对联与修辞

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出版者:江西教育出版社
作者:马雪松
出品人:
页数:247
译者:
出版时间:1992-08
价格:4.50
装帧:平装
isbn号码:9787539213712
丛书系列:
图书标签:
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具体描述

诗性与哲思的交织:《山水间的哲理意象》 读书笔记 导言:探寻隐于自然的深刻寓意 本书并非聚焦于语言的结构与技巧,而是带领读者深入中国古典园林与山水画的意境之中,探究那些被精心布局的自然元素如何承载了深刻的哲学思考与人生况味。《山水间的哲理意象》 是一部关于“观物取义”的田园之思,它试图揭示,在中国文人的审美体系中,一山一石、一水一木,绝非单纯的自然再现,而是“心物合一”的载体,是承载了儒释道三家思想的微缩宇宙。 全书结构严谨,分为“意象的建构”、“哲思的植入”、“园林的隐喻”和“画境的延伸”四个主要部分,旨在构建一个完整而立体的分析框架。作者以细腻的笔触,穿梭于唐宋以降的诗词、笔记、园林志等文献之间,挖掘出那些被时间尘封的文化密码。 --- 第一部分:意象的建构——从自然物到文化符号的转化 本章是全书的基石,重点阐述了中国传统文化中,特定自然物象是如何经过文人的长期筛选与精神投射,最终升华为具有特定文化指涉的“意象”的。 1. 竹:虚心与气节的辩证统一 作者首先深入剖析了“竹”这一意象的复杂性。在世俗的认知中,竹子象征着君子的“有节”,代表着不屈不挠的品格。然而,作者指出,这种解读仅仅是儒家修身层面的体现。更深层次来看,竹的“中空”结构,与道家追求的“虚静”状态不谋而合。竹林在诗词中往往营造出一种“空灵”之境,使读者在视觉的穿透性中,体验到物我两忘的禅意。书中引用了苏轼关于竹的论述,指出其高耸入云的外表下,是对自我执念的消解。竹的“节”,不仅是品格的象征,更是自然生长规律中,自我约束与实现平衡的体现。 2. 水:动静之间的永恒张力 水是本书探讨的第二个核心意象。与西方文化中对水的“起源”或“洗礼”的单一关注不同,中国传统审美将水视为“变动不居”与“柔弱胜刚强”的统一体。作者详细梳理了“流动的水”(如江河、溪涧)和“静止的水”(如池塘、明镜)所代表的两种哲学立场。 流动的水,是时间流逝的具象化,它承载着“逝者如斯夫”的感慨,促使人思考生命的短暂与无常(佛教的“无常观”在此处得到体现)。而静止的水面,则成为“明心见性”的媒介,它必须保持绝对的平静,才能清晰地映照出天空与山峦,象征着心境的澄澈与智慧的倒影。这种动与静的辩证关系,构成了中国文人处理人生困境时,刚柔并济的处世哲学。 3. 山:依止与超越的二律背反 山,无疑是中国山水意象的最高体现。本书并未停留在山作为“靠山”或“高远”的简单理解上,而是将其置于“在世出世”的框架下分析。山,是入世者寻求政治或学术依止的地理实体;同时,它也是隐士遁世、追求精神自由的物理屏障。 作者尤其关注了“云雾缭绕的山”。云雾并非遮蔽,而是“模糊性”的哲学表达。它使得山峰的边界变得不确定,从而鼓励观者以想象力去填充空白,这正与中国艺术中“计白当黑”的留白手法相呼应。山的高耸,象征着对超越世俗的渴望,但它的“根植于地”,又提醒着主体必须保持对大地的敬畏。 --- 第二部分:哲思的植入——儒释道在自然中的交融 本部分是全书的理论核心,着重分析了中国传统哲学体系是如何渗透并重塑了自然意象的意义。 1. 儒家的“法天”与“秩序感” 儒家思想通过“礼”与“序”来规范社会,这种规范感也投射到了对自然的描绘上。在皇家园林或士大夫私家园林的布局中,对称性、中轴线的运用,以及对特定景物的层级划分,体现了儒家对“天地有大义,而人伦有次序”的信奉。作者分析了在一些规整的园林中,松柏(象征长寿与国之柱石)被置于核心位置,而竹林、水榭则作为次要的陪衬元素,显示出一种清晰的价值层级。 2. 道家的“自然无为”与“返璞归真” 道家思想则强调“道法自然”,主张顺应事物本来的面目。在山水意象中,道家影响最深远的是对“野趣”的追求。作者对比了江南私家园林(更具人工雕琢的痕迹)与北方皇家园林的宏大叙事,指出那些模仿野外地貌、不加修饰的“拙”与“丑”——如嶙峋怪石、枯木槎牙——正是道家“大巧若拙”思想的物化体现。真正的哲理在于,不对自然进行过度干预,让生命以其最本真的状态存在。 3. 禅宗的“当下即是”与“瞬间永恒” 禅宗对意象的影响主要体现在对“时间感”的处理上。禅宗强调的“一花一世界,一叶一如来”,促使文人在描绘山水时,捕捉那些看似寻常却蕴含无限可能的瞬间。例如,对清晨薄雾中远山光影的捕捉,或是在暴雨初歇时苔藓上水珠的细致描摹。这些描绘的精妙之处在于,它将“无限的时空压缩入一个极小的、可被感知的瞬间”,要求观者必须全神贯注,才能体会到那种“当下即是圆满”的境界。 --- 第三部分:园林的隐喻——从物理空间到心灵栖所 本部分将前两部分的理论成果应用于具体的空间实践——古典园林。园林被视为是文人精神世界的“物质化剧场”。 1. 移步换景:人生的体验轨迹 作者详细分析了中国园林中最核心的造园手法——“移步换景”。它要求游览者在曲折的回廊、半掩的月洞门后,才能看到下一个景观。这种设计并非为了增加游览的趣味性,而是模拟人生的探索过程:真理(美景)不是一览无余的,而是需要不断前行、不断转换视角才能逐渐显现的。每一步的停顿与转换,都是一次对前一景色的回顾与沉淀。 2. 轩、亭、榭:沉思的支点 园林中的建筑,如轩、亭、榭,是哲思发生的中转站。它们的位置并非随意摆放,而是经过精心计算,以实现最佳的“观照点”。 轩(多用于书房或内院):强调私密性与向内的审视,是进行学问思考和自我反省的场所。 亭(多设于开阔处或路口):是休憩、社交与对外界环境进行概括性审视的场所。 榭(多临水或架于水上):最能体现“物我交融”的境界,人与水体相接,感官刺激最强,适于抒发对宇宙万物的感怀。 这些建筑成为了人与自然进行对话的“支点”,是主体精神外化与内收的切换点。 --- 第四部分:画境的延伸——留白中的无限可能 最后一部分,作者将视角转向山水画,阐述了绘画如何将哲理意象的抽象性推向极致。 1. 留白:虚无与实有的边界 中国山水画的“留白”现象,被作者视为对“虚”的最高礼赞。留白处并非“空白”,而是“未被定义的可能性空间”。它要求观者主动参与到作品的创作中,以自己的生命体验去填补那片虚空。这种对虚无的容纳,是对一切有形之物终将消散的深刻认知,体现了对有限性与无限性的深刻把握。 2. 笔墨的“气”与“韵” 不同于西方绘画对面、光影的精确描摹,中国山水画更注重“气韵生动”。“气”是生命力,“韵”是意境的回味。这种对“气”的捕捉,使得一幅画作不仅仅是图像的记录,更是画家生命力流动的痕迹。笔墨的浓淡干湿,象征着主体在面对人生时,时而浓墨重彩的投入,时而轻描淡写的抽离,展现了极高的精神弹性。 结语:回望来路,体悟当下 《山水间的哲理意象》 最终落脚于对现代人精神困境的关照。在日益物质化和碎片化的现代生活中,我们往往失去了与自然建立深层对话的能力。本书提醒读者,回归那些经过千百年文化淘洗的自然意象,并非是逃避现实,而是在自然的秩序与哲理的启示中,重新校准自己人生的坐标系,寻求一种内在的、持久的宁静与力量。它提供了一套理解东方审美精神的钥匙,其价值在于引导我们“观物,而非仅是看物”。

作者简介

目录信息

目录
缀锦剪翠 两两相对
――对联中的对仗
奇巧妥贴 生动形象
――对联中的比喻
寓情于物 物我交融
――对联中的比拟
言此意彼 委婉含蓄
――对联中的语义双关
若无其事 意在言外
――对联中的语音双关
借梁换柱 丰神尽出
――对联中的借代
分析离合 天衣无缝
――对联中的析字
言过其实 强烈鲜明
――对联中的夸张
环环相扣 妙语连珠
――对联中的顶针
随手拈来 别致明快
――对联中的拈连
巧转妙变 圆活自如
――一对联中的转类
虚实结合 相映成趣
――对联中的虚词
明知故问 投石击水
――对联中的设问
无疑而问 答在问中
――对联中的反问
绘声绘色 形神毕肖
――对联中的摹绘
复而不厌 �而不乱
――对联中的重复
层现叠出 声谐义恰
――对联中的叠字
交错掺杂 同中显趣
――对联中的混异
镶嵌有致 水乳交融
――对联中的嵌字
以数入联 诗趣盎然
――对联中的用数
空谷反响 往复成趣
――对联中的回文
有如己作 胜于己作
――对联中的集句
针锋相对 相反相成
――对联中的对比
盐融于水 妙夺化工
――对联中的用典
气势贯通 酣畅淋漓
――对联中的排比
无情有缘 别出心裁
――对联中的别解
度人之腹 口吻逼肖
――对联中的假称
将错就错 笑中寓刺
――对联中的飞白
续补接转 生面别开
――对联中的续转
综合交织 尺水兴波
――对联中辞格的综合运用
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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说实话,我原本对“修辞”这个词感到有些望而生畏,总觉得它意味着复杂的理论和拗口的术语。但是,这本书对修辞手法的阐释,简直是教科书级别的清晰和生动。作者似乎拥有一种魔力,能将最抽象的文学概念具象化。他没有采用那种生硬的定义堆砌,而是通过大量的、贴近日常生活的例子进行对比说明。我印象最深的是关于“通感”的运用,作者用一个很小的生活场景——描述夏日午后蝉鸣的聒噪如何转化为视觉上的“灼热感”,让我瞬间领悟了修辞力量的微妙之处。整本书的结构安排也极其合理,从基础的词性对仗,逐步过渡到意境的营造,逻辑链条清晰,层层递进,非常适合初学者入门,同时对于有一定基础的读者,也能提供新的启发。阅读过程中,我时常会停下来,回味那些精彩的分析,甚至会忍不住拿起笔,尝试自己构造几句符合某种修辞要求的句子。这不只是一本书,更像是一个耐心的、高水平的文字导师。

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我对这本书的装帧设计和排版也想说几句。在这个信息碎片化的时代,能遇到一本如此注重阅读体验的书实属难得。纸张的质感温润,墨色浓郁而不刺眼,长时间阅读下来,眼睛也不会感到疲劳。更重要的是,作者在版式设计上的匠心独运。那些被着重分析的对联,往往会采用加粗或特殊字体的突出显示,使得阅读的节奏感非常好。特别是章节之间的留白处理,疏密有致,给了读者喘息和思考的空间。这种对细节的极致追求,体现了出版方对“文字之美”的尊重,也间接烘托了书中主题的雅致。读起来,简直是一种享受。它不仅仅是知识的载体,更是一件可以被珍藏的艺术品。这种对形式美的关注,恰恰也从侧面印证了书中对于语言形式之美的探讨是多么的深刻与到位。

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这本《对联与修辞》读起来,就像是走进了一座灯火辉煌的文字迷宫。我原本以为,这会是一本枯燥的、纯粹的学术探讨,讲解对联的格律和修辞手法的教科书式解析。然而,作者的笔触出乎意料地轻盈而富有画面感。他并没有将对联仅仅视为一种格式化的文字游戏,而是将其置于中国文化和历史的广阔背景中去审视。书中关于“以意逆转”和“情景交融”的论述尤为精妙,让我对那些耳熟能详的名联有了全新的理解。比如,当谈及某副描写江南烟雨的对联时,作者引述了晚唐诗人的几句残句,瞬间将读者从书本拉回到那个湿漉漉的、弥漫着墨香的场景中。这种叙事方式,极大地增强了阅读的代入感。我特别欣赏作者在分析具体案例时,那种由表及里、深入骨髓的洞察力,他总能捕捉到语言结构下隐藏的人类情感和时代精神。这种将文学批评与文化史相结合的写法,使得整本书不仅是知识的传授,更是一场深刻的文化体验。

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这本书给我带来的最大震撼,在于它对“传统”与“创新”之间张力的探讨。很多评论者可能会将对联视为一种僵化的古老艺术,但作者却以极其现代的视角,挖掘出对联在当代语境下依然可以焕发的生命力。他挑战了许多传统观念,比如关于“平仄”的绝对要求,提出了在某些特定情境下,情感的流畅性是否可以适度地让位于形式的刻板。这种批判性的思维,让整本书的论述显得既有根基又富有前瞻性。我特别喜欢他引用了现代一些广告语和网络流行语作为辅助例证,这并不是为了哗众取宠,而是为了说明语言的本质——即追求在最短的篇幅内实现最大的信息和情感密度——是永恒不变的。这种跨越时空的对话,让原本沉重的文化遗产变得鲜活而具有普适性,激发了我重新审视自身语言表达的欲望。

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坦白说,起初我购买这本书是带着一丝怀疑的,毕竟市面上关于传统文化的书籍汗牛充栋,真正有真知灼见的凤毛麟角。这本书的价值在于其独特的“方法论”构建。作者并非仅仅停留在“是什么”的层面,而是深入探讨了“为什么会这样”以及“如何才能做到”。书中对对联的内在逻辑——那种镜像结构下的辩证统一关系——的剖析,简直令人拍案叫绝。他引入了西方符号学的一些概念,对联的每一个字、每一个词的位置,都被视为一个符号,它们之间相互指涉,共同构建起一个微缩的意义世界。这种跨学科的分析角度,极大地拓宽了我对语言艺术的认知边界。这本书需要细嚼慢咽,每一页都值得反复推敲,它不是让你快速获取信息的工具,而是一部引导你进行深度思考的认知地图。我感觉自己仿佛完成了一次精神上的“高强度训练”,收获远超预期。

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