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出版者:上海文艺出版社

作者:王峥

出品人:

页数:77

译者:

出版时间:2002-6-1

价格:18.00

装帧:平装(无盘)

isbn号码:9787532123988

丛书系列:

图书标签:

• 平面设计
• 底纹设计
• DIY
• 图案设计
• 背景设计
• 创意设计
• 手作
• 绘画
• 装饰
• 艺术
• 素材

好的，这是一本关于传统文化与现代工艺结合的图书简介，内容详实，旨在吸引对非遗、手工艺、以及生活美学有浓厚兴趣的读者。 --- 《锦绣流光：宋韵雅集与织锦复兴的当代实践》 一本穿越千年，探寻中国古典美学在现代生活中的复苏与再造的深度匠心之作。 【图书概述】 《锦绣流光：宋韵雅集与织锦复兴的当代实践》并非一本简单的工艺技术手册，而是一部融合了历史考证、美学鉴赏、材料科学与当代设计哲学的深度文集。本书以中国宋代精致典雅的审美体系为切入点，聚焦于传统织锦艺术——特别是宋锦、蜀锦的精湛技艺、文化内涵及其在近现代的传承困境与当代复兴之路。 全书结构严谨，内容涵盖了从历史脉络的梳理到具体工艺流程的解析，再到跨界合作与市场化探索的完整链条。它试图回答的核心问题是：在高速迭代的物质文明时代，那些承载着千年记忆与匠心温度的非物质文化遗产，如何才能找到属于自身的“当代语境”并焕发新生？ 【核心内容深度剖析】 第一篇：宋韵之境——古典织锦的审美基因与历史回溯 本篇深入考察了宋代是中国古典美学登峰造极的时期。重点剖析了宋代社会对“清雅”、“内敛”与“格物致知”的推崇是如何直接影响到织锦的设计理念与色彩运用。 1. 纹样的符号学解读： 细致分析了宋锦中常见的“岁寒三友”、“缠枝花卉”、“几何万字锦”等纹样的文化寓意和视觉结构。探讨了宋代对自然形态的抽象与简化处理，如何形成其独特的“疏朗”之美，区别于唐代的雍容华贵。 2. 色彩的哲学： 详细介绍了宋代天然染料的提取与调和技术，尤其是对“鸭卵青”、“藕荷色”、“黛螺色”等极具辨识度的典雅色系的科学解析。探讨了这些色彩如何体现宋人对天地万物和谐共处的哲学思考。 3. 技术巅峰与断代： 通过对传世实物的研究，揭示了宋代提花机技术的复杂性和精准度，并探讨了元明清时期织锦技术演变中，哪些关键环节在特定历史时期遭遇了中断或变异。 第二篇：匠心独运——织锦工艺的复原与当代创新 本书的实践部分，侧重于“如何做”与“如何改进”。它超越了基础的图解，进入到对材料学和制作哲学的探讨。 1. 传统提花工艺的微观解析： 详细描述了传统提花织机（如大花楼机）的结构原理、穿综、提花、打纬等核心操作流程。重点展示了如何通过对经线、纬线张力的精确控制，实现复杂图案的自然浮现。 2. 现代科技赋能： 探讨了计算机辅助设计（CAD）在织锦图案数字化过程中的应用。并非简单地将传统纹样输入电脑，而是如何利用算法优化提花程序，以适应现代高速提花机对数据接口的要求，同时最大限度地保持手工织造的韵味。 3. 材料的探索与可持续性： 关注现代环保纤维（如再生丝、竹纤维）与传统蚕丝的混纺可能性。对比了不同材料在光泽度、手感和耐久性上的表现，旨在为当代织锦的材料选择提供科学依据。 第三篇：美学回归——织锦在现代生活中的场景重构 本篇着眼于“应用”与“生活方式”，展示了如何将厚重的历史遗产转化为符合现代人审美和使用习惯的当代设计产品。 1. 空间叙事： 探讨了织锦在现代室内设计中的应用，例如如何利用织锦的肌理和图案，作为背景墙、软装隔断或艺术装置，营造具有东方神韵的静谧空间。书中提供了多个不同风格（极简、新中式、侘寂风）的室内案例分析。 2. 时尚语言的转译： 分析了织锦如何作为高端时装面料，其图案的“裁剪”与“布局”策略。重点解析了如何将传统的通幅满花纹样，通过现代剪裁的逻辑，转化为更具流动性和动态感的服装设计元素。 3. 非遗的商业生态构建： 深入访谈了数位致力于织锦传承与创新的设计师和工坊主。探讨了他们如何平衡“手工的稀缺性”与“市场化的可及性”，包括建立可溯源的供应链、设计面向年轻消费者的入门级产品线（如配饰、文创）的策略。 【本书特色与价值】 本书以其扎实的文献支撑、严谨的工艺分析和前瞻性的设计视野，为以下读者群体提供了不可替代的价值： 设计专业人士与学生： 提供了珍贵的传统纹样库和工艺解析，是理解中国传统美学体系的深度参考资料。 文化研究者与历史爱好者： 提供了一扇深入了解宋代物质文化和纺织技术史的窗口。 手工艺传承人与创新者： 提供了关于如何将传统技艺与现代科技、市场需求相结合的切实案例与思考路径。 追求高品质生活的美学消费者： 帮助读者建立起对织锦艺术品的鉴赏能力，理解其背后的时间价值和文化厚度。 《锦绣流光》是一本关于时间、技艺与审美的交响曲，它邀请每一位读者，共同参与到这场古典织锦艺术的当代复兴之旅中。 ---

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拿到这本书的时候，我正在为我的一个独立游戏项目寻找独特的视觉风格，被“设计DIY”这个副标题深深吸引，心想也许能找到一些快速上手的工具和方法。结果，这本书的内容重心完全偏向了某种非常特定的矢量图形绘制技巧，涉及大量贝塞尔曲线的精妙运用，以及如何通过参数化设计生成复杂而有机的图案。这和我想象中那种“用笔刷涂抹就能出效果”的DIY理念相去甚远，它要求读者具备相当强的逻辑思维能力和对软件底层逻辑的理解。书中花费了大量的篇幅介绍如何从零开始构建一个可重复、可变异的图案系统，而不是教你如何使用现有的素材库。对我来说，这更像是一本偏向算法艺术的导论，而不是一本轻松愉快的“自己动手做”的手册。读完后，我感觉自己更像是一个精密的机械师，而不是一个随性的手工艺人，收获是巨大的，但过程的门槛也比预想中高了不少。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种细腻的纹理，初看之下以为是某种高级的布料，拿在手里沉甸甸的，质感非凡。我本来以为这会是一本关于传统纺织品或室内装饰的书，毕竟“底纹”这个词很能引人联想到背景图案。翻开内页，才发现内容竟然是关于某种特定的数码艺术创作流程，而且涉及大量的软件操作技巧。我原本对这类技术性的书籍有些抗拒，总觉得枯燥乏味，但作者的讲解方式非常直观，图文并茂的步骤解析，即便是零基础的新手也能迅速掌握核心概念。特别是书中对色彩理论和构图逻辑的深入剖析，完全超出了我阅读一本“设计入门”书籍的预期。它更像是一本高级教程，教会你如何用技术手段去实现艺术家的视觉语言，而不是简单地复制粘贴现成的模板。我尤其欣赏其中关于“动态底纹”的章节，那简直是打开了我的新世界，让我意识到原来背景元素也可以成为叙事的一部分。

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这本书的目录结构设计得非常巧妙，它似乎刻意避开了任何关于家居装饰或平面印刷的常见主题。我期待看到一些关于墙纸、布料印花或者网页背景设计的章节，但内容却完全聚焦于一种基于网格和模态分析的抽象图形生成方法。作者似乎对古典几何美学有着深厚的造诣，书中引用了许多古老的建筑图纸和中世纪手稿作为案例，然后用现代的数字工具去解构和重塑这些结构。我花了好大力气才跟上作者对“结构化重复”的定义，它强调的不是视觉上的重复，而是底层数学逻辑上的精确对应。这本书的排版是极简主义风格，大量留白，字体选择也偏向技术手册的冷峻感，这进一步强化了它非主流设计工具书的定位。它不是一本用来放松阅读的书，更像是一本需要带着笔记本和计算器去研读的学术材料。

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这本书的纸张触感非常特别，略带粗糙，而且墨水味很重，散发着一种老派印刷品的味道，这让我一度以为我买到了一本关于历史文献修复或者古籍装帧的书籍。我仔细阅读了前几章，发现它是在讲解如何通过蚀刻和化学腐蚀的方式，在金属板上制作出具有深度和层次感的背景图案。内容完全围绕着材料科学和精密工具的使用展开，比如如何控制酸液的浓度、如何处理不同的金属合金，以及如何通过蒸汽压来控制腐蚀的速度和深度。这与我理解中的“设计”概念相去甚远，它更像是传统的手工艺蓝图，充满了化学方程式和物理定律。这本书展示了一种近乎失传的、需要极度耐心和专业知识的技艺，让我对“底纹”的理解，从数字世界跳跃到了工业时代早期的手工制作领域，视角转换之大，令我颇为震撼。

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我原本是想找一本关于如何为自己的博客或自出版物设计独特封面的书，看到“底纹设计”还以为能找到关于如何营造氛围感的技巧。然而，这本书的主题似乎完全集中在三维建模软件中光影和材质的交互表现上。它详细描述了如何通过调整渲染器的参数，来模拟出各种奇异的、带有强烈物理特性的“地面纹理”，比如熔岩冷却后的不规则结构，或是高压电弧在特定介质中留下的痕迹。内容深度令人震惊，其中对全局光照和次表面散射的讨论，已经达到了专业渲染工程师的水准。这本书对于想做室内设计或产品可视化的人来说，也许是宝藏，但对我这种只想快速生成一个好看背景图的读者来说，未免有些用力过猛，很多章节我只能大致浏览，因为缺乏相应的3D软件操作经验，难以真正实践书中的复杂流程。

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