具体描述
Video-capable DSLR cameras give filmmakers a quality previously impossible without high-end cinema cameras. Exploring the cinematic quality and features offered by hybrid DSLRs, this book empowers the filmmaker to craft visually stunning images inexpensively. Learn to think more like a cinematographer than a videographer, whether shooting for a feature, short fiction, documentary, video journalism, or even a wedding. DSLR Cinema offers insight into different shooting styles, real-world tips and techniques, and advice on postproduction workflow as it guides you in crafting a film-like look. Case studies feature an international cast of cutting edge DSLR shooters today, including Philip Bloom (England), Bernardo Uzeda (Brazil), Rii Schroer (Germany), Jeremy Ian Thomas (United States), Shane Hurlbut, ASC (United States), and Po Chan (Hong Kong). Their films are examined in detail, exploring how each exemplifies great storytelling, exceptional visual character, and how you can push the limits of your DSLR.
* Inside perspective from a master class of DSLR shooters * Emphasis on visual technique related to great stories * Progression from the fundamental tools needed by DSLR shooters to advanced techniques * Wide array of technical information: composition, lighting, camera movement, lenses, audio, postproduction workflow, and more * Lavish, full-color illustrations showcase real world examples from real DSLR videos * Companion Web site shows you the films discussed in the book, and more
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用户评价
我对影像技术一直保持着一种审慎的态度，技术永远是为创意服务的，而不是反过来。《DSLR Cinema》这个书名本身就带着一种强烈的技术导向性。我最近在看一本关于非线性叙事和蒙太奇理论的专著，它探讨的是如何通过剪辑的跳跃性来暗示时间流逝和人物心理状态的破碎感。这才是真正让我着迷的地方。想象一下，如果一个人拿起单反，只是为了追求那种清晰锐利的“数字感”，那他可能就错过了影像艺术中更具诗意和模糊性的表达空间。真正的电影大师，是懂得何时运用粗粝的质感来增强故事的真实感，何时需要柔和的光线来营造梦境般的虚幻。我更愿意钻研的是光线是如何与胶片颗粒产生化学反应，而非像素如何被算法优化。这本书如果侧重于如何让廉价设备看起来昂贵，那它可能在商业上很成功，但在艺术价值上，我持保留态度。我更看重的是创作者如何驾驭媒介，而不是媒介本身能提供多少炫技的可能性。
评分这部《DSLR Cinema》的宣传册我倒是瞥了一眼，但老实说，里面的内容对我这个老胶片迷来说，吸引力实在有限。我更偏爱那种需要经验和直觉去捕捉光影的时代，机器只是辅助，人才是灵魂。我看那介绍里充斥着各种关于低成本高画质的口号，仿佛只要买了某个型号的单反，就能立刻成为下一个大卫·芬奇。这真是个有趣的时代现象，大家都在追求“电影感”，但电影感不是靠参数堆砌出来的。真正的电影语言，那种微妙的节奏、镜头下的情绪流动，需要的是对生活的深刻洞察和对传统电影美学的理解。我更倾向于那些深入探讨叙事结构、剪辑节奏和角色塑造的著作，而不是仅仅停留在设备教学层面。这本书如果真的如我所想的那样，专注于“如何用单反拍出像电影一样的画面”，那它无疑是给那些刚入门，还在为如何设置白平衡而苦恼的年轻人准备的。对我而言，真正的挑战在于如何用最少的资源讲述最动人的故事，而不是如何用最先进的传感器捕捉最多的细节。我宁愿花时间去研究安东尼奥尼的构图，也不愿浪费精力去比较A7S和GH5的宽容度。
评分作为一个长期关注独立电影制作生态的人，我对任何试图“标准化”创作流程的出版物都保持着高度警惕。《DSLR Cinema》这个定位，让我觉得它似乎在暗示，借助某些设备，普通人就能轻松跨越独立制片人长期以来需要面对的技术和资源鸿沟。然而，真正的壁垒不在于你用的是16mm还是4K，而在于你对剧本的打磨、对演员的引导以及对现场突发情况的掌控能力。我最近正在研究法国新浪潮的一些幕后资料，发现他们如何在极其有限的条件下，通过即兴发挥和对环境光的极致利用，创造出革命性的影像风格。那需要的是一种近乎野蛮的创造力和对规则的蔑视。如果这本书花费大量篇幅去讲解如何设置LUTs或者调整Log曲线，对我来说就显得有些本末倒置了。我更看重的是那些关于如何“看”世界的训练，那种能让你在任何光线下捕捉到戏剧张力的内在能力，而不是一套外置的、可以被轻易模仿的技术手册。
评分说实话，我最近为了准备一个关于实验短片的课程，翻阅了不少关于视觉叙事的书籍，但《DSLR Cinema》这个名字，立刻让我联想到了那些快速迭代、追求“网红感”的视频风格。我更关注的是那些能挑战观众既有认知的作品，那些探讨影像本质和媒介边界的理论书籍。这本书给我的感觉，像是一本非常实用的工具手册，告诉你在有限的预算下，如何“模仿”出好莱坞的质感。但模仿终究是模仿，真正的创新往往诞生于打破规则，而不是遵循一套既定的流程。我需要的是哲学层面的思考，是关于影像如何重塑现实的探讨。比如，某个场景的光线处理，是应该遵循自然规律，还是应该为了烘托人物的内心挣扎而故意扭曲？这类深层次的问题，我严重怀疑一本主要面向入门者的设备指南能给出多少有深度的见解。我期待的是对经典电影的解构分析，是那种能让我重新审视自己拍摄习惯的批判性视角，而不是仅仅教我如何利用“电影模式”拍出虚化的背景。
评分我最近在整理我的老式镜头收藏，那些带着岁月痕迹的玻璃，每一片都有自己的脾气和故事，用在数码机身上，那种不完美的、略带色散的成像，反而能带来一种独特的怀旧氛围。《DSLR Cinema》听起来就像是那种追求“完美无瑕”数字画质的指南。完美，往往意味着缺乏个性。我更喜欢那些能展现出创作者个性特征的影像。比如，早期电影的晃动、低帧率带来的抽搐感，或者故意失焦所带来的疏离感，这些都不是一个致力于“标准电影感”的教程会着重讲解的。我更感兴趣的是，如何利用老旧的、甚至有些缺陷的镜头，来创造出超越现代高清画质的视觉冲击力。对于我来说，电影制作是一场与缺陷共舞的艺术，是与光线进行无声的博弈。如果这本书只是提供了一套“一键生成电影感”的模板，那对于真正想要发展自己独特视觉语言的电影人来说，帮助有限。
评分很基础的一本书，适合入门
评分推荐所有用DSLR拍片子的朋友都来看看
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