戏曲音乐概论 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文化艺术出版社

作者:武俊达

出品人:

页数:392

译者:

出版时间:1999-01

价格:26.00

装帧:平装

isbn号码:9787503918254

丛书系列:

图书标签:

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戏曲音乐概论 图书简介 聚焦中国传统剧场艺术的声响世界 《戏曲音乐概论》并非一本探讨戏曲音乐理论体系的著作，而是一部深入挖掘中国传统戏曲艺术在特定历史语境下，其音乐元素、表演实践及其社会文化意涵的综合性研究。本书旨在超越传统戏曲音乐学对“板式”、“腔调”的程式化梳理，转而关注音乐在构建角色性格、推动情节发展以及营造特定舞台氛围中的动态作用。 本书的撰写立足于对中国戏曲这一复杂艺术形态的整体把握，强调音乐并非孤立的声学现象，而是与文学文本、舞蹈身段、虚拟写意表演紧密交织的有机整体。我们认为，理解戏曲音乐，必须进入到剧场的实践层面，观察音乐如何被演员“使用”，以及它如何与观众建立起独特的情感连接。 第一部分：声腔的生成与语境——从民间到剧场 本书首先追溯了中国戏曲音乐的源头活水。我们不局限于对某一特定剧种（如京剧、昆曲）声腔体系的详细描摹，而是将目光投向更为广阔的背景：明清两代至民国初期，民间俗乐、说唱艺术（如鼓词、弹词、山歌）如何渗透并最终被吸纳进成熟的戏曲声腔体系之中。 地域性声腔的生态图景： 本部分详细考察了不同地域性声腔艺术在形成初期所依赖的器乐伴奏模式。例如，江南丝竹对昆曲音乐的滋养，以及徽州锣鼓、河北梆子中北地器乐的刚健之风。我们探讨了这些地域性声腔在被“规范化”为某一主流剧种的过程中，所经历的取舍与变异。关键在于分析“板腔体”结构是如何在不同的地方语境下，展现出其强大的适应性和创造力的。 声腔的“人格化”表达： 本书强调，戏曲中的“唱”是对人物内心世界的直接抒发。我们摒弃了将唱腔简单视为旋律线的分析方法，转而考察声腔的“体态感”。每个流派的唱法，无论是老生的醇厚、花旦的婉转，还是净角的浑厚，都内含着特定的形体要求和气息控制。音乐的“力度”与“速度”不再是单纯的记谱信息，而是演员对角色情绪的即时反馈。我们通过对大量历史剧目唱段的文本与表演实践的对照分析，揭示了特定音高、润腔技巧（如垫字、滑腔）如何服务于人物的性格定位。 第二部分：器乐的叙事功能——舞台上的“无形之声” 戏曲的伴奏乐队（乐棚）在中国艺术中占据着极其特殊的地位。它既是节奏的稳定器，更是情绪的渲染者和叙事的补充者。本书致力于阐释戏曲器乐如何在“有”与“无”之间游走，实现其“言之未尽”的叙事功能。 文武场的分野与交融： 我们细致区分了文场（管弦）和武场（打击乐）在功能上的差异，但更着重于它们在关键时刻的“交融点”。例如，在表现紧张冲突的武戏中，武场的“锣鼓点”如何通过对速度和密度的精准控制，引导演员的动作节奏；而在抒情段落，文场的弦乐如何通过和声色彩的微妙变化，烘托人物的复杂心绪。 “配戏”与“起腔”的技艺： 本书深入分析了伴奏演员（操琴者、鼓板师）在舞台上的“临场应变”能力，这远非照本宣科。我们探讨了“配戏”的艺术——即伴奏如何实时捕捉演员的微小身段变化和情绪波动，并立刻作出音高、节奏上的调整。这要求演奏者对剧本、角色和演员的习惯了如指掌。这种即兴的、高度默契的互动，才是戏曲音乐生命力的真正体现。 第三部分：音乐的场域与仪式——剧场空间中的声响建构 戏曲表演的发生地——无论是专业戏园、会馆义社还是临时搭台——都对音乐的呈现方式产生了决定性影响。本部分将戏曲音乐置于其社会实践的场域中考察。 场域对音乐风格的塑造： 本书探讨了不同演出场所对音响的要求差异。例如，在封闭的会馆中，音乐的细腻与层次感可能更受推崇；而在露天的广场演出中，音乐则需要更强的穿透力和节奏感。这种环境制约，反过来塑造了声腔和器乐配置的技术选择。 仪式性：音乐与时间的掌控： 戏曲表演本身就是一种时间艺术，其音乐结构是对时间的“分割”与“延展”。我们分析了戏曲中音乐如何通过“起板”、“过门”、“收板”等结构来精确控制观众的注意力焦点和情绪释放节奏。在一些重大段落，音乐的极度缓慢或极度高亢，都是为了达成一种接近宗教仪式的“审美悬置”状态，使观众暂时脱离日常时间感，沉浸于舞台的虚拟世界之中。 当代语境中的“失落的声响”： 最后，本书对现代戏曲的“保护与发展”提出了反思。在机械化录音和标准化舞台技术的介入下，某些依赖于现场互动、空间声学和演奏家个人经验的“非物质性”音乐元素正面临消逝的风险。本书呼吁对这些“失落的声响”进行深入的田野调查与记录，以期更完整地理解中国戏曲音乐的深层结构与艺术价值。 通过对以上三个维度的深入剖析，《戏曲音乐概论》旨在提供一个多维度的观察视角，将戏曲音乐视为一种活态的、与表演者和环境紧密耦合的复杂系统，而非仅仅是供人欣赏的旋律集合。它为戏曲研究者、表演艺术家以及对中国传统美学有深厚兴趣的读者，提供了一幅关于舞台声响世界的详尽地图。

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这本书最让我眼前一亮的地方，在于它对“叙事性”的挖掘。它不仅仅停留在对板式、腔调的技术性描述上，而是花了大量篇幅去探讨戏曲是如何通过音乐的起承转合来推动剧情发展和塑造人物性格的。比如，书中对某个经典唱段中“哭腔”的分析，简直像是在解剖一出微型戏剧，从声带的位置到气息的运用，再到情感的喷薄而出，层层剥离，逻辑清晰到让人拍案叫绝。这种将音乐理论与舞台实践紧密结合的写作方式，极大地降低了非专业读者的理解门槛，使得即便是对戏曲了解不深的门外汉，也能领略到其中精妙。可惜的是，书中配乐的引用形式略显陈旧，大多依赖于文字描述或简谱标注，若能增加一些二维码链接或在线资源指引，让读者能同步聆听所分析的片段，那体验感将是质的飞跃。

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我必须承认，这本书的论述角度相当独特且富有洞察力，它没有像许多同类书籍那样将戏曲仅仅视为“民族遗产”进行描摹，而是试图将其置于更广阔的文化交流和审美变迁的场域中进行审视。尤其是关于某一特定剧种在不同历史时期如何适应地方文化土壤并发生基因突变的分析，视角新颖，论证扎实，提出了不少令人耳目一新的观点。这种跳出传统框架的勇气值得赞赏。然而，书中在讨论某一地方戏曲流派时，似乎对地域文化的差异性阐述得不够充分，更多是从音乐本体的角度进行剖析，而忽略了当地的社会结构、民俗信仰对声腔审美趣味的深层影响，这使得对某些地方特色唱腔的理解，总感觉隔着一层纱，少了一份“烟火气”的支撑，略感遗憾。

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初读这本书的目录，我内心是有些忐忑的，毕竟“概论”二字往往意味着内容的广撒网和深度不足。然而，翻阅前几章后，这种疑虑大部分消散了。作者在构建知识体系时，似乎非常注重逻辑的连贯性与递进关系，从宏观的历史脉络梳理到具体声腔艺术的解析，每一步都走得稳健有力。特别是他对早期戏曲形式的溯源部分，引用了大量学界尚未完全统一的观点进行交叉对比分析，这种严谨的态度让人印象深刻。唯一感到美中不足的是，在涉及现代戏曲改革的章节时，笔触似乎略显保守，对于近几十年来的创新和流派冲突的探讨深度，还不如前述的传统部分来得犀利和全面，或许是受限于篇幅，但总觉得能更进一步拓宽读者的视野。

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这本书的学术价值毋庸置疑，引用文献的浩瀚程度令人咋舌，看得出来作者在资料搜集上下了血本，很多珍稀的史料和罕见的演出记录都被挖掘了出来，对于希望进行深入研究的学者来说，这本书无疑是一座宝库。不过，也正是这种对学术严谨性的过度追求，使得部分章节的阅读体验变得有些沉闷和晦涩。对于我这样一个希望进行基础普及性了解的爱好者来说，阅读过程中需要频繁地停下来查阅大量的专业术语和典故，这极大地打断了阅读的流畅感。如果能在不牺牲学术准确性的前提下，采用更具亲和力的语言来串联这些厚重的知识点，或者在每章末尾设置一个“知识小贴士”或“给初学者的建议”，或许能更好地平衡学术性与可读性之间的关系，让更广泛的群体受益。

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这本书的装帧设计确实挺别致的，拿到手里沉甸甸的，纸张的质感也相当不错，摸上去很有年代感，封面上的那种晕染效果，让人联想到舞台上光影流转的瞬间，很抓人眼球。我特别喜欢它在细节处理上的用心，比如字体选择，那种略带古朴的书法体，读起来就让人有种穿越回旧时代剧场的错觉。不过，我也注意到一些小问题，比如内页的排版，有些地方的留白处理得过于拥挤，尤其是在引用大段戏曲剧本原文的时候，眼睛看久了会有点吃力，希望能有更多的空间感。整体来说，作为一本专注于某个特定领域的书籍，它的硬件配置是让人满意的，至少能看出出版方在制作上的诚意，让人在翻阅时，心情也会跟着愉悦起来，毕竟，阅读体验也是内容之外重要的一部分嘛。

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