喜怒哀乐--张宝桐戏曲小品选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:陕西人民出版社

作者:张宝桐

出品人:

页数:231

译者:

出版时间:1994-11

价格:5.00

装帧:平装

isbn号码:9787224033786

丛书系列:

图书标签:

• 戏曲
• 小品
• 张宝桐
• 传统文化
• 地方戏
• 喜剧
• 情感
• 艺术
• 表演
• 文学

岁月回响：百年戏曲舞台的群像与变迁 【内容提要】 本书并非戏曲小品的汇编，而是一部深入探究近百年间中国戏曲舞台生态、名家传承与剧目革新的宏大叙事。它以史料为基石，以人物为经纬，勾勒出从清末民初到新中国成立后，不同剧种在社会变革浪潮中的挣扎、坚守与新生。全书分为“角儿的时代”、“流派的兴盛与分化”、“剧目的生命力”和“舞台下的风云”四个部分，通过大量珍贵档案、日记、书信及口述史料，还原了一个个鲜活的舞台瞬间，探讨了艺术在时代洪流中如何保持其审美价值与社会功能。 --- 卷一：角儿的时代——舞台的王侯与大众的目光 本卷聚焦于中国戏曲史上那些拥有“点石成金”能力的艺术家群体——“角儿”。我们不以戏曲行当划分，而是从社会现象的角度切入，探讨在那个没有现代娱乐工业的时代，戏曲演员是如何成为社会顶流的文化符号。 第一章：票友与名角的交融 探讨民初时期票友文化对职业戏曲生态的反哺与制约。戏园子如何成为士绅阶层展示文化资本的场所？名角们在舞台上表演的“程式化”背后，是怎样的审美标准和观众期待？本书详细梳理了早期戏班的组织结构，解析了“台上一日，台下十年”的残酷现实，以及“唱、念、做、打”各环节中对演员个体天赋与勤奋的极高要求。特别关注了那些以“文武兼备”著称的艺术家，如何平衡艺术的纯粹性与迎合市场的需求。 第二章：行当的壁垒与流动 传统戏曲行当等级森严，但艺术的生命力总会寻求突破。本章通过个案研究，描绘了丑角、花脸等行当如何逐渐从配角地位走向独立审美价值的提升过程。例如，某个著名武生对“荷叶底”步法的极致追求，如何被后人视为一种新的美学范式。同时，也分析了在社会动荡时期，一些演员为了生计，不得不跨行当演出时所展现的专业素养与艺术适应力。 第三章：从茶园到大戏楼的权力更迭 记录了戏曲演出场所的变迁史。从早期的露天茶座、简陋的戏台，到富商巨贾投资兴建的豪华大戏楼，这种物理空间的升级，如何反过来影响了剧目的选择、服装的华丽程度以及观众的构成？我们详细考察了戏院经理人阶层（如早期的“戏包头”）在艺术商业化进程中的关键作用。 卷二：流派的兴盛与分化——艺术基因的遗传与变异 戏曲的生命力在于流派的不断形成与发展。本卷深入挖掘了不同地域、不同剧种内部的艺术“基因”是如何代代相传，又如何在新的时代背景下产生显著的变异。 第四章：南腔北调的审美分野 选取了当时最具代表性的几个主流剧种进行对比分析。例如，某北方剧种注重“气势”与“浑厚”，其唱腔的结构如何受到地域民歌和语言环境的影响；而某南方剧种则侧重“婉转”与“细腻”，其板式变化中蕴含的哲学思考。重点分析了不同流派对“人声”处理的差异，从发声位置、气息运用到情感的外部投射，展现了同一情感主题在不同流派中的不同表达方式。 第五章：老戏的“活化石”与新戏的探索 传统剧目是戏曲艺术的“活化石”，但如何避免其沦为僵化的复刻？本章通过对比同一出经典老戏在不同年代、不同名家手中的演绎版本，探究艺术家们如何巧妙地在“忠于传统”与“体现时代精神”之间找到平衡点。同时，也关注了上世纪三四十年代，一批有识之士试图创作“文明新戏”或“话剧”的尝试，以及这些探索对传统戏曲现代化转型的间接影响。 第六章：口传心授的艺术传承危机 在剧场之外，戏曲的技艺主要依靠师徒间的口传心授。本书通过对多位著名前辈艺术家的回忆录进行交叉比对，揭示了这种传承方式的巨大风险：一旦名师凋零，其独特的艺术精髓可能随之失传。探讨了在那个缺乏文字记录和录音设备的年代，艺术家们如何用极其复杂的手势、眼神和腔调来“编码”和“解码”他们的技艺。 卷三：剧目的生命力——故事背后的社会镜像 戏曲的剧目是反映特定时代社会风貌和民众心理的一面镜子。本卷侧重于分析经典剧目题材的选择、情节设置的潜台词以及其社会接受度。 第七章：历史演义与现实的投射 分析了历史戏（如三国、水浒题材）经久不衰的原因。这些历史故事并非简单的叙事，而是被赋予了强烈的道德批判和对当下时局的影射。例如，某一忠义故事在战乱时期如何被解读为对民族气节的呼唤，而在和平年代又如何被淡化或重构。 第八章：才子佳人的永恒主题与“闺门戏”的兴衰 关注以女性角色为中心的剧目（闺门戏）在不同社会阶段的地位变化。民初时期，女性角色的审美标准如何从早期相对含蓄的“大家闺秀”走向更具舞台冲击力的“烈性女子”？探讨了在封建礼教松动的背景下，戏曲如何成为社会对“自由恋爱”的一种隐秘的艺术想象空间。 第九章：神怪传奇的避世与狂欢 在社会压力巨大的时期，神怪、狐妖题材的戏码往往大受欢迎。本章分析了这类剧目中，荒诞不经的故事情节如何成为民众暂时逃离现实困境的精神出口，以及这些“非人”角色身上所承载的民间信仰与朴素的善恶观。 卷四：舞台下的风云——政治、商业与艺术的博弈 戏曲并非真空中的艺术，它深受政治气候、商业运作和文人思潮的制约与塑造。本卷将目光转向台前幕后，探究艺术生态的复杂性。 第十章：军阀、政客与戏班的供养关系 详尽描述了民国时期，各路军阀和政客如何利用戏班作为一种重要的公共关系工具，通过赞助、包场、甚至直接控制戏班来巩固其社会影响力。艺术家们在这种权力结构中如何保持自身的艺术独立性？分析了某些重大政治事件发生时，戏班被要求“应景”演出的具体案例和演员的无奈选择。 第十一章：媒体与批评的力量 早期报刊杂志对戏曲的记载、评论，是现代戏曲批评的滥觞。本书梳理了最早一批关注戏曲的文人评论家，他们提出的“雅俗之辨”对后世戏曲审美取向产生了何种深远影响？关注了当时报纸连载的“角儿轶事”如何塑造了大众对名角的个人崇拜，有时甚至盖过了对其艺术本身的关注。 第十二章：艺术的自觉与未来的期许 在历史的转折点上，一批致力于整理、记录和推广传统戏曲的学者和艺术家开始行动。本书的最后一部分，是对这些“抢救者”工作的梳理，他们如何冒着风险记录下那些即将消逝的唱腔、身段和剧本，为后来的戏曲研究和保护工作奠定了坚实的基础。这不仅仅是对过去的缅怀，更是对艺术生命力永续的深切期盼。 --- 结语：一曲未终的挽歌 本书试图描绘一幅宏大而真实的百年戏曲画卷，关注的焦点在于艺术的“传承的艰辛”、“时代的烙印”以及“人性的复杂”。它不追求对具体某位艺术家的传记式描绘，而是通过对时代背景下艺术现象的深度剖析，让读者理解，每一次成功的演出背后，都凝聚着无数艺人与社会环境的激烈碰撞与深刻和解。这部作品旨在为后世研究者提供一个多维度的观察视角，去聆听那逝去舞台上传来的、真实而有力的“岁月回响”。

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这本书的排版布局简直是一场视觉的盛宴，那种留白的处理艺术，简直是教科书级别的典范。每一页的边距都拿捏得恰到好处，不多不少，既保证了文字的舒展，又不会让人觉得空泛。字体的选择也十分精妙，那种带着一点点隶书笔意的宋体，既保证了现代阅读的清晰度，又巧妙地融入了一丝古韵，读起来丝毫不费力，反而有一种韵律感。我注意到，即便是那些看似随意的引文或注释，作者也给予了足够的尊重，用略小的字号和不同的字体样式进行区分，层次分明，逻辑清晰。翻阅时，我仿佛能看到作者在构思每一个段落时，都在脑海中描绘着一幅幅生动的画面，然后将其一丝不苟地“绘制”在了纸上。这种对阅读仪式感的重视，在如今快餐文化的时代实属难得。我常常在想，如果内容本身如同这版式一样精美，那么这本书无疑将是一次心灵的洗礼。这种对细节的极致追求，让人不得不赞叹，好的内容，需要与之匹配的载体，而这本书，显然找到了它的完美伴侣。

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我对这本书的整体氛围感到一种由内而外的“气韵生动”。封面色调虽然低调，但内页的插图或旁注（如果存在的话）想必会是点睛之笔。我非常期待那些可能穿插在文字之间的老照片、戏曲道具的线描图，或者是某个经典扮相的速写。这些视觉元素，对于理解文本所描绘的场景至关重要，它们是文字的具象化支撑。想象一下，在读到某段描写角色登台时那种肃穆与期待交织的瞬间，如果能同时看到一张定格的老照片，那种跨越时空的共鸣感是无与伦比的。这本书似乎肩负着传承和激活传统艺术的使命，它不仅仅是记录，更是一种活态的展示。它不仅仅是给专业人士看的，更像是一张邀请函，邀请所有对生活有感悟、对情感有共鸣的人，一同走进那个充满张力和美感的舞台世界，去感受那份跨越时代的艺术魅力。

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这本书的装帧在重量感上也做得非常到位，拿在手里沉甸甸的，这通常意味着纸张用料扎实，印刷质量上乘，不易损耗，可以长久保存。这种“厚重感”，似乎也在无声地暗示着内容的价值和分量——它不是那种一读即弃的读物，而是值得反复咀嚼、时常翻阅的案头书。我尤其关注那些关于“选”的部分，一个“选”字，背后凝聚的是作者多年来的筛选与提炼，代表着他认为最精华、最值得被后人铭记的片段。这种精选的过程，本身就是一种深度解读和再创作。它让我联想到那些老电影的剪辑，每一个镜头都不是偶然出现的，而是为了烘托主题、推进情感而精心安排的。我好奇作者是如何平衡不同剧种、不同时期、不同情绪的作品的，是按照时间线索，还是以某种复杂的情感图谱来组织这些“珍品”的？这种精心的编排，预示着这是一本充满结构美感的作品，而非简单的素材堆砌。

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这本书的装帧设计真是别出心裁，封面那种淡淡的水墨晕染效果，透着一股子老派艺术的沉静，虽然我还没来得及细品里面的文字，但光是捧在手里，就能感受到一种对传统艺术的敬畏之情。封底的烫金字体在灯光下微微闪烁，显得格外雅致，不像现在很多书追求那种张扬的视觉冲击，它更像是在低声诉说，吸引你主动去靠近和探究。我特别喜欢那种纸张的触感，略微粗糙，带着一点点纤维的纹理，让人联想到旧时的戏园子里的绒布座椅，很有年代感和故事感。书脊的设计也很考究，用了一种不同于主封面的材质，形成了一种微妙的层次感，这种细节处理，足见出版方的用心。初次翻阅时，那种特有的油墨清香混杂着纸张的干燥气息，瞬间就将我拉入了一种远离喧嚣的氛围中。我猜想，内容一定也遵循了这种内敛而深沉的格调，也许讲述的是那些舞台背后不为人知的故事，或是对某个经典桥段的独到见解。这种外在的品质，已经为阅读体验定下了一个非常高的基调，让人对接下来的精神滋养充满了期待。它不仅仅是一本书，更像是一件值得收藏的工艺品，光是放在书架上，就增添了几分文化气息。

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坦白说，我一开始对这类题材的书籍持保留态度，总觉得会有些高深莫测，或者充满了晦涩难懂的专业术语，让人望而却步。然而，这本书在叙述风格上似乎采取了一种非常亲切自然的口吻，这从目录结构的一瞥中就能感受到。它不像是一份严肃的学术论述，更像是一位经验丰富的前辈，坐在茶馆里，用最朴实无华的语言，娓娓道来那些舞台上的悲欢离合。我推测，作者在行文过程中，一定巧妙地避开了过多的陈词滥调，而是着重于描摹人物的内心活动和情感波动，那种深入骨髓的体验，远比对技巧的机械描述来得动人。这种“以情动人”的叙事方式，是真正的艺术感染力所在。如果内容真的能做到如此深入浅出，那么即便我对这个领域的研究尚浅，也能轻松地跟上作者的思绪，体会到字里行间流淌出的那股真挚情感。这种平易近人的姿态，无疑是吸引更广泛读者的关键。

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