画说澳门 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:人民日报出版社

作者:

出品人:

页数:138

译者:

出版时间:1998-12

价格:8.80

装帧:平装

isbn号码:9787801530561

丛书系列:

图书标签:

• 澳门
• 历史
• 文化
• 旅游
• 建筑
• 风俗
• 美食
• 摄影
• 图文
• 岭南文化

《光影流转：世界电影艺术史纲》 内容提要 本书旨在为广大电影爱好者、艺术研究者及相关专业学生提供一部系统、深入、富有洞察力的世界电影艺术发展史梳理。全书以时间为轴线，以艺术流变为主线，从电影的诞生之初，历经默片时代的探索与高峰，进入有声电影的革新与多样化，直至当代数字技术浪潮下的后现代电影景观，全面、详尽地剖析了世界电影艺术的发生、发展、高峰与转折。 本书不仅关注电影技术的进步（如摄影、剪辑、音效的演变），更侧重于电影语言的风格化、美学思想的演进以及电影与社会文化思潮之间的深刻互动。我们深入探讨了欧洲先锋电影（如表现主义、超现实主义）、好莱坞的经典叙事模式、东方电影的独特哲学深度（如日本的物哀美学、印度电影的歌舞传统），以及新浪潮运动对传统电影规范的颠覆。 全书分为十个主要章节，辅以大量的经典影片分析、重要导演的创作思想解读、以及关键流派的宣言性文本梳理，力求为读者构建一个清晰、立体的世界电影艺术版图。 --- 第一章：梦想的诞生与早期探索（1895-1918） 本章追溯电影作为“第七艺术”的起源，从卢米埃尔兄弟的纪实性瞬间捕捉，到梅里爱的魔幻叙事构建，展示了电影早期作为一种新型娱乐和技术奇观的魅力。重点分析了乔治·梅里爱如何确立了电影的叙事潜力，以及爱迪生公司的活动记录仪等早期技术基础。 随后，深入探讨了以美国导演D.W.格里菲斯为代表的早期叙事技巧的成熟。格里菲斯如何通过蒙太奇理论的初步实践——如平行剪辑、特写镜头、景深镜头——将原本松散的画面组合，塑造成具有强大情感冲击力的连续性叙事。我们详细分析了《国家的诞生》等作品中蕴含的复杂叙事结构与争议性主题。 同时，本章也梳理了欧洲大陆的初步尝试，如法国“卢米埃尔学派”对现实的冷静观察，以及早期意大利史诗片的宏大场面构建，为后续艺术电影的兴起奠定了技术和观念的基石。 第二章：默片的黄金时代与风格确立（1919-1929） 二十年代是默片艺术的巅峰期，各国电影人开始将电影语言提升至纯粹的视觉诗歌层面。本章详述了德国表现主义电影如何通过扭曲的布景、强烈的明暗对比和夸张的表演，将内在的心理冲突外化，催生了如《卡里加里博士的小屋》、《亡灵之舞》等具有里程碑意义的作品。分析其对光影和空间处理的革新，及其对后世恐怖片、黑色电影的影响。 与此同时，苏俄的蒙太奇学派横空出世，爱森斯坦、普多夫金等理论家将剪辑提升为一种哲学和意识形态工具。本章细致阐述了“吸引子蒙太奇”、“辩证蒙太奇”等理论，通过分析《战舰波将金号》中“敖德萨阶梯”等经典段落，揭示了剪辑如何直接作用于观众的思维逻辑和情绪反应。 在西方，喜剧大师查理·卓别林和巴斯特·基顿将肢体语言和高超的特技表演推向极致，他们的人物形象——如“流浪汉”——超越了语言的限制，成为全球性的文化符号。本章也探讨了好莱坞制片厂制度的初步形成，以及其如何标准化了叙事模式，为有声电影的转型积蓄力量。 第三章：有声革命与世界电影的格局重塑（1930s） 有声电影的出现是电影史上最剧烈的技术变革之一。本章探讨了声音的引入如何最初带来了叙事上的倒退（如舞台剧式的固定机位），但很快，艺术家们便开始探索声音与画面的交互潜力。 本章着重分析了有声片时代初期，好莱坞类型片的成熟：经典黑色电影（Film Noir）的早期形态，歌舞片（Musical）的繁荣，以及西部片、犯罪片等类型的固定范式。同时，详述了欧洲电影的应对，例如德国和法国的先锋导演如何将声音实验性地融入到前卫艺术表达中。 此外，本章也关注了三十年代的社会现实主义倾向，以及如让·雷诺阿等导演如何运用复杂的景深镜头和流畅的场面调度（Mise-en-scène），捕捉到日益复杂的社会生活图景，为成熟的电影现实主义奠定基础。 第四章：战争年代的阴影与现实主义的深化（1940s） 第二次世界大战对全球电影生产产生了深远影响。本章首先分析了战时宣传电影的艺术手法与功能。接着，将焦点转向意大利新现实主义的崛起。在战争废墟之上，罗西里尼、德·西卡等导演抛弃了棚内布景，转而使用非职业演员和真实的街景，记录普通人在困境中的尊严与挣扎。本章详细剖析了《偷自行车的人》、《罗马，不设防的城市》如何以其朴素的镜头语言，达成了震撼人心的道德力量。 与此同时，好莱坞的“黑色电影”在战后的迷惘与道德焦虑中达到了其美学上的高潮，本章分析了其标志性的叙事主题（女性危险、宿命论）以及视觉风格（低调照明、倾斜构图）。本章也涵盖了奥逊·威尔斯对电影语言的持续探索，尤其是其在《公民凯恩》中对深度透视、声音分层的革命性运用。 第五章：战后欧洲的艺术觉醒与反叛（1950s初期） 战后的欧洲，文化氛围空前活跃，电影不再满足于再现现实，而是转向对“作者性”（Auteur Theory）的强调和对传统电影规范的质疑。本章详细介绍了法国“左岸派”和“右岸派”对美国电影的吸收与批判，并最终促成了“法国新浪潮”的诞生。 重点分析了意大利“作者电影”的代表人物费里尼和安东尼奥尼，他们将镜头转向了现代都市人的精神困境、疏离感和存在主义式的迷茫。安东尼奥尼如何通过“不行动的场面”和“情感的失语”来颠覆传统戏剧性，成为战后现代艺术的标志。 第六章：新浪潮的冲击与作者论的兴盛（1950s末-1960s） 本章聚焦于法国新浪潮（Nouvelle Vague）对世界电影的颠覆性影响。戈达尔、特吕弗等人推崇个人化、即兴式的创作，大量使用跳切、手持摄影、即兴对白和直接对观众的凝视（Breaking the Fourth Wall）。本章分析了他们如何通过对电影史的引用和解构，表达对成人世界和既定美学的反叛。 同时，欧洲其他地区也涌现出强烈的个人化表达：瑞典的伯格曼探讨信仰与死亡的哲学困境；匈牙利的法尔考什专注于记忆与时间和个体命运的沉思。本章梳理了“作者论”如何从理论走向实践，成为衡量一部电影艺术价值的核心标准之一。 第七章：好莱坞的“新学院派”与反文化浪潮（1960s-1970s） 面对欧洲新浪潮和美国国内的社会变革，好莱坞开始转型。本章探讨了“新好莱坞”一代——如科波拉、斯皮尔伯格、斯科塞斯等——如何将欧洲艺术电影的技巧与好莱坞的商业叙事相结合。他们拍摄了大量反英雄、充满道德模糊性的作品，反映了越战、民权运动等社会议题的冲击。 本章深入分析了七十年代黑色电影和犯罪片（如《教父》、《出租车司机》）的复杂人性刻画，以及他们对传统美国梦的质疑。同时，本章也概述了国际上“新电影”的蓬勃发展，包括捷克的“新浪潮”对政治寓言的运用，以及拉美“第三电影”的激进社会批判立场。 第八章：电影的商业化与类型片的回归（1980s） 随着电影制作成本的飙升和家庭录像市场的兴起，好莱坞在八十年代开始转向高概念（High Concept）和视觉奇观。本章分析了乔治·卢卡斯和史蒂文·斯皮尔伯格等导演如何开创了现代大片（Blockbuster）模式，以及工业化特效技术（如CGI的早期应用）如何改变了电影的美学重心。 在国际上，本章关注了日本电影的持续影响力，尤其是黑泽明在国际影坛的地位，以及欧洲电影在后现代主义思潮下的探索，例如法国导演对历史与记忆的元电影式解构。 第九章：数字时代的来临与全球化叙事（1990s-2000s） 进入九十年代，数字技术开始渗透电影制作的每一个环节，对电影的摄影和剪辑美学产生了颠覆性影响。本章详述了计算机生成图像（CGI）如何释放了想象力的边界，使奇观得以普及。 本章重点分析了昆汀·塔伦蒂诺、史蒂文·索德伯格等导演如何运用后现代主义的拼贴手法、非线性叙事以及对类型片的戏仿和重构，来回应信息爆炸时代的文化环境。同时，本章也关注了亚洲电影，特别是香港武侠片和韩国电影在国际上的崛起，它们在动作设计和情感表达上的创新，为全球电影语言注入了新的活力。 第十章：流媒体、平台与未来展望（21世纪至今） 本章审视了互联网、数字发行和流媒体平台对电影艺术生态的重塑。电影院体验的中心地位受到挑战，电影与剧集的边界日益模糊。本章探讨了当代导演在碎片化叙事、交互式内容以及视觉沉浸感方面的最新尝试。 本书的最后部分将梳理当代电影艺术的多元化趋势，包括对身份政治、环境议题的深入探讨，以及独立电影人在有限资源下利用新技术进行的锐意创新。总结全球电影艺术如何在技术迭代和文化多元化的双重驱动下，继续演进其作为人类情感和思想载体的核心使命。 --- 本书特色 理论与实践结合： 不仅介绍流派和技术，更深入剖析了如爱森斯坦、戈达尔、安东尼奥尼等大师的创作手稿与访谈，提供第一手的艺术洞察。 全球视野： 覆盖欧美主流叙事体系的同时，对东亚、拉丁美洲、东欧等区域的电影艺术贡献给予同等重视。 深入的案例分析： 精选了百余部里程碑式影片进行技术和美学解析，辅以大量剧照和分镜头说明。 学术严谨性： 引用了电影史学、美学、符号学等多个学科的理论框架，确保内容深度与广度兼备。 本书是任何希望系统掌握世界电影艺术发展脉络，并培养独立批判性观影能力的读者的必备参考书。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，怎么说呢，它给我一种极其强烈的“沉浸式体验”感，完全不是那种枯燥的历史陈述。我最欣赏的是作者构建的那个叙事结构，它像一个技艺高超的织工，将澳门的过去与现在，通过一个个精心挑选的故事节点巧妙地编织在一起。比如，书中对那些“老字号”的描写，简直是绝妙的笔法。它没有简单地罗列这些店家的招牌产品，而是将镜头对准了那些代代相传的手艺人和他们的坚持。我仿佛能看到那位年迈的点心师傅，如何在昏黄的灯光下，用祖传的模具，一丝不苟地压制着每一个绿色的杏仁饼。这种对“匠人精神”的描摹，赋予了这座城市深厚的文化肌理。更令人称道的是，作者在讲述历史变迁时，那种不动声色的对比手法，让人在会心一笑之余，又不得不深思。它不是强硬地灌输观点，而是通过场景的切换和人物命运的展现，让读者自己去体会时间的重量和文化的交融。这种高明的叙事技巧，让这本书的耐读性大大增加，每次重读都会有新的感悟。

评分☆☆☆☆☆

说实话，拿到这本书之前，我对澳门的印象还停留在赌场的霓虹和快速的城市节奏上。然而，这本书彻底颠覆了我的固有认知。作者的文字功力，体现了一种极其克制而又饱含情感的“克制之美”。它不煽情，不夸张，却能在不动声色间击中人心最柔软的地方。我尤其喜欢其中对于“海洋文化”的探讨部分。书中对渔民生活的描绘，细腻到让人心疼。那些出海的船只，那些祈求平安的仪式，那些与风浪搏斗的日常，被描绘得如此真实可感，让人联想到一个被大海塑形的民族的坚韧与智慧。它成功地将澳门从一个“中转站”的概念，提升到了一个拥有独特且深刻的海洋精神的岛屿形象。而且，这本书的选材非常具有洞察力，它不只关注那些光鲜亮丽的景点，而是深入到那些被现代喧嚣所掩盖的角落，比如老城区的后巷、那些被遗忘的社区活动，从而展现出澳门更为立体和有人情味的一面。这种对“生活本质”的捕捉，是很多同类书籍难以企及的高度。

评分☆☆☆☆☆

我阅读这本书的过程，更像是一场与一位睿智长者的对话。这位长者并非高高在上地布道，而是娓娓道来，声音温和却充满力量。这本书的语言风格上，呈现出一种古典的韵味，但绝不晦涩难懂。它在描述建筑细节时，那种对几何、光影和材质的精准把握，显示出作者深厚的艺术修养。例如，书中描述某座教堂的彩色玻璃窗时，那段文字简直可以摘录出来单独装裱——它不仅仅是描述“色彩”，而是描述了“光线如何被折射、分解，再投射到地面上，并随着时间推移而改变情绪”。这种对“瞬间”的永恒捕捉能力，极大地提升了阅读的审美价值。此外，书中对文化冲突与融合的探讨，也十分到位。它没有简单地将中西文化视为两种对立的力量，而是巧妙地展示了它们是如何在澳门这块狭小的土地上，相互渗透、相互影响，最终催生出一种独一无二的“和而不同”的社会形态。这种深刻的文化思辨，让我对“身份认同”有了全新的理解。

评分☆☆☆☆☆

《画说澳门》这本书，从我翻开扉页的那一刻起，就仿佛被带入了一个光影交错的迷人时空。作者的笔触细腻入微，那些关于澳门的描绘，不仅仅是简单的文字堆砌，更像是一幅幅徐徐展开的、色彩斑斓的画卷。我尤其欣赏它对那些历史遗迹的侧重，比如大三巴牌坊，书中没有流于俗套地描述它的宏伟，而是深入挖掘了它背后那些被时间尘封的细节——那斑驳的石墙上，似乎还能触摸到当年葡萄牙工匠的汗水与信仰的虔诚。阅读过程中，我仿佛能闻到空气中弥漫着的南欧风情与东方韵味的奇特混合气味。再谈谈它对风土人情的捕捉，那种闲适却又充满活力的市井生活，被描绘得栩栩如生。那些在窄巷里穿梭的居民，那些在老茶楼里慢摇蒲扇的景象，都让这座城市在我脑海中立体了起来。这本书的叙事节奏张弛有度，时而如山涧清泉般轻快，时而又如深海暗流般厚重，让人在沉浸式的阅读体验中，对澳门的认识得到了极大的拓宽，远超一般旅游指南所能提供的肤浅了解。它真正做到了“以画入史，以史传情”。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，这本书的知识密度很高，但阅读起来却毫无压力，这得益于作者高超的“信息碎片化处理”能力。它巧妙地将历史、地理、社会学、建筑学乃至美食文化，都融入到流畅的叙事线中，让知识点像是自然生长出来的，而不是被生硬地植入。我特别欣赏它在处理“美食文化”这一章节时的独特视角——它没有停留在对葡挞或猪扒包的简单介绍上，而是追溯了这些食物背后的贸易路线和移民故事。每一个食材的引进，都对应着一个时代背景，每一个烹饪手法的改变，都折射出社会变迁的缩影。这使得“吃”不再是简单的生理需求，而变成了一种活态的历史记录。书中对于不同年代街景的对比描绘，也极其引人入胜，仿佛打开了时间胶囊。作者总能找到那个最能代表某一历史时期的标志性场景，然后围绕它展开细致的铺陈。读完后，我的感觉是，我已经不是在“看”澳门的历史了，而是真真切切地“走过”了它几百年的光阴，脚下的每一步都踏在了厚重的文化土壤之上。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆