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出版者:

作者:清华藏珍编辑组 编

出品人:

页数:227

译者:

出版时间:2011-4

价格:200.00元

装帧:

isbn号码:9787302252146

丛书系列:

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翰墨丹青映古今：一部关于中国传统艺术瑰宝的深度探索 书名：《翰墨丹青映古今》 作者：[此处填写一位资深艺术史学家的笔名或化名，例如：沈君默] 出版社：[此处填写一家知名人文社科类出版社的名称，例如：博雅文苑出版社] 装帧：精装，附赠高清彩图摹本 字数：约五十万字 --- 【图书简介】 《翰墨丹青映古今》并非仅仅是一部艺术史的梳理，它是一场穿越千年历史长河、深入中国精神文化腹地的深度行走。本书聚焦于中国传统艺术中最核心的两大支柱——书法与绘画，以极其严谨的学术态度和充满人文关怀的笔触，解构了从先秦萌芽到近现代转型的漫长演变历程中，那些塑造了中华民族审美风骨的经典瞬间与关键人物。 本书结构宏大而脉络清晰，共分为五大部分，每一部分都对应着中国艺术史上的一个重要转折点或成熟期。它摒弃了简单的时间线性叙述，而是采用“主题-风格-技法-哲学意蕴”的立体交叉分析方法，力求呈现艺术形式背后的社会、思想与个体生命体验的复杂交织。 --- 第一卷：笔墨之源——从卜辞到篆隶的结构革命 (约15万字) 本卷追溯了汉字书写艺术的起源与早期形态，深入探讨了文字如何从实用的符号系统蜕变为独立的审美载体。 重点内容剖析： 1. 殷商甲骨文与金文的“神性”探源： 分析卜辞和钟鼎文的刻凿力度与线条的原始张力，探讨其与巫祝文化、宗法制度的关系。特别关注西周晚期金文的“庙堂气象”是如何确立中国早期书法的庄重基调的。 2. 春秋战国时期的风格流变： 细致对比六国文字的地域性差异，着重分析石鼓文的浑厚与简牍文字的便捷性对后世篆书的影响。 3. 秦代“书同文”的规范与力量： 深入研究李斯小篆的规范化过程，揭示其在国家统一中所扮演的文化强制力。随后，对隶书的“蚕头燕尾”结构革命进行了详尽的图解分析，指出隶书的诞生标志着书写从“描摹”向“结构”的本质转变。 4. 汉碑的雄强与魏晋的蜕变： 这一部分详述了东汉碑刻艺术的鼎盛，重点剖析《乙瑛碑》《曹全碑》等碑帖的用笔特点。并以“波磔”的成熟为节点，引入对魏晋时期书风的过渡性思考，为后续的草书与楷书的勃发奠定基础。 --- 第二卷：风骨自现——魏晋南北朝的士人精神与“二王”的范式确立 (约12万字) 本卷是全书的理论高地，探讨了玄学思潮、佛教东渐对艺术精神的深刻影响，以及书法如何成为知识分子安顿心灵的终极场所。 重点内容剖析： 1. “魏晋风度”与书法的精神外化： 分析竹林七贤的饮酒、服散与书风的自由奔放之间的内在关联。探讨何晏、钟繇如何初步建立起脱离隶书板滞的“自然”书写观。 2. “二王”体系的集大成： 倾注大量笔墨分析王羲之的艺术成就，不仅仅停留在对《兰亭序》的摹本研究上，更侧重于其“尽善尽美”的用笔原理、结体的欹侧平衡，以及其子王献之在草书上的创新性。本书首次提出了“结构内在重力”理论来解释“二王”法度的严密性。 3. 北碑南帖的地理分野： 对比南朝秀逸之风与北朝雄强之气的差异。探讨北魏至隋代，如《龙门二十品》中蕴含的民间力量和宗教热忱，如何为唐代楷书的“正统”提供了一种强健的底层支撑。 --- 第三卷：盛唐气象与宋代文人画的内省之路 (约15万字) 本卷跨越了唐宋两个艺术的高峰期，分别探讨了唐代艺术的“全盛格局”与宋代艺术的“理性回归”。 （一）盛唐：法度与变化中的格局 1. 初唐的规范化： 欧阳询的“险绝”、虞世南的“温润”，以及褚遂良对唐代尚法精神的提炼。 2. 盛唐的“气”： 重点分析颜真卿的“忠义之笔”，如何通过增加笔画的厚度和结构的外拓性，将个人品格直接注入书法，形成“颜体”的撼人力道。并简要探讨了张旭、怀素狂草在盛唐社会背景下的爆发性表达。 3. 唐代山水画的“青绿”与“水墨”对立： 分析李思训的金碧山水与王维的水墨禅意，探讨盛唐画家如何处理“形似”与“神似”的辩证关系。 （二）宋代：哲思与趣味的转向 1. 宋四家的书法心法： 详细论述苏轼的“意在笔先”、黄庭坚的“长枪大戟”、米芾的“八面出锋”，以及蔡襄的“平实”。揭示宋代书法从“法度”到“意趣”的彻底转向，这是文人自我意识觉醒的直接体现。 2. 宋代绘画的“格物致知”： 聚焦于院体画的精微，如徽宗的瘦金体与花鸟画的写实精神。随后深入分析苏轼提出的“论画以形似，见与 শিশু游”的哲学观，以及其如何引导了后世的写意水墨传统。 --- 第四卷：元明清的复古与再创造——士人艺术的坚守与流变 (约10万字) 本卷聚焦于元代文人画对宋代精神的继承与重塑，以及明清时期艺术风格的多元化与程式化倾向。 重点内容剖析： 1. 元四家的隐逸与笔墨趣味： 深入剖析赵孟頫如何以“复古”姿态重建唐晋法度，以及倪瓒的“寒林旷远”如何成为元代士人逃避现实的审美庇护所。 2. 明代中期的“浙派”与“吴门画派”： 考察浙派的雄健与吴门画派的秀雅（沈周、文徵明）之间的地域性竞争。对董其昌提出的“南北宗论”进行了批判性审视，指出其在体系构建中的贡献与局限。 3. 清代的集古大成与个体探索： 分析清初“四王”对董其昌理论的推行与实践，以及“四僧”（八大山人、石涛）在笔墨语言上如何进行“大写意”的结构性破坏与重建，为中国画的现代化转型埋下了伏笔。 --- 第五卷：线条的终极表达——中国画的技法系统与哲学内涵 (约10万字) 本书的尾声部分，从技法层面进行总结，以弥补前文在绘画理论上的侧重。 重点内容剖析： 1. “骨法用笔”的物质性研究： 结合大量图例，系统分析“中锋、侧锋、偏锋”在不同笔墨状态（干、湿、浓、淡）下的视觉效果和纸墨关系。探讨“飞白”与“积墨”的技法美学。 2. 山水画的“三远法”解析： 以高远、深远、平远为纲，结合具体作品（如范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》），解构中国画家如何在二维平面上构建无限空间感的空间哲学。 3. 文人画的“诗书画印”合一： 总结中国艺术特有的综合性表达方式，探讨题跋、诗文如何与画面融为一体，共同构成一个完整的“文心”。 --- 【本书特色】 本书的价值在于其深厚的学术功底与极强的可读性的完美结合。作者不仅引用了敦煌、晋唐故纸等一手资料，更通过独特的“笔墨语义学”视角，将历代名家的线条视为一种可以解读的“语言符号”。它并非对既有结论的简单重复，而是力图在传统艺术的千年回响中，寻找新的解释路径，是一部既能满足专业研究者，又能引导普通读者领略中国传统艺术浩瀚精神的传世之作。 推荐人群： 艺术史研究者、书法篆刻爱好者、中国哲学与美学研究人员，以及所有渴望深入理解中华文化“精气神”的读者。

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这部我最近偶然翻阅的古代文学选集，简直是一场穿越时空的奇妙旅程。作者的选篇眼光独到，不仅涵盖了从先秦诸子到唐宋八大家的经典篇章，更深入挖掘了一些鲜为人知的民间诗歌和地方志中的珍稀文字。阅读过程中，我仿佛能闻到墨香，看到竹简上清晰的朱砂批注。最让我惊叹的是，编者在每一篇选文后附上的详尽考证和现代白话翻译，那些晦涩难懂的古义，经过细致的梳理和生动的阐释，变得清晰易懂，极大地降低了普通读者进入古典文学殿堂的门槛。尤其是在解读那些关于古代礼仪和风俗的段落时，那种扑面而来的历史厚重感，让人不得不对古人的智慧肃然起敬。这本书的装帧设计也充满了古典韵味，那种带着微微泛黄的纸张质感，拿在手里沉甸甸的，本身就是一种享受。我特别喜欢其中对某一著名历史事件不同史料记载的对比分析，展现了作者严谨的治学态度，让人在品味文字之美的同时，也接受了一次系统的历史知识普及。这绝不是一本泛泛而谈的入门读物，它以小见大，通过精选的文本，勾勒出了一个宏大而精微的古代社会图景。

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我得承认，我对后现代哲学思潮一直抱有一种敬而远之的态度，总觉得那些理论太过抽象，缺乏与日常生活的连接。然而，这本专门探讨“数字时代主体性危机”的专著，却以一种令人耳目一新的方式抓住了我的注意力。作者没有直接抛出那些令人头晕的术语，而是选择从我们每天都在使用的社交媒体算法、虚拟身份的构建以及大数据监控等具体现象入手，层层递进地解构了我们“自我”是如何在信息的洪流中被切割、重塑乃至异化的。书中提出的“碎片化人格模型”极具启发性，它解释了为什么我们在不同的平台上有完全不同的表现，以及这种多重身份带来的内在焦虑感从何而来。最妙的是，作者在批判之余，也提供了一些“数字逃逸”的策略，虽然听起来有些反乌托邦，但却引发了我对自身媒介使用习惯的深刻反思。这本书的语言风格非常具有活力，夹杂着恰到好处的流行文化引用，使得原本深奥的理论讨论，变得像一场精彩的深夜辩论会，让人欲罢不能，读完后感觉对这个时代有了更清醒的认识。

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天呐，我不得不说，这本关于近代科学史的著作，完全颠覆了我过去对那个时代科学发展的认知框架。我原本以为，从伽利略到牛顿再到爱因斯坦的脉络是线性的、不可动摇的，但这本书却巧妙地将叙事线索沉入了被历史忽略的边缘地带——那些在二战前后默默无闻，却在特定领域做出了关键性突破的女性科学家和非西方科学家的贡献。作者的笔触非常犀利和充满批判性，她没有沉溺于歌颂伟人，而是着力于剖析科学范式转移背后的社会、政治和经济驱动力。特别是关于量子力学发展初期，那些关于“什么是实在”的哲学辩论，被作者用极其流畅的对话和场景重现的方式展现出来，紧张得让人屏住呼吸，仿佛身处哥本哈根的咖啡馆。书中引用的第一手资料非常扎实，那些泛黄的实验记录和私人信件，让冰冷的技术史充满了人性的温度与挣扎。读完后，我感觉自己对“科学共同体”这个概念有了更深层次的理解，它不再是一个真空中的完美结构，而是一个充满了竞争、偏见与偶然性的复杂人际网络。对于任何想跳出传统教科书叙事，寻找更复杂、更真实科学史的读者来说，这简直是宝藏。

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这本关于中世纪欧洲建筑艺术的图册，说实话，起初我只是抱着随便翻翻的心态买的，没想到却深深地迷住了。它不是那种枯燥的学术报告，而更像是一次精心策划的视觉盛宴。大量的全景高清照片，把那些宏伟的哥特式大教堂和朴素的罗马式修道院的细节展现得淋漓尽致。我尤其欣赏它对光线处理的关注，书中专门有一个章节详细分析了玫瑰花窗如何将外部的自然光转化为内部神圣空间的“彩色叙事”。那些彩绘玻璃上的圣经故事，在不同的时间和天气条件下呈现出截然不同的色彩氛围，那种超越语言的震撼力，只能通过高品质的印刷才能真正体会到。更难得的是，文字部分没有堆砌艰深的建筑学术语，而是用一种近乎诗意的语言描述了工匠们在搭建拱顶和飞扶壁时所倾注的信仰与工程智慧。它成功地将冰冷的石材结构，转化为有生命的、向上升腾的精神象征。我花了整整一个下午，只是对着其中关于兰斯大教堂内饰的跨页图，细细品味那份跨越千年的静谧与庄严。

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这本书关于南亚次大陆传统音乐的民族音乐学田野调查报告，真是为我打开了一个全新的听觉世界。我之前对印度的音乐印象还停留在宝莱坞电影的配乐层面，但这本书则完全聚焦于那些扎根于偏远村落、世代相传的民间仪式音乐和古典拉格（Raga）的复杂结构。作者花了近十年时间，跟随一位次大陆顶尖的西塔琴大师学习，并记录了大量未经现代录音技术修饰的现场演奏。我尤其喜欢其中关于“拉格的非线性时间感”的描述——它不是简单的旋律重复，而是一种基于特定情绪和一天中特定时段的、近乎冥想式的氛围营造。书中配有的二维码链接到了作者采集的音频样本，这简直是神来之笔，让枯燥的文字描述立刻获得了立体的听觉反馈。当我在书中读到关于一位老乐师在雨季即兴创作的一段曲子时，我立刻点击音频播放，那种雨声、西塔琴和着乐师低沉吟唱交织在一起的场景，完全具有身临其境的效果。这本书的深度和专业性毋庸置疑，但其对艺术的热爱和对文化的尊重，让它超越了学术的界限，成为了一部感人至深的文化史诗。

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图片质量不错，不用铜版纸，排版比较疏朗得当，很好的还原了古物的气息。 清华的藏画差些，家具、瓷器及甲骨都有一流精品。

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图片质量不错，不用铜版纸，排版比较疏朗得当，很好的还原了古物的气息。 清华的藏画差些，家具、瓷器及甲骨都有一流精品。

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虽历战乱，清华还是家底深厚啊

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虽历战乱，清华还是家底深厚啊

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图片质量不错，不用铜版纸，排版比较疏朗得当，很好的还原了古物的气息。 清华的藏画差些，家具、瓷器及甲骨都有一流精品。