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出版者:中国社会出版社

作者:李重光

出品人:

页数:163

译者:

出版时间:1999-01

价格:12.00元

装帧:平装

isbn号码:9787801460790

丛书系列:

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《古典音乐鉴赏指南：从巴赫到21世纪的旋律之旅》 简介： 本书旨在为音乐爱好者和初学者提供一份详尽而生动的古典音乐鉴赏地图。我们深知，面对浩如烟海的古典音乐作品，许多人会感到无从下手，或是对复杂的音乐术语望而却步。因此，我们摒弃了枯燥的理论说教，转而采用一种沉浸式的叙事方式，带领读者踏上一段穿越时空的旋律之旅。 第一部分：巴洛克的辉煌与秩序——理性与激情的交织 我们将从巴洛克时期（约1600-1750年）的音乐基石开始。这一时期的音乐以其严谨的结构、复杂的对位法和强烈的戏剧性著称。 巴赫的宇宙观： 重点剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的作品，例如《平均律钢琴曲集》和《马太受难曲》。我们不会深究十二平均律的数学原理，而是聚焦于巴赫如何通过对位法（复调音乐的精髓）构建出如同精密钟表般的音乐结构。读者将了解到，巴赫的音乐不仅仅是悦耳的旋律，更是一种对宇宙秩序和神圣哲学的深刻表达。我们将拆解赋格曲的“主题先行”与“答复”之间的对话，揭示其内在的逻辑美感。 亨德尔的宏伟叙事： 紧接着，我们将转向乔治·弗里德里克·亨德尔。他的音乐更具戏剧性和公开性。我们将重点分析《弥赛亚》的“哈利路亚”合唱，探讨他如何运用宏大的合唱编制来营造出史诗般的场景和宗教的庄严感。此外，对《水上音乐》的分析将侧重于早期管弦乐队的配置及其在宫廷娱乐中的作用。 维瓦尔第的四季色彩： 对于安东尼奥·维瓦尔第的《四季》，我们将探讨“标题音乐”的早期实践。如何仅凭乐器，特别是小提琴的精湛技巧，描绘出春日萌芽、夏日雷雨、秋日丰收和冬日冰封的细腻场景。这部分内容旨在让读者明白，音乐的意象表达可以多么直观和生动。 第二部分：古典主义的优雅与平衡——清晰、和谐的典范 古典主义时期（约1750-1820年）是音乐形式的黄金时代，以海顿、莫扎特和贝多芬为核心。这一时期的核心追求是清晰的结构、平衡的比例和普遍的人性情感表达。 海顿的“交响曲之父”： 约瑟夫·海顿被誉为交响曲和弦乐四重奏的奠基人。我们将深入讲解奏鸣曲式（Sonata Form）的结构——呈示部、发展部和再现部。通过分析海顿标志性的“惊奇”手法（如《惊愕交响曲》中的突然强音），我们将展示作曲家如何在既定的形式框架内，注入幽默感和机智的对比。 莫扎特的纯净之声： 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特的音乐被认为是天赋与技艺的完美结合。我们将侧重于他的歌剧艺术，例如《费加罗的婚礼》和《唐璜》。鉴赏的重点将放在他如何通过不同角色的咏叹调和宣叙调，微妙地刻画人物的心理状态——从嫉妒、愤怒到深沉的爱意。他的旋律之美，在于其看似简单却难以模仿的完美弧线。 贝多芬的革命与英雄主义： 路德维希·范·贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁。我们将不只是欣赏他的旋律，更要理解他音乐中的“意志”和“抗争”。例如，第五交响曲的“命运敲门”主题如何从微弱动机发展为胜利的宣告，体现了人类面对逆境时的不屈精神。对钢琴奏鸣曲如《热情》的分析，将侧重于钢琴音域的拓展和踏板的革命性使用。 第三部分：浪漫主义的激情与个性——情感的无限释放 进入19世纪，音乐的主题从理性转向个人情感的深度挖掘和对自然、异域、超自然的向往。 舒伯特的歌曲艺术： 弗朗茨·舒伯特是“艺术歌曲”（Lied）的大师。我们将探讨钢琴伴奏在浪漫主义歌曲中扮演的角色——它不再只是背景，而是与人声共同叙述故事。通过分析《冬之旅》或《美丽的磨坊少女》，读者将领略到音乐如何捕捉诗歌中最细微的情感波动。 肖邦的钢琴诗篇： 弗雷德里克·肖邦的音乐几乎完全献给了钢琴。我们将重点讨论他的夜曲（Nocturne）和玛祖卡（Mazurka）。他的“鲁巴托”（Rubato，弹性速度）技巧如何使得旋律充满呼吸感和即兴的亲密感。我们会解析波兰民族舞曲如何被他提炼和升华，成为充满乡愁的艺术表达。 瓦格纳与歌剧的革命： 理查德·瓦格纳试图创造“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）。我们将介绍“主导动机”（Leitmotif）的概念，以及他如何通过不断重复和演变这些音乐片段，来标记特定的人物、情感或概念。分析《尼伯龙根的指环》将聚焦于其宏大的叙事野心和对和声的极端探索。 李斯特与炫技的浪漫： 弗朗茨·李斯特的钢琴作品展示了浪漫主义对演奏技巧极限的追求。我们将讨论他如何利用钢琴的全部潜能，创造出交响乐般的音响效果，以及交响诗（Symphonic Poem）这一新兴体裁如何解放了管弦乐队的叙事自由。 第四部分：20世纪的多元探索与反叛——打破藩篱 进入20世纪，音乐不再是单一主流，而是充满了实验、分裂与对传统的颠覆。 印象派的色彩描绘： 克劳德·德彪西和莫里斯·拉威尔的音乐，如同一幅幅流动的印象派画作。我们将探讨他们如何使用全音阶、五声音阶和复杂的和弦色彩，营造出朦胧、模糊而又迷人的听觉氛围，如同捕捉光影的瞬间。 斯特拉文斯基的节奏冲击： 伊戈尔·斯特拉文斯基的《春之祭》是20世纪音乐的里程碑。我们将重点分析其打破常规的原始节奏、不对称的节拍以及对传统和声的断裂。这部分内容旨在帮助听众理解，音乐美学可以在“不和谐”中找到新的力量。 无调性与序列主义的理性回归： 阿诺德·勋伯格开创的无调性音乐，以及后来的十二音技法，是对浪漫主义时期过度情感化的反动。我们将简要介绍这些体系如何试图用新的“组织原则”来替代传统的大小调体系，虽然听感上可能更具挑战性，但其内在逻辑同样严谨。 极简主义的呼吸： 最后，我们将目光投向20世纪后半叶的极简主义音乐，如史蒂夫·赖希和菲利普·格拉斯的作品。通过重复、相位移动和细微的渐变，这些音乐带领听众进入一种近乎冥想的状态，证明了“少即是多”在音乐创作中的强大力量。 结语：聆听的艺术 本书的最终目的，不是让读者成为音乐学家，而是培养他们一种主动聆听的能力——去感受旋律的线条、和声的张力、节奏的驱动力，以及作曲家所处的时代精神。通过了解这些音乐的“背景故事”和“创作意图”，每一次聆听都将成为一次深刻的、个人的发现之旅。

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我对这本书的深度印象最为深刻，尤其是它对于和声进行逻辑的梳理方式，简直是化繁为简的大师之作。我过去总是被那些复杂的转调和弦、变化音的标记搞得晕头转向，即便是跟着视频教程学习，也常常感觉抓不住重点。这本书的作者似乎深谙学习者的痛点，他没有直接抛出那些密密麻麻的规则，而是通过一系列精心设计的“情景模拟”，将抽象的和声功能具象化了。比如，他用“远行归来”和“久别重逢”来比喻特定和弦的进行，一下子就让那些原本死板的音乐术语变得有了情感色彩和故事性。我甚至能想象出作者在撰写这些部分时，是如何反复推敲措辞，力求让每一个比喻都恰到好处，既不失专业性，又不至于让初学者望而却步。这不仅仅是一本理论书，更像是一本音乐思维的培养手册。

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这本书的装帧质量也值得称赞，它采用了一种非常考究的纸张，触感细腻光滑，即便是长时间翻阅，手指也不会感到疲惫。更重要的是，书中的插图和图表设计，完全体现了一种现代美学。我之前买过一本，里面的五线谱印刷得特别小且模糊，常常需要借助放大镜才能看清那些细小的记号。但这本书不同，即便是最复杂的十二平均律图解，或是那些复杂的节奏型组合，都清晰、醒目地呈现在读者面前。特别要提的是，作者在讲解对位法时，插入了一些古代音乐家的手稿复印件（虽然只是作为视觉参考），这种对历史细节的尊重，让整本书的厚重感和权威性瞬间提升了好几个档次。这绝不是一本应付了事的“速成”读物，它显然是倾注了作者大量心血的匠心之作。

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最让我感到惊喜的是，这本书似乎对“即兴创作”和“耳朵训练”的部分给予了极大的重视，这一点在很多传统的乐理教材中是被严重弱化的。我一直认为，乐理的最终目的不是为了通过考试，而是为了更好地表达和创造。这本书的后半部分，专门辟出了一章，详细介绍了如何通过听觉记忆来内化和弦的色彩。作者提供了一些非常实用的练习方法，比如蒙上眼睛听一段旋律，然后尝试用键盘或任何乐器把它“捕捉”下来。这些练习并非简单地要求你“听对”，而是引导你理解声音背后的结构。这种从理论到实践、从分析到创造的闭环设计，让这本书的实用价值远超我的预期，它真正教会我如何“用耳朵思考”，而不是仅仅“用眼睛阅读”。

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这本书的封面设计着实抓人眼球，那种复古的油画质感，让人一下就联想到那些经典的老唱片封面，沉甸甸的，仿佛能从中嗅到年代久远的墨香。我原本是抱着试一试的心态买下的，毕竟市面上的同类书籍实在太多，大同小异，实在难出新意。然而，这本书的排版和字体选择却让我眼前一亮。它没有采用那种冷冰冰的教科书式字体，而是用了一种略带手写感的衬线体，阅读起来意外地舒服，丝毫没有那些理论书籍常有的枯燥感。翻开第一页，作者的引言部分就展现出一种真诚的姿态，他没有高高在上地宣讲晦涩的知识，反而像一个经验丰富的向导，轻声细语地引导我们进入一个全新的世界。这种亲切感，是我在其他任何乐理书籍里都未曾体验到的。

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老实说，拿到这本书时，我有点担心它的内容会过于偏向某一种音乐风格，毕竟很多乐理书籍的例子都局限于古典乐范畴。然而，这本书的视野非常开阔。在讨论到和声功能时，作者巧妙地穿插了爵士乐的和弦延伸，以及一些现代流行音乐中常见的非功能性和声的例子。这使得这本书不仅适合传统的音乐学院学生，对于那些热衷于现代编曲和音乐制作的爱好者来说，也具有极强的指导意义。它没有固步自封于某一套规则体系，而是以一种包容性的态度，展示了音乐语言的无限可能性。这种与时俱进的编纂思路，让我觉得手中的这本书，是一份可以伴随我未来几年音乐学习生涯的宝贵资料，而不是读完一遍就束之高阁的工具书。

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当时学的仔细，还记了笔记

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当时学的仔细，还记了笔记

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囧……

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=。=......

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