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出版者:上海人民美术出版社

作者:[美] 威尔·艾斯纳

出品人:

页数:168

译者:忻雁

出版时间:2011-4

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787532270767

丛书系列:动漫洋学堂

图书标签:

• 漫画
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《威尔·艾斯纳漫画教程》 引言： 《威尔·艾斯纳漫画教程》并非一本单纯的技法指导手册，它是一扇通往漫画艺术内在殿堂的门扉，由漫画界的巨匠威尔·艾斯纳亲手开启。本书致力于为有志于深入理解漫画叙事、视觉语言和创作流程的艺术家们提供一个全面而深刻的视角。它超越了简单的“如何画”的层面，而是探讨了“为何这样画”以及“如何让你的漫画拥有灵魂”的根本问题。这本书献给那些渴望在漫画创作领域找到自己独特声音，并希望将故事以最引人入胜的视觉形式呈现出来的创作者。 第一部分：漫画的本质与视觉语言 漫画，作为一种独特的艺术形式，其魅力在于将文字与图像巧妙地融合，构建出一个既具象又抽象的叙事空间。威尔·艾斯纳在本书中，首先引导读者深入探究漫画的本质。他认为，漫画并非仅仅是插图配以文字，而是一种独立且强大的视觉语言，拥有其自身的语法和表达方式。 视觉叙事的基石： 艾斯纳强调，理解漫画的精髓在于理解“视觉叙事”。这不仅仅是将事件按时间顺序排列，而是通过画面构图、人物表情、线条动感、空间营造等多种视觉元素，以一种非线性的、多层次的方式向读者传达信息和情感。每一格漫画都是一个精心设计的“瞬间”，它们组合在一起，如同电影的蒙太奇，在读者的大脑中构建出流畅的叙事。 构图的力量： 构图是漫画的骨架。艾斯纳会详细剖析不同的构图方式，例如特写、中景、远景的运用如何影响读者的视角和情感体验；对角线、S型线条、三角形等构图原则如何引导视线，制造张力或平静。他会强调，每一个画面元素的位置，包括人物、道具、背景，都必须服务于叙事的目标。例如，一个人物被放置在画面的中心，暗示着其重要性；而一个狭窄的景框，则可能制造出压抑或紧迫感。 线条与墨色的运用： 线条是漫画的血肉。不同的线条风格——粗犷有力的、细腻柔和的、断断续续的——都能传达出不同的质感和情绪。艾斯纳会探讨如何利用线条的粗细、疏密、走向来表现人物的动态、物体的纹理，甚至是空气的流动。墨色的运用，即黑白的对比，同样至关重要。它不仅仅是填充，更是塑造立体感、营造氛围、突出重点的关键。他会讲解如何通过阴影的运用，让画面更具深度和戏剧性，如何利用留白来制造呼吸感，避免画面拥挤。 漫画的节奏与时机： 漫画的节奏感不同于文字或电影。它由画格的尺寸、画格之间的间隔、以及画面内容本身的密度决定。艾斯纳会教导读者如何通过调整画格大小来控制叙事的速度——较大的画格可能意味着较长的停留时间，较小的画格则暗示着快速的过渡。画格之间的空白（gutter）同样重要，它给予了读者想象的空间，让大脑去连接前后的画面，完成叙事的闭环。这种“留白”的力量，是漫画独有的魅力。 第二部分：角色塑造与情感表达 一个引人入胜的故事，离不开鲜活的角色。威尔·艾斯纳深谙此道，他会在本书中深入剖析如何创造出能够引起读者共鸣的角色，并让他们在画面中栩栩如生。 角色的设计理念： 艾斯纳强调，角色的设计不仅仅是外表的描绘，更是内在个性的视觉体现。他会引导读者思考，角色的服装、发型、体型、甚至是标志性的配饰，如何能够瞬间传达其性格、职业、社会地位，甚至是内心的冲突。一个总是皱着眉头、穿着陈旧衣服的角色，与一个面带微笑、衣着光鲜的角色，传递的信息截然不同。 表情与肢体语言： 面部表情和肢体语言是角色情感最直接的载体。艾斯纳会详细讲解如何准确地描绘各种表情——从细微的喜悦到极度的悲伤，从平静的思考到激烈的愤怒。他会强调，眼睛是心灵的窗户，眼神的细微变化能够传达出极其丰富的情感。同时，肢体语言也同样重要，一个耸肩、一个叉腰、一个微微前倾的身体，都能在画面中诉说千言万语。 情绪的感染力： 创作的关键在于能够将角色的情绪有效地传递给读者，让读者感同身受。艾斯纳会探讨如何通过画面构图、线条风格、甚至光影的运用，来强化角色的情绪表达。例如，一个压抑的场景，可能会使用低角度的构图和浓重的阴影来突出角色的绝望；而一个充满活力的角色，则可能通过夸张的肢体动作和明亮的画面来展现其热情。 角色的深度与层次： 艾斯纳鼓励创作者去挖掘角色更深层次的动机和冲突。一个立体而令人信服的角色，不应该是脸谱化的。他们应该有优点也有缺点，有理想也有挣扎。本书将引导读者思考，如何通过角色的行为、对话，以及与其他角色的互动，来逐步展现其复杂性和多面性，从而让角色更加立体、更加令人难忘。 第三部分：故事的结构与叙事技巧 优秀的漫画不仅仅是视觉的盛宴，更是引人入胜的故事。威尔·艾斯纳会在这部分深入探讨如何构建一个扎实的故事框架，并运用各种叙事技巧来吸引和留住读者。 故事的骨架： 艾斯纳会讲解经典的故事结构，例如三幕式结构，以及如何根据漫画媒介的特性进行调整。他会强调，一个好的故事需要清晰的开端、发展、高潮和结局，每一个部分都必须承接得当，逻辑严谨。 情节的张力与悬念： 如何在画面中制造悬念，让读者迫不及待地翻到下一页？艾斯纳会分享一些行之有效的技巧，例如设置意料之外的转折、运用信息不对称、以及在关键时刻戛然而止。他会强调，悬念的营造并非是故弄玄虚，而是要服务于故事的推进和读者的阅读体验。 对话的设计： 对话在漫画中扮演着至关重要的角色，它不仅能够提供信息，更能够塑造角色，推动情节。艾斯纳会讲解如何创作出自然、简洁、且富有表现力的对话。他会强调，对话应该反映角色的个性和背景，不应该仅仅是陈述事实，更应该带有潜台词和情感。 节奏的掌控： 漫画的叙事节奏是至关重要的。艾斯纳会教导读者如何通过画格的疏密、画面信息量的多少、以及情节的推进速度来控制故事的节奏。他会强调，过快的节奏可能会让读者感到仓促，而过慢的节奏则可能导致读者失去耐心。找到恰当的节奏，是让故事流畅而引人入胜的关键。 视角与旁白： 叙事的视角选择，即由谁来讲述故事，对故事的整体感觉有着巨大的影响。艾斯纳会探讨第一人称、第三人称等不同视角的优劣，以及如何通过旁白来补充信息、渲染气氛或提供评论。他会强调，旁白的使用应该精炼，不应该喧宾夺主，而要与画面形成有效的互动。 第四部分：创作实践与流程 理论的知识需要通过实践来落地。威尔·艾斯纳会在本书的最后部分，将理论与实践相结合，为读者提供一个清晰的创作流程指南。 从想法到草图： 艾斯纳会分享他自己将一个模糊的想法转化为具体故事情节的流程，包括故事板（storyboard）的绘制。他会强调，故事板是漫画创作中至关重要的一步，它能够帮助创作者在正式绘画之前，梳理故事的节奏、构图和画格安排，从而避免在后续过程中出现大的问题。 线稿与墨稿的精进： 从草图到最终的线稿，再到充满表现力的墨稿，每一个环节都需要精益求精。艾斯纳会提供关于如何处理细节、如何优化构图、以及如何通过墨色来赋予画面生命力的建议。 色彩的应用（如果适用）： 如果涉及彩色漫画，艾斯纳也会探讨色彩在漫画中的作用，如何通过色彩来营造氛围、区分时空、以及增强画面的视觉冲击力。 风格的探索与发展： 艾斯纳鼓励每一位漫画家去探索和发展自己独特的艺术风格。他认为，模仿是学习的起点，但最终要超越模仿，形成自己的语言。本书将引导读者思考，如何从前辈的作品中汲取营养，但又能注入自己的个性，最终形成独具辨识度的创作风格。 结语： 《威尔·艾斯纳漫画教程》并非一本速成指南，而是一场对漫画艺术的深度探索。它所传达的，是超越技法的智慧，是对叙事、视觉语言和创作精神的深刻理解。通过这本书，读者将不仅仅学会如何画出好看的漫画，更将学会如何讲好一个故事，如何用图像触动人心，如何在漫画的世界里，留下属于自己的印记。这是一部献给每一个热爱漫画、渴望创作的灵魂的宝贵财富。

评分☆☆☆☆☆

前面还讲得好好的，到了后面又开始凌乱了。不过影响读感的并不是作者，而是编辑。因为要按比例缩小，整幅面的图画只能占到页面的3/4，可能原版是刚好的，到了这里就显得太小了，字都只能是小号，看死人，加上Will Eisner最喜欢用的阴刻表现法，大片的黑，就导致图上很多细节都...

评分☆☆☆☆☆

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评分☆☆☆☆☆

读这本书的过程中，我有一个深刻的体会：它迫使我从一个“画者”的视角，跳出来成为一个“导演”和“剪辑师”。许多教程都偏重于对线条、光影等“绘画技法”的讲解，但这本教程的重点明显放在了“媒介的特性”上。作者对蒙太奇理论在漫画中的应用讨论得非常深入，如何通过相邻镜头的并置，创造出对话本身没有直接表达的含义。比如，通过一个人物愤怒的表情，紧接着一个破碎的茶杯的特写，读者立刻就能理解人物的愤怒程度，而不需要任何多余的对白来解释。这种“不言而喻”的艺术，正是漫画的魅力所在。它教会我如何进行“有效的省略”，知道哪些是可以通过画面自然流露、无需赘述的细节。对于那些追求更高层次叙事表现力的作者，这本书提供的思维框架是革命性的，它拓宽了你对“一页漫画能承载多少信息”的认知边界。

评分☆☆☆☆☆

说实话，这本书的厚度和内容密度一度让我有点望而却步，但一旦真正沉浸进去，那种充实感是其他任何漫画教程都无法比拟的。它更像是一部详尽的“大师班”课程，而不是轻松的入门读物。我尤其欣赏作者在处理“角色设计与性格展现”时的深度。他不是简单地教你如何画出“帅哥美女”，而是探讨了角色外部特征（如服装、肢体语言、面部表情）如何与角色的内心动机和背景故事紧密联系起来。这种方法论的建立，让我的角色不再是扁平的标签，而是有了内在的生命力。书中穿插的大量案例分析，无论是经典的还是现代的，都做了极其精准的拆解，让你清晰地看到“为什么这个设计有效”以及“如果换一种处理方式，效果会如何不同”。这对于那些已经有一定绘画基础，但渴望突破瓶颈，想要让自己的作品更具专业质感的创作者来说，无疑是一份宝藏。我甚至开始重新思考自己故事里某些角色的造型选择，发现以前的设定其实在视觉上传达了错误的信息。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了我对漫画创作世界的大门！作为一个从小就喜欢画画，但苦于不知如何系统学习漫画叙事和视觉语言的业余爱好者，我终于找到了一个能真正“教”我东西的指南。它不是那种堆砌理论或者只教你怎么画出漂亮人物的速成手册，而是深入探讨了漫画作为一种独特媒介的内在逻辑。作者对于分镜的把控，那种对时间、空间和信息流动的精妙设计，简直让人醍醐灌顶。我记得有一章专门讲“眼神的引导”，过去我只是随意地画人物的眼睛，但读了之后才明白，眼神的朝向如何影响读者的视线移动，如何潜移默化地建立角色关系和场景焦点。书中对于如何利用画面的留白、黑白对比来营造情绪张力，也有非常细致的剖析。它教会了我，好的漫画不仅仅是插图的简单排列，而是一场精心编排的视觉交响乐。读完后，我重新审视了我过去创作的草稿，发现自己犯了多少因为不理解“漫画语法”而导致的叙事断裂。现在，我拿着笔，感觉自己终于拿到了通往清晰表达的钥匙，那种创作的兴奋感是无与伦比的。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊艳的一点是，它成功地将原本看起来抽象、难以捉摸的“节奏感”和“叙事韵律”具体化、可视化了。我过去在画长篇故事时，常常会遇到“故事讲得很顺，但画面读起来却很拖沓”的窘境。这本书提供了一整套量化分析的工具，教你如何通过调整分镜的形状、大小、边界（有无留白）以及画面内景别（特写、中景、远景）的密度变化，来精确控制读者阅读时的速度和情绪起伏。它不仅仅是告诉你“要快慢结合”，而是告诉你“什么时候该用三个紧凑的特写来制造紧张感，什么时候该用一个宽广的全景来让读者喘息”。这种对“时间感”的掌控，简直是漫画家最核心的技艺之一。我开始尝试在自己的脚本中明确标注出“节奏点”，发现最终成稿的流畅度和信息传达效率都有了质的飞跃。对于想从“会画画”进化到“会讲故事”的人来说，这是必读的理论基石。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和案例选择也体现了作者深厚的专业素养，这一点值得称赞。它不是那种为了充数而堆砌大量模糊不清的范例，而是精选了极具代表性、能清晰演示某一特定技巧的片段进行细致入微的分析。而且，作者在讲解理论时，那种严谨又不失幽默的语气，让学习的过程变得非常愉快，完全没有传统教科书那种枯燥的说教感。他似乎总能预料到读者在学习某个概念时可能产生的困惑点，并提前给出清晰的、多角度的解释。读完之后，我感觉自己不只是学会了一套技巧，更是建立了一个全新的、更具批判性的“视觉分析系统”。我现在看任何漫画作品，都会不自觉地分析它的分镜布局、信息密度和节奏控制。这本书真正做到了授人以渔，提供的是一种可以迁移到任何风格、任何题材创作中的核心方法论。对我而言，它已经从一本“工具书”升级为我案头必备的“创作字典”。

评分☆☆☆☆☆

虽然有一些启迪，整体还是比较失望。加上印制的效果也差一些，看得很辛苦。

评分☆☆☆☆☆

分镜很棒，介绍的内容也很好，虽然好像有点跳跃。有几页漫画缩得很小，眼睛要看瞎。

评分☆☆☆☆☆

垃圾

评分☆☆☆☆☆

分镜很棒，介绍的内容也很好，虽然好像有点跳跃。有几页漫画缩得很小，眼睛要看瞎。

评分☆☆☆☆☆

说的挺靠谱，就是艾斯纳自己都没理顺。然后匆匆来到网络时代，艾斯纳说了几句漫画“上网”心得，书就结束了。另一本分镜艺术找不到了。。。（墨比斯惊鸿一瞥。书里面放了不少经典作品片段）