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出版者:あおば出版

作者:松本　かつぢ

出品人:

页数:997

译者:

出版时间:2006-6-27

价格:0

装帧:

isbn号码:9784873177656

丛书系列:

图书标签:

• 旧时代
• 漫画
• 插画
• 日本漫画
• 松本かつぢ
• 昭和
• 怀旧
• 艺术
• 视觉艺术
• 文化
• 经典

浮光掠影：昭和时代影像与文化的剪影 一部关于战后日本社会变迁、大众文化兴起与审美风格演变的深度考察 本书简介 《浮光掠影：昭和时代影像与文化的剪影》并非聚焦于某位特定艺术家的创作历程，而是将视角投向了战后日本社会波澜壮阔的四十年间——从物资匮乏的重建时期，到经济高速增长的鼎盛，再到泡沫经济破裂前的迷惘。本书旨在通过梳理和分析这一时期涌现出的各类视觉媒介和文化现象，勾勒出日本社会在现代化进程中所经历的心态、审美取向和生活方式的深刻变革。 本书的结构围绕几个核心议题展开，力求提供一个多维度的观察窗口，而非单一线性的叙事。我们探究的是，在剧烈的社会转型期，日本民众如何构建和消费他们的“现代性”。 第一章：废墟之上的新图景——战后初期的视觉重建 (1945-1950年代初) 战后伊始，物质的匮乏与精神的真空并存。这一章重点探讨在盟军占领和物资短缺的背景下，视觉文化如何率先承担起“重建”的使命。 1. 影像的民主化与杂志的兴起： 战前的精英化文化迅速被更贴近大众、更具即时性的媒介所取代。我们详细分析了《主妇之友》、《平凡》等大众周刊的崛起及其封面、插图的风格演变。这些杂志不仅是信息的载体，更是“理想家庭”和“新女性”形象的构建者。本章将深入剖析早期漫画（如“纸芝居”向连环画的过渡）中，对美式文化影响的吸收与本土化的挣扎。 2. 建筑与都市的“临时性”美学： 在新的公共建筑和居住区的快速建设中，诞生了一种独特的、实用主义至上的美学。本书考察了早期日式住宅的标准化设计如何影响了国民的日常生活空间感，以及临时性集市和街头招贴画所展现出的生命力。 3. 摄影的社会责任感： 战后摄影师肩负着记录“真实”的重任。我们回顾了记录日本重建的纪实摄影，特别是那些捕捉到民众顽强生命力的作品。这些作品的构图、光影处理，与战前浪漫主义的摄影风格形成了鲜明的对比，强调了朴素与力量。 第二章：经济奇迹的光影投射——消费主义的萌芽与符号的诞生 (1950年代中后期-1960年代) 随着经济的复苏与腾飞，消费社会的大门徐徐开启。视觉符号开始被用于引导和定义新的生活方式。 1. “摩登”的引进与挪用： 这一阶段，西方（尤其是美国）的流行文化通过电影、广告和产品设计大量涌入。本章将分析日本设计师和广告人如何将这些外来元素进行“日式化”处理。例如，汽车、家用电器（如三台神器：电视、洗衣机、冰箱）的广告设计中，如何巧妙地融合了日本传统几何图案与现代主义的简洁线条。 2. 电影海报与明星制度的成熟： 随着日本电影工业进入黄金时期，电影海报的设计日益成熟，成为一个独立的视觉艺术门类。我们分析了不同制片厂（如东宝、松竹）在海报设计上的风格差异，以及它们如何通过夸张的人物造型和戏剧性的色彩运用，来迎合日益增长的娱乐需求。 3. 动画的奠基：手冢治虫时代的视觉革命： 虽然篇幅有限，但本书依然需要探讨日本动画如何确立其独特的叙事节奏和视觉语言。尤其关注早期电视动画中，为了适应电视传播的局限性而发展出的“有限动画”技术，以及它对后续视觉风格产生的深远影响。 第三章：高度成长期中的视觉焦虑与反思 (1970年代) 经济的快速发展带来了新的社会问题：环境污染、城市异化和代沟加深。视觉文化开始承载更复杂的社会情绪。 1. 广告中的“逃避”与“反叛”： 随着物质生活的极大丰富，广告主题开始转向对精神满足的追逐。本章聚焦于那些带有讽刺意味或强烈个人主义色彩的广告设计。同时，我们也研究了地下艺术运动和独立出版物中，对主流“光鲜”形象的反叛，这些作品常常采用粗粝的拼贴和非对称的排版。 2. 城市景观与“物哀”的再现： 1970年代的城市摄影捕捉到了一种独特的“寂寥感”。在高楼大厦的阴影下，旧日生活痕迹的消逝，引发了对“失去”的集体缅怀。本书通过对比不同摄影师对同一城市角落的反复拍摄，来探讨这种“物哀”情结如何在现代化进程中找到新的表达方式。 3. 漫画的成人化转向： 随着特定作者群体的成熟，漫画不再仅仅是少年的读物。这一时期的漫画开始探索更深层次的心理描绘和社会批判。本章分析了分镜、网点（トーン）使用技巧的复杂化，是如何服务于更成熟叙事需求的。 第四章：泡沫前夜的迷幻与精细化审美 (1980年代) 技术革新（如个人电脑的普及、CD的登场）和经济泡沫的前奏，使得审美趋于极致的精致化、高饱和度化，并带有强烈的未来主义色彩。 1. “新浪潮”设计与极简主义的对峙： 1980年代的设计界存在两种主要趋势：一是追求极致科技感和未来主义的“新浪潮”风格，常见于电子产品包装；二是日本传统审美中对“留白”和“质感”的重新强调。本书比较了这两种风格在平面设计、产品包装以及室内设计中的交锋与融合。 2. 视觉符号的符号学：从“可爱”（Kawaii）的萌芽到泛滥： 尽管“卡哇伊”文化在更早时期已有根源，但在80年代，它开始成为一种强大的、可以被商业高效利用的视觉语言。本章分析了Hello Kitty等形象如何从特定圈层走向主流，以及这种“无害化”审美如何成为社会压力下的一种心理缓冲机制。 3. 音乐录影带（MV）与动态影像的冲击： 随着视听技术的进步，音乐录影带成为一个重要的视觉试验场。本章探讨了MV中快速剪辑、非线性叙事和超现实主义场景的运用，如何影响了平面设计和时尚摄影的视觉节奏感。 --- 结语： 《浮光掠影》试图证明，昭和时代（特别是战后）的视觉文化并非是西方输入的简单复制，而是在特定历史语境下，日本社会集体潜意识的视觉投射。通过分析杂志封面、广告、海报乃至日常用品的设计，我们得以洞察一个民族在追逐“进步”的同时，所付出的文化代价与获得的独特美学遗产。本书为研究者和爱好者提供了一个理解战后日本文化肌理的独特切入点。

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如果要用一个词来形容这本画册带给我的感受，那就是“纯粹”。这种纯粹无关乎技法是否登峰造极，而在于创作者投入的情感浓度。他好像把那个时代所有关于美好、关于遗憾、关于青春期特有的那种躁动不安都倾泻在了这些画面之中。欣赏这些作品，就像是无意中翻开了一本尘封的、属于异国他乡的旧相册，那些面孔和场景带着一种异域风情，却又在情绪的表达上达到了共鸣。它成功地构建了一个独立于现实之外的美学空间，在这个空间里，规则由感性主导，色彩可以比现实更加浓烈，情感可以比日常更加直接。这是一种非常鲜活的艺术表达，它不追求永恒的哲思，而是聚焦于瞬间的极致体验。

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简直是一场视觉的盛宴，但那种“盛宴”是带着特定年代印记的，充满了怀旧的滤镜，却又毫不掩饰地展示着其锋芒。我特别留意了那些背景元素的处理，比如街角的咖啡馆、拥挤的电车车厢，或者是一些带有当时流行符号的小物件，这些细节的考究程度，让我能清晰地感受到创作者对那个环境的深切理解和热爱。他笔下的光影处理非常讲究，常常用大面积的亮色块来突出主体人物的魅力，而阴影部分则处理得较为柔和，营造出一种梦幻又略带伤感的氛围。而且，不同于现在许多追求极简或高度写实的画风，这里的叙事性极强，每一张图似乎都在讲述一个未完待续的故事，留给观者极大的想象空间去填补情节的空白。可以说，这不只是一本图册，它更像是一部视觉小说集，用最直接、最冲击力强的方式，完成了对那个时代特定审美情趣的忠实记录和升华。

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这本书的装帧设计本身也是一个亮点，厚实的纸张和精准的印刷，使得原本就具有年代感的色彩得以最大程度地还原。我个人对创作者在动态捕捉方面的功力印象深刻，人物的姿态，无论是大步流星的行走还是侧身回望的瞬间，都充满了生命力，仿佛下一秒他们就要打破画框，走入现实。更值得称赞的是，他似乎很擅长运用对比，比如用深沉的夜色来反衬人物面庞上娇嫩的妆容和坚定的眼神，这种强烈的视觉对比，极大地增强了画面的戏剧张力。它不是那种需要你静坐冥想才能体会其妙处的作品，它更像是夏日午后突然袭来的一场阵雨，带着热浪和清新的冲击力，瞬间将你的注意力完全捕获。

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说实话，初看可能会觉得有些“土气”，但多看几遍之后，那种独特的韵味就开始渗透出来了。它的美感是建立在对“流行”的极致捕捉和夸张之上，是一种非常外放式的表达。比如那些服装的剪裁、发型的设计，即便放在今天看可能有些过时，但在当时，这无疑是最前沿、最能代表青春宣言的符号。我喜欢看他如何处理不同场景下的情绪转换，从喧闹的派对到略显落寞的独处，那种情绪的流动是如此自然，毫不矫揉造作。它有一种强大的感染力，能让你在欣赏画面的同时，也去思考人物内心深处的挣扎与喜悦。它没有刻意去迎合主流的艺术标准，而是忠实地描绘了自己眼中世界的色彩和温度，这种坚持，在如今这个快速迭代的时代显得尤为珍贵。

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这本画册，说是“世界”，倒不如说是时间的一个个切片，定格了某个特定年代里，日本大众文化中那种带着甜腻感和一丝丝叛逆的青春气息。我拿到手的时候，首先被那种油墨的质感所吸引，色彩的饱和度很高，却又带着老旧印刷品特有的朦胧感，仿佛能闻到纸张里沉淀下来的昭和时代特有的味道。画风上，那些线条的勾勒充满了活力，即便是描绘静态的场景，人物的眼神里也总藏着一股跃跃欲试的冲动。最让我着迷的是他对女性形象的刻画，那种标志性的圆润脸庞和略显夸张的肢体语言，带着一种介于天真与世故之间的暧昧，让人看得心神荡漾。它不仅仅是几幅画的堆砌，更像是一本无声的青春日记，记录着那个时代里，年轻人是如何在社会规范的边缘游走，用自己的方式表达对美的追求和对自由的渴望。每次翻阅，我都会不自觉地被拉回到那种热烈又有点迷茫的氛围中，仿佛自己也成了画中那个穿着特定款式服装，眼神里闪烁着光的少年。

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