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出版者:青文出版社

作者:きゆづきさとこ

出品人:

页数:124

译者:伊波

出版时间:2011-9-20

价格:NT$160

装帧:平装

isbn号码:9789862568828

丛书系列:GA藝術科美術設計班

图书标签:

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雕塑与空间的对话：现代雕塑艺术的演变与探索 本书深入剖析了二十世纪以来，现代雕塑艺术在材料、形式、空间观念以及与社会语境互动等方面所经历的深刻变革与创新实践。我们追溯了从立体主义的结构解构到抽象表现主义的动态张力，再到后现代主义对边界的消解与对日常物的挪用，勾勒出现代雕塑如何挣脱传统束缚，成为与时代脉搏同频共振的艺术形式。 第一章：从具象到抽象的结构革命 本章聚焦于二十世纪初，两次世界大战前后，雕塑艺术在形体认知上所经历的剧烈转向。布朗库西（Brancusi）对“本质性”的追求，如何简化、提炼自然形态，引导雕塑进入纯粹形式的探索。我们详细分析了立体主义对三维空间的重新理解，探讨了如亚历山大·阿尔奇彭科（Archipenko）和奥斯普·扎德金（Ossip Zadkine）如何利用凹陷、穿插的平面来建构体积，挑战了传统的“实体性”雕塑观念。 随后，我们将目光投向了构成主义（Constructivism）和至上主义（Suprematism）对材料和功能的解放。俄罗斯的罗德琴科（Rodchenko）和塔特林（Tatlin）如何将雕塑从纪念碑的桎梏中解放出来，将其视为服务于社会工程和工业生产的结构模型。这种对“非艺术”材料和工业美学的拥抱，为后来的极简主义和特定场域艺术埋下了伏笔。本章特别深入探讨了立体主义雕塑如何影响了建筑设计和工业产品设计中的空间布局思维。 第二章：材料的解放与触觉的回归 进入战后时期，雕塑的材料哲学发生了根本性的变化。不再局限于青铜、大理石等传统“高贵”材料，艺术家们开始拥抱工业废料、现成品（Ready-mades）乃至软性材料。 我们首先考察了抽象表现主义雕塑的“动作性”。大卫·史密斯（David Smith）的焊接钢结构作品，如何将绘画中的笔触转化为空间中的线条和体量，使雕塑充满了即兴和内在的能量。这种“在空间中绘画”的手法，极大地扩展了雕塑的动态可能性。 随后，章节重点剖析了“软雕塑”的出现。克拉斯·欧登堡（Claes Oldenburg）对日常巨型化、柔软化的处理，不仅挑战了雕塑的永久性，更将波普艺术的反英雄主义精神注入了三维空间。这种对材料触感和比重（重量感）的反差处理，促使观众重新思考物体在物理世界中的存在状态。我们还将对比分析日本“具体派”（Gutai Group）对材料原始性能的极端挖掘，如白发一雄的“踏画”，探讨了物质本身所蕴含的生命力。 第三章：场域、身体与参与性：特定场域艺术的兴起 上世纪六十年代，雕塑不再是独立于环境的“物体”（Object），而是成为与特定环境发生关系的“事件”（Event）或“结构”（Structure）。本章详述了“特定场域艺术”（Site-Specific Art）和大地艺术（Land Art）的理论基础与实践范例。 罗伯特·史密森（Robert Smithson）的《螺旋堤》（Spiral Jetty）不仅仅是一个艺术品，它是一个关于地质时间、熵变和观看机制的哲学宣言。我们分析了大地艺术家如何通过干预广阔的自然景观，挑战了传统雕塑在画廊或广场上被“展示”的模式，转而关注过程、时间流逝和环境的不可逆转性。 与此同时，身体艺术（Body Art）和行为艺术（Performance Art）也模糊了雕塑的边界。艺术家利用自身作为媒介，通过对身体的约束、挑战或扩展，创造出瞬时而不可复制的“雕塑事件”。这迫使艺术理论重新界定“完成的作品”的定义，将观看者和参与者的体验纳入作品的构成要素之中。 第四章：极简主义与观看的哲学 极简主义（Minimalism）是理解当代雕塑不可绕过的高峰。唐纳德·贾德（Donald Judd）、卡尔·安德烈（Carl Andre）和丹·弗拉文（Dan Flavin）的作品，是对艺术“幻觉性”和“诗意性”的坚决抵制。 本章深入探讨了极简主义对“物性”（Objecthood）的强调。贾德的“特定物体”（Specific Objects）如何通过重复的、非等级化的单元排列，迫使观众关注物体的实际存在——它的尺寸、颜色、材料的工业特性，以及它如何占据和定义周遭的空间。我们特别分析了弗拉文如何利用现成的日光灯管，使光线和空间本身成为雕塑的媒介，探讨了光如何在三维空间中塑造感知。 极简主义的哲学核心在于“非表征性”，即作品不指向任何外部事物，它就是它本身。这种严格的自律性，为后来的观念艺术提供了坚实的结构基础，引导我们思考：雕塑的本质，究竟在于其可见的形态，还是其背后的逻辑结构？ 第五章：后现代的碎片化与挪用 进入后现代语境，雕塑艺术开始反思现代主义的宏大叙事和纯粹性追求。艺术家们拥抱拼贴、戏仿和文化挪用，将“高雅”艺术与“低俗”文化并置。 杰夫·昆斯（Jeff Koons）对镀铬、充气玩具等流行符号的复制与放大，是对艺术品光环和市场价值的尖锐反思。我们分析了这些作品如何通过对光泽和趣味性的极端运用，模糊了艺术与商业、审美与媚俗的界限。 同时，新表现主义雕塑，如安尼施·卡普尔（Anish Kapoor）的作品，通过对光滑、深邃的反射表面的处理，创造出既是实体又是空洞的矛盾空间。卡普尔的作品常常利用视觉错觉，邀请观众进入一种近乎迷失的空间体验，探讨了观看者自身在作品中的“缺失”与“在场”。 结语：雕塑的未来——流动性与数字化 本书最后展望了进入二十一世纪以来，雕塑在数字技术和全球化背景下的新动向。3D打印技术如何使复杂的几何形态得以实现？虚拟现实（VR）和增强现实（AR）环境如何扩展了“场域”的概念，使得雕塑不再受限于物理边界？从纪念碑到装置，从实体到虚拟，现代雕塑艺术正朝着更具互动性、更流动的方向发展，持续挑战我们对“物质存在”和“空间界限”的传统定义。本书旨在提供一个全面的框架，帮助读者理解这些复杂而迷人的艺术实践是如何共同塑造了我们理解三维艺术的当代视野。

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我之所以会被“GA藝術科美術設計班 03”这本书吸引，主要是因为它在介绍设计理念时，并没有局限于某种特定的风格或者媒介，而是采取了一种更加宏观的视角。它深入探讨了设计的本质，以及设计如何在不同领域发挥其独特的价值。我惊喜地发现，书中对材料的理解和运用有着非常独到的见解。作者不仅仅是列举了各种材料的特性，更是通过大量的实际案例，展示了设计师如何巧妙地选择和组合不同的材料，来达到预期的视觉效果和功能性。从天然材料的质感，到人造材料的光泽，再到不同材料的肌理感，书中都有非常细致的描述和精美的配图，让我仿佛置身于一个材料的宝库之中。更让我称道的是，它还探讨了可持续设计和环保材料的应用，这在当下环境保护日益受到重视的时代，显得尤为可贵。读完这部分，我对材料在设计中的重要性有了全新的认识，也开始思考如何在自己的创作中更加注重材料的选择和利用，让设计不仅仅是好看，更是对环境负责。

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这本书我真是抱持着极大的好奇心拿起来的，毕竟“GA藝術科美術設計班 03”这个标题就足够引人遐想了。我一直对艺术设计领域抱有一种朦胧的向往，总觉得那里充满了创意、色彩和无限的可能性。翻开扉页，精美的排版和考究的字体立刻吸引了我，这绝对是一本在视觉呈现上就下了功夫的书。我尤其喜欢它在章节划分上的方式，似乎暗示着这是一个循序渐进的学习过程，从基础到进阶，有条不紊。我在其中找到了许多关于色彩理论的精彩阐述，它们不再是枯燥的公式，而是通过生动的图例和案例，让我领略到色彩是如何影响情绪，如何塑造空间的。特别是关于互补色和邻近色在设计中的应用，书中给出了许多令人拍案叫绝的搭配方案，让我对以往对色彩的认知有了一个全新的颠覆。而且，它还涉及到了构图的技巧，不仅仅是简单的黄金分割，更深入地探讨了视觉引导线、对称与不对称、留白等元素在画面中的作用，这些细节的处理，直接影响到作品的整体美感和信息传达效率，确实是让我受益匪浅。

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我当时是被这本书的封面设计所吸引，那种简约又不失力量的风格，立刻就勾起了我的兴趣。翻开这本书，“GA藝術科美術設計班 03”的标题虽然看起来有些专业，但实际内容却远比我想象的要平易近人。我特别喜欢书中关于“概念化”的阐释。它不是告诉你“怎么做”，而是告诉你“为什么这么做”。比如，在讨论一个视觉设计项目时，作者会引导你去思考这个项目想要传达的核心信息是什么，目标受众是谁，以及什么样的视觉语言最能打动他们。这种从“概念”出发的设计思路，对我来说是一种全新的启发。我过去可能更关注画面的美观，但这本书让我意识到，一个真正优秀的设计，是建立在清晰的逻辑和深刻的理解之上的。书中还提供了一些非常实用的“头脑风暴”技巧和“创意激发”的方法，它们都不是那种空泛的理论，而是非常具体、可操作的练习，我尝试了几种，发现确实能帮助我打破思维定势，找到新的灵感。

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说实话，我当初拿到《GA藝術科美術設計班 03》这本书，并没有抱有多大的期待，毕竟“美術設計班”这个词听起来就有点像是学校的课程，我以为会很枯燥。但事实完全出乎我的意料。这本书最大的亮点在于，它将那些原本可能让人望而生畏的复杂概念，用一种非常有趣且易于理解的方式呈现出来。我尤其喜欢书中关于“叙事性设计”的章节。它不仅仅是讲述故事，更是如何通过视觉元素来讲述故事。比如，它会分析海报、广告、甚至是产品的包装设计，是如何利用色彩、构图、字体等，来构建一个引人入胜的故事，从而与观众建立情感连接。这本书还特别强调了“用户体验”在设计中的重要性，它不仅仅是关注最终的视觉呈现，更是从用户的角度出发，去思考设计的每一个环节，如何才能让用户感受到便利、愉悦和满足。读完这本书，我感觉自己对“设计”的理解，从一个单纯的“美工”提升到了一个更加深邃的“沟通者”和“体验创造者”的层面。

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老实说，我拿起这本书纯粹是带着一种“万一呢”的心态，毕竟“GA藝術科美術設計班 03”听起来像是某种专业课程的教材，但我一直对任何与美相关的东西都情有独钟。于是，我抱着随便翻翻的心态开始阅读，结果却被它深深吸引了。这本书的叙事方式非常独特，它不像我之前读过的许多“干货”类书籍那样，上来就丢给你一堆理论和方法，而是通过一些非常贴近生活化的场景，一点点地引导你去思考。我印象最深刻的是关于“如何观察”的那一部分，作者用了很多生动的例子，比如如何从一片落叶中看到季节的变迁，如何从一个街角的光影中捕捉到时间的流逝。这让我意识到，原来艺术设计不仅仅是技术层面的东西，更是对生活细微之处的敏锐洞察。而且，书中还穿插了许多设计师的访谈和他们的创作故事，这些真实而鲜活的经历，让我看到了他们的热情、坚持和不断突破自我的精神，这对我来说是一种极大的鼓舞。我发现，很多时候，灵感的火花并不是凭空出现的，而是源于对生活的热爱和对世界的好奇。

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