的造型与纹饰说起，直到汉代墓室画、画像石、雕刻及画像砖、漆画等，产生了反映当时神话故事和现实生活中的人物故事等所形成的绘画、雕刻艺术以及魏晋后佛教艺术石窟壁画的兴起等，所造就的中国历史的美术史。而著名建筑学家、工程院院士、科学院院士吴良镛曾在《王逊学术文集》的序言中深切怀念了他与王逊先生在清华工艺美术小组中共同参与国徽设计、文物馆的创办、景泰蓝兰设计，振兴工艺美术的活动。读来令人感慨万千。
而王逊先生的遭遇更是让人扼腕叹息，“反右”与“文革”的迫害让本已深患重疾的他不堪重负。在调入中央美院任教后不久，美院重新筹办美术史系，他担任了筹委会主任，在心理与生理的双重压力下，他仍一直坚持着编写教材的工作。那时候，他住在美院食堂附近狭长的平房里，生活十分简朴，虽然政治上遭受重大打击，但仍坚持学术研究，而且异常勤奋。1957年，在王逊先生亲自主持下，中央美术学院美术史系正式成立，这是中国现代美术史教育的发端，同时，它也标志着具有现代形态的美术学研究在中国的生成与发展。1963年，永乐宫壁画摹本在日本展出之前，王逊先生还承担了辨识三清殿所绘二百八十六众的天神、地祗这一复杂的细致的工作，并进行了有益的探索，为以后的研究工作提供的重要的参考。
不幸的事情还是降临了。1968年的冬天，王逊先生的咳嗽越来越严重，那时候他已经很少出门，也停止了很多活动，第二年春天的某一天，他感到身体不适，自己艰难地走到了首都医院，也就是在他走进医院后的三天，就传来了他溘然长逝的噩耗，终年54岁。
迟到的《王逊学术文集》是迄今为止对王逊先生所有学术著作的一次集中整理出版，对王逊先生在美学、美术史研究、文物考古研究、工艺美术和民间美术的论著进行了分门别类的归纳，并在文后附上了原文刊载的时间与刊物名称，书后的附录部分则包括了了王逊先生的学术年谱及生平介绍。这本书对于中国美术史与美术理论研究弥足珍贵，这样一笔财富，作为后来人，是一定要继承下来的。
目录信息
读后感
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用户评价
我一直对中国古代的绘画艺术情有独钟，而这本《中国美术史》恰恰满足了我对这一领域深入探索的渴望。书中对山水画的发展脉络进行了极为详尽的梳理，从隋唐时期山水画的萌芽，到五代荆浩、关仝的“北派”山水，再到宋代范宽、郭熙的“全景山水”以及李唐、马远、夏圭的“院体”山水，直至元代黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇的“文人山水”，每一个时期、每一位大师的风格特点、代表作品及其艺术贡献都被阐述得淋漓尽致。我特别欣赏书中对“意境”这一中国山水画核心概念的解读，作者通过分析不同画家的作品，揭示了他们如何运用笔墨、构图、色彩来表达对自然的情感、对人生的感悟，以及如何追求“可游可居”的山水理想。例如，在谈到宋代山水画时，书中不仅提到了《千里江山图》的宏伟壮丽，更深入地分析了范宽《溪山行旅图》中那种顶天立地的山势所蕴含的崇高感，以及郭熙《早春图》中那种温润灵秀的气息，让我深刻体会到不同山水画家的心境与追求。此外，书中对书法艺术的介绍也同样精彩，从篆书、隶书、楷书、行书、草书的演变，到历代书法大家如王羲之、颜真卿、柳公权的书法风格及其影响，都进行了深入浅出的讲解。这些文字与精美的书法作品图片相结合，让我仿佛能听到笔墨在纸上飞舞的声音，感受到中国文字独特的艺术魅力。
评分作为一个对古代工艺美术充满好奇的读者，我在这本《中国美术史》中找到了太多惊喜。书中对陶瓷艺术的阐述是我最着迷的部分之一。从新石器时代的陶器，到商周的青铜器时代的早期瓷器，再到汉代的绿釉陶，宋代的五大名窑（汝、官、哥、定、钧），元代的青花瓷，明清的彩瓷，每一个阶段的陶瓷发展都如同在我眼前重现。作者不仅仅介绍了不同时期陶瓷的外形、釉色、纹饰特点，更挖掘了其背后的工艺技术进步和审美趣味变迁。例如，书中对宋代五大名窑的介绍，不仅仅描述了汝窑的“雨过天青”色，官窑的“紫口铁足”，哥窑的“金丝铁线”，定窑的“白瓷胎”，钧窑的“窑变釉”，更深入地探讨了它们各自的烧造特点、历史背景以及在当时的社会地位。我尤其被书中对元代青花瓷的描述所吸引，那些钴蓝色纹饰在白瓷上的碰撞，既有蒙古族文化的粗犷，又不失汉文化的细腻，这种文化的交融令人惊叹。除了陶瓷，书中对玉器、漆器、丝织品、金银器等工艺美术的介绍同样详实而精彩。每一件器物背后都蕴含着古人的匠心独运和生活智慧，让我不禁感叹中华民族在工艺美术领域的卓越成就，其精湛的技艺和丰富的想象力至今仍令人赞叹不已。
评分不得不说，这本《中国美术史》的编排和内容设计都相当出色，即使是对美术史不甚了解的读者，也能从中获得丰富的知识和愉快的阅读体验。书中在介绍各个艺术门类时，常常会穿插一些引人入胜的故事和历史轶事，使得冰冷的艺术史知识变得鲜活起来。例如，在讲述唐代壁画时，书中不仅仅描述了壁画的技法和内容，更穿插了关于丝绸之路、佛教传播以及当时社会生活的生动描写，让我仿佛置身于那个繁华而开放的时代。此外，书中对中国古代艺术品背后的哲学思想、宗教信仰、社会制度的解读，也让我看到了艺术与历史、文化之间的深刻联系。我了解到，中国的艺术不仅仅是美的载体，更是承载着民族的智慧、情感和价值观的重要方式。这本书让我重新审视了中华文明的辉煌成就，也让我更加珍视那些流传至今的艺术瑰宝。它不仅仅是一本教科书，更是一次心灵的旅行，让我对中华民族的文化底蕴有了更深的敬意。
评分这本《中国美术史》真是让我爱不释手，仿佛穿越了时空，亲眼见证了中华文明波澜壮阔的艺术发展历程。从远古先民粗犷而充满生命力的岩画，到商周时期庄重神秘的青铜器纹饰，再到战国秦汉时期精美绝伦的画像石和帛画，每一步都仿佛在我眼前徐徐展开。书中对不同时期艺术风格的梳理清晰而细腻，让我得以窥见不同时代的社会风貌、哲学思想和审美追求。例如，在描绘魏晋南北朝时期佛教艺术的兴盛时，作者不仅仅罗列了石窟寺的雕塑和壁画，更深入地探讨了佛教思想如何与中国本土文化融合，孕育出独具东方神韵的艺术形式，如云冈石窟的雄浑与龙门石窟的秀丽，都得到了详尽的阐述，让我对佛教艺术在中国的本土化进程有了更深的理解。而且，书中对细节的捕捉也令人惊叹，无论是唐代仕女画中细腻的服饰描绘，还是宋代山水画中层次丰富的墨色晕染，都展现了中国古代艺术家高超的技艺和对自然的深刻体悟。阅读过程中，我常常会被书中精美的插图所吸引，那些历经千年沧桑的艺术珍品，在书页上焕发出新的生命力，让我沉醉其中，久久不能自拔。这本书不仅仅是一部艺术史的梳理，更是一次精神的洗礼，让我对中华民族的智慧和创造力肃然起敬。
评分长期以来，我总觉得中国古代建筑的美学价值被低估了，而这本《中国美术史》则以其宏大的视角和深刻的解读，让我对中国古代建筑有了全新的认识。书中将建筑艺术置于整个中国美术史的宏观框架下，从宫殿、寺庙、园林到民居，都进行了细致的描绘和分析。我尤其被书中对唐宋时期建筑的描述所打动，那些气势恢宏的宫殿，庄严肃穆的寺庙，以及充满诗情画意的皇家园林，都展现了中国古代建筑的独特魅力。书中对建筑的结构、材料、色彩、装饰等方面的分析，让我得以了解中国古代建筑师是如何巧妙地运用木、石、瓦等材料，创造出既实用又美观的建筑作品。例如，书中对故宫建筑群的介绍，不仅仅停留在其宏伟的规模和金碧辉煌的外观，更深入地探讨了其严谨的布局、对称的结构、象征性的色彩运用，以及其中蕴含的等级制度和礼仪文化。我了解到，中国古代建筑不仅仅是居住的空间，更是承载着文化、哲学、宗教和政治思想的载体。同时，书中对苏州园林的介绍也让我大开眼界，那些移步换景、曲径通幽的设计，如何在有限的空间内营造出无限的意境，让我看到了中国古代文人对自然与人生的独特理解。
评分我一直对中国古代雕塑艺术的演变过程感到好奇，而这本《中国美术史》为我揭开了神秘的面纱。书中对不同时期雕塑艺术的梳理，从史前时期充满原始生命力的雕刻，到商周时期青铜器上精美的纹饰，再到汉代墓室中生动写实的陶俑，以及魏晋南北朝时期佛教石窟艺术的辉煌，唐代佛教造像的成熟与世俗化，宋元明清时期寺庙造像和民间雕塑的发展，都进行了详尽的介绍。我印象最深刻的是书中对敦煌莫高窟、云冈石窟、龙门石窟等佛教石窟艺术的详尽阐述。这些石窟不仅是中国古代雕塑艺术的宝库，更是佛教艺术在中国本土化过程中的重要见证。书中对不同时期佛教造像的风格演变，如早期佛像的秀骨清像，唐代佛像的丰腴圆润，以及宋元时期更加生活化、世俗化的造像，都进行了细致的分析。我了解到，这些雕塑不仅仅是宗教的艺术品，更是当时社会风貌、审美观念和宗教信仰的真实反映。此外，书中对汉代陶俑的介绍也让我对秦汉时期的社会生活有了更直观的了解，那些栩栩如生的兵马俑、乐舞俑，仿佛将我带回了那个波澜壮阔的时代。
评分在翻阅这本《中国美术史》的过程中，我被书中对中国古代戏曲和服饰艺术的详尽介绍深深吸引。在中国古代，戏曲不仅仅是娱乐，更是承载着道德教化、历史故事和民间情感的重要载体。书中对戏曲脸谱的分析，让我领略到不同颜色、不同图案所蕴含的象征意义，如红色代表忠诚，白色代表奸诈，黑色代表正直。同时，书中对戏曲服饰的描述，如蟒袍、官衣、靠把、褶子等，以及它们在不同剧种、不同角色中的运用，都让我对中国古代戏曲的视觉艺术有了更深的认识。我了解到，戏曲服饰的设计不仅追求美观，更强调与角色的性格、身份的契合。此外，书中对中国古代服饰的演变史也进行了精彩的梳理，从先秦的深衣，到汉代的曲裾、直裾，再到唐代的圆领袍、襦裙，以及宋代的褙子、明清的汉服、旗袍等，每一个时期的服饰都反映了当时的社会文化、审美观念和民族特色。书中配以大量的服饰复原图和实物照片，让我得以直观地感受中国古代服饰的优雅与精致，其材质、色彩、纹样、廓形都充满了东方韵味。
评分这本《中国美术史》在解读中国古代音乐和舞蹈艺术方面，给我带来了极大的启发。一直以来，我总觉得音乐和舞蹈的艺术形式很难通过文字来呈现，但这本书却巧妙地做到了。书中对古代宫廷雅乐、民间小调、乐器发展等方面的梳理，让我对中国古代音乐的丰富性有了更深的了解。我了解到，不同朝代的音乐风格、宫廷礼乐的规制，以及各类乐器的演变，都与当时的社会政治、文化思潮息息相关。例如，书中对唐代胡乐的介绍，让我看到了中西方音乐文化的交流与融合，以及它们在中国音乐发展中所扮演的重要角色。同时，书中对中国古代舞蹈的介绍，也同样精彩。从汉代的宫廷乐舞，到唐代的霓裳羽衣舞，再到宋代的歌舞小令，以及各民族的民间舞蹈，都展现了中国古代舞蹈的丰富多样性和独特的艺术魅力。书中通过对舞蹈动作、服饰、道具的描述，以及配以相关的绘画和壁画资料，让我仿佛能看到舞者在舞台上翩翩起舞的身影，感受到中国古代舞蹈的韵律与美感。
评分对于中国古代的民间艺术，我一直怀有一种特别的情感，因为它们更加贴近普通人的生活，充满了烟火气和生命力。这本《中国美术史》在这方面的内容让我尤为满意。书中不仅介绍了宫廷艺术和文人艺术，更花费了大量的篇幅来描绘和分析中国各地的民间艺术。例如，关于年画的介绍，书中细致地描绘了不同地域、不同风格的年画，如天津杨柳青年画的精细秀丽，潍坊杨家埠年画的粗犷豪放，苏州桃花坞年画的典雅淡雅，以及四川绵竹年画的色彩浓烈。我了解到，年画不仅仅是春节的装饰品，更是中国古代民间社会生活、风俗习惯、神话传说和美好愿望的生动体现。此外，书中对剪纸艺术、布艺、刺绣、泥塑、皮影戏等民间艺术的介绍也同样精彩。这些艺术形式虽然朴实无华，却充满了创造力和生命力，它们承载着中国传统文化的精华，也反映了普通劳动人民的智慧和情感。阅读过程中，我仿佛看到了古老乡村的集市，听到了民间艺人淳朴的歌谣，感受到了中国传统文化的根基所在。
评分我一直对中国古代的文人画和水墨画情有独钟，而这本《中国美术史》在这方面的论述，让我觉得既有深度又不失趣味。书中对文人画的起源、发展以及其核心理念——“写意”进行了深入的探讨。我了解到，文人画不仅仅是绘画技法的展现，更是文人阶层精神世界、哲学思想和个人情怀的表达。书中对历代文人画大家如顾恺之、王维、苏轼、米芾、董其昌等人的作品分析，让我得以窥见他们如何通过笔墨的浓淡、干湿、枯润来表达对自然的理解、对人生的感悟，以及对精神世界的追求。我尤其欣赏书中对水墨画“气韵生动”的解读，认为这不仅是对绘画技巧的要求，更是对画家内在修为和精神境界的体现。书中对墨色的变化、笔法的运用、构图的章法等方面的细致讲解，让我对水墨画的艺术魅力有了更深的体会。此外，书中对明清时期版画艺术的发展，特别是年画和小说插图的介绍，也让我看到了中国古代版画在传播文化、普及艺术方面的巨大贡献，其朴实而生动的风格，充满了民间智慧和生活气息。
评分orz老爸的规定书目
评分。。这本书真的很好
评分很好的入门书
评分仍然只读到宋代以前，忝脸标个读过。
评分。。这本书真的很好
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