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出版者:中国美术学院出版社

作者:张铁民 编

出品人:

页数:400

译者:

出版时间:1997-12

价格:26.00元

装帧:平装

isbn号码:9787810196291

丛书系列:

图书标签:

• 汉简
• 书法
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• 书法技法

好的，这是一份图书简介，旨在描述一本与《大学书法隶书临摹教程》内容无关的图书。 --- 《宋代文人画的审美变迁与文化内涵研究》 图书简介 本书是一部深入探讨宋代文人画发展脉络、审美特征及其背后文化意蕴的学术专著。全书以严谨的史料考据和独到的理论视角，系统梳理了自北宋早期至南宋末期，文人画从萌芽、兴盛到定型的发展轨迹，并着重分析了不同历史时期文人画在题材选择、笔墨技法以及精神追求上的显著差异与内在联系。 第一章：宋代文人画的兴起与时代背景 本章首先界定了“文人画”的核心概念，并将其置于宋代独特的社会文化结构中进行考察。宋代重文抑武的国策，以及科举制度的完善，为士大夫阶层的崛起提供了广阔的政治与文化空间。士人阶层将个人情感、哲学思考和诗词修养融入绘画创作，形成了区别于院体画的全新艺术范式。本章详细分析了北宋初年，以苏轼、米芾为代表的文人艺术家如何通过“尚意不尚形似”的艺术主张，批判性地解构了唐代以来对物象逼真描摹的传统，开启了以抒发主体精神为核心的绘画新风。 第二章：北宋中期的山水画：气韵生动与心物交融 北宋中期的山水画是文人画成熟的标志性阶段。本章聚焦于李成、范宽、郭熙等重要画家，剖析其作品中蕴含的“气韵生动”的哲学基础。重点探讨了“可游、可居、可观”的审美体验，如何通过对山川形貌的程式化处理，转化为主观精神的投射。例如，范宽《溪山行旅图》中的雄伟与肃穆，并非单纯的写实记录，而是画家对宇宙秩序与个体渺小感的深刻体悟。此外，本章还深入研究了“高远”、“深远”、“平远”等空间处理手法如何服务于文人画“外师造化，中得心源”的创作理念。 第三章：南宋院体画的精致与文人画的转型 南宋偏安一隅的政治局面，对艺术风格产生了深远影响。本章对比分析了院体画的“格律精严”与文人画的“意在笔先”。虽然院体画在细节描摹上达到了前所未有的高度（如马远、夏圭），但其创作主体和审美趣味开始向文人艺术靠拢。本章论述了南宋文人如何通过“折枝花卉”、“墨戏”等更具个人趣味的题材，来消解现实的压抑，表达对故土的怀念和对气节的坚守。 第四章：米芾父子的“尚态”美学与水墨的探索 米芾父子（米襄阳、米芾）是文人画发展史上的关键转折点。本章将米芾的“刷笔”技法视为对传统笔墨语言的彻底解放。通过对“集古字”到“自成一家”的演变过程分析，揭示了“尚态”美学如何超越形体束缚，直指对象的神韵与内在生命力。米氏父子对“烟雨朦胧”意境的成功营造，标志着水墨语言在表达精神层次上的巨大飞跃。 第五章：元代文人画的理论高峰与“四大家”的格局 本章将视角延伸至元代，探讨了文人画理论的集大成，特别是“元四家”（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的艺术实践。黄公望的《富春山居图》不仅是山水画的典范，更是文人“笔墨精神”的集中体现。倪瓒的“一味萧疏”，则将个人孤傲、避世的情怀，通过极简的构图和干枯的笔法推向了极致。本章着重分析了元代文人画如何完全脱离宫廷和市场的制约，成为纯粹的“士人自娱”的艺术形式，并奠定了后世水墨画的理论基石。 第六章：文人画的哲学底蕴：道家、禅宗与儒家思想的交织 本书的重点之一在于揭示文人画深厚的哲学根基。本章探讨了老庄思想（特别是“自然无为”）如何影响文人对山水的主观化处理；禅宗的“顿悟”思想如何体现在水墨写意的笔法和即兴创作中；以及儒家“修身齐家治国平天下”的理想如何在“寄情山水”的艺术选择中得到一种精神上的补偿和寄托。 第七章：与其他艺术形式的互动：诗、书、印的融合 文人画的完整性体现在“诗、书、画、印”的四位一体。本章细致分析了题跋在画面构成中的核心作用，它如何解释画作的意图、完善构图，并直接体现了书法的笔墨趣味。通过对宋元时期文人画题跋风格的演变分析，可以清晰地看到书法艺术如何作为一种独立的、具有表现力的语言参与到绘画的叙事之中。 结论：宋代文人画对后世的深远影响 总结部分，本书将宋代文人画的发展视为中国艺术史上一次深刻的“主体性觉醒”，并论述了其对明清乃至近现代中国画的决定性影响，特别是在“写意”精神的传承上，其地位无可替代。 本书特色： 史料扎实： 整合了宋元时期相关文献、碑刻及传世名作的最新研究成果。 理论创新： 突破了单纯的风格流派划分，深入挖掘了艺术形式背后的哲学和社会动因。 图版丰富： 选配了大量高清的宋元代表性作品局部与全貌，便于读者进行直观的审美对比与技法分析。 本书适合艺术史研究者、中国画专业学生、以及对中国传统文化和美学思想有浓厚兴趣的广大读者阅读。

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这本书对于中国传统文化的融入与挖掘，达到了一个相当高的水准。它不仅仅是一本教人写字的工具书，更像是一扇通往汉魏时期历史文化场景的窗口。在介绍某些典型字形时，作者会穿插讲解相关的历史背景、当时的社会风气乃至书写载体（如简牍、碑刻）的特性，这使得每一个笔画的形成都拥有了深厚的文化土壤。这种“知其然更知其所以然”的学习模式，极大地增强了我学习的内驱力和对这门艺术的敬畏感。我不再觉得隶书只是僵硬的古代字体，而是感受到了古人如何在那个特定的历史时空下，通过这种凝练的符号来表达他们的思想与情感，这是一种超越技术层面的精神滋养。

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这本书的装帧设计简直让人眼前一亮。封面采用的是那种略带肌理感的纸张，触感非常舒服，拿到手里就知道不是那种廉价的印刷品。排版上，作者的处理非常巧妙，字体的选择既古典又易读，黑白灰的对比度把握得恰到好处，不会让人感到视觉疲劳。特别是对于初学者来说，那些范例的放大和局部特写做得非常到位，能清晰地看到笔锋的提按顿挫和墨色的浓淡变化。装订也十分牢固，可以完全平摊在桌面上，这对于练习书法至关重要，省去了我反复按压书页的麻烦。内页的用纸厚度也考虑得很周到，即便是使用浓墨，也不会透墨到背面影响下一页的观感。整体来看，这本教材在物质层面的呈现，已经超越了普通教辅书的范畴，更像是一件精心打磨的艺术品，让人在翻阅和学习的过程中，都能享受到一种美学上的愉悦体验。

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作为一名期待能系统提升自己书写水平的成年爱好者，我尤其关注教材的“可操作性”和“可复习性”。这本书在这一点上表现出色。它的内容组织逻辑清晰，章节划分合理，即便是中断一段时间后重新拾起，也能迅速定位到上次学习的知识点，不会出现断层。更重要的是，它在讲解收尾部分，总是会附带一些常见错误和相应的修正建议，这种“预判式”的辅导，避免了我在独自练习中陷入长期的误区。我感觉这本书更像是请了一位经验丰富的、耐心十足的老师在旁边随时指导，它不仅教会了我“怎么写”，更教会了我“如何观察和自我纠正”，这种授人以渔的理念，才是它真正宝贵的价值所在，确保了学习效果的可持续性。

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练习过程中的体验感，是衡量一本教程好坏的试金石。这本书在这方面做得非常人性化。它采取的渐进式训练体系，让我感觉每一步都有明确的目标和切实可行的路径。从最基础的点画起笔收笔的规范练习，到结构组合的安排，再到整字的章法布局，环环相扣，循序渐进，完全没有“揠苗助长”的急躁感。尤其值得称赞的是，它提供的可供临摹的空白页留白设计非常合理，尺寸和字格的比例拿捏得当，既保证了有足够的书写空间，又不会让人在面对大片空白时感到无从下手。我发现，在按照书中的步骤反复练习后，原本僵硬的线条开始有了自然的韵律感，那种仿佛能听到笔尖划过纸面的声音，正是我追求的境界，这套教程无疑是搭建了这座通往理想状态的坚实桥梁。

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我过去尝试过好几本关于传统书体的入门书籍，但很多要么是内容过于陈旧，图片模糊不清，要么就是理论部分写得过于晦涩难懂，让人望而却步。然而，这本教材在理论阐释上展现出了令人惊喜的清晰度。它没有堆砌那些高深莫测的古籍术语，而是用非常现代、贴近生活的语言，系统地拆解了隶书的结构逻辑和审美精髓。比如，它对“蚕头燕尾”的形态描述，结合了现代几何学的概念进行辅助理解，这对于我这种理工科背景的读者来说，简直是醍醐灌顶。书中对不同碑帖的风格差异也做了细致的对比分析，而不是简单地罗列，这种比较性的教学方式，极大地拓宽了我对隶书的认知边界，让我明白字体并非一成不变的刻板印象，而是一个充满生命力的演变过程。

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