名师讲义·叶浅予人物画讲义 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津古籍出版社

作者:郝之辉 编

出品人:

页数:340

译者:

出版时间:2010-9

价格:26.00元

装帧:平装

isbn号码:9787806968628

丛书系列:名师讲义丛书

图书标签:

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《画坛名师·神韵丹青：人物画技法精粹》 在中国悠久而辉煌的艺术长河中，人物画始终扮演着举足轻重的角色，它不仅是画家们观察生活、抒发情感的载体，更是时代风貌、人文精神的生动记录。从古代的壁画、卷轴到近现代的油画、水墨，人物画的创作技法与审美追求都在不断演进，汇聚成了一脉丰富多彩的艺术宝藏。 本书《画坛名师·神韵丹青：人物画技法精粹》正是基于这一深厚的艺术积淀，旨在为广大中国人物画爱好者、学习者以及从业者提供一套全面、深入、系统的学习指南。我们深知，掌握人物画的精髓，不仅需要对造型的精准把握，更需要对神态的传神捕捉，以及对笔墨韵味的深刻理解。因此，本书将目光聚焦于人物画创作中的核心要素，力求在有限的篇幅内，展现出无限的艺术可能性。 内容概述： 本书以“技法精粹”为核心，将人物画的创作过程分解为若干关键环节，并邀请多位在当代画坛享有盛誉、拥有丰富教学经验的名家，分别就各自擅长的领域和独到的见解进行阐述。全书结构严谨，逻辑清晰，既有宏观的理论指导，又有微观的实践操作，力求使读者在掌握基本功的同时，能够逐渐形成自己的艺术风格。 第一部分：人物画造型基础与解剖学——形体之根基 人物画的灵魂在于“形”，而“形”的准确性，离不开对人体结构和解剖学的深刻理解。本部分将由资深写实人物画家、同时也是多年美术院校解剖学讲师的教授，为大家系统讲解人体骨骼、肌肉的构造与运动规律。 骨骼结构： 从头颅、脊柱、四肢等主要骨骼系统入手，详细阐述其形态、比例与连接方式。我们将通过清晰的骨骼结构图，结合不同角度的写生示范，帮助读者建立起对人体骨架的立体认知。理解骨骼是掌握人物体块感和空间感的基础，也是表现人物动态和姿态的先决条件。 肌肉纹理与体积： 在骨骼结构的基础上，本书将深入剖析人体的主要肌肉群，包括其起止点、走向以及在运动中产生的变化。我们将结合不同人物体型（健壮、瘦削、丰满等），讲解肌肉的体积感如何塑造，以及如何通过明暗关系来表现人体表面的起伏和转折。例如，我们将探讨胸肌、腹肌、背肌、臀肌等重要肌肉群的画法，以及四肢肌肉的动态表现。 动态与比例： 人物画的生命力很大程度上体现在其动态的表现上。本部分将重点讲解人体基本比例（如“黄金分割”在人物画中的应用），以及在不同姿态下的动态规律。我们将分析站姿、坐姿、行走、奔跑、跳跃等常见动态下的重心转移、关节弯曲以及身体各部分的协调关系。通过大量写生实例和范画分析，引导读者掌握如何准确捕捉人物的动态美，避免画出僵硬、不自然的形象。 面部五官与结构： 面部是人物画中最具表现力的部分，也是最考验画家功力的区域。本部分将从眉、眼、鼻、口、耳等五官的基本结构开始，讲解其在不同角度、不同表情下的变化规律。我们将详细分析颧骨、下颌骨、鼻梁骨等面部骨骼结构，以及脂肪和皮肤的覆盖关系，从而帮助读者画出真实、生动、富有个性的面孔。对不同年龄、性别、地域人物的面部特征差异也将有所探讨。 第二部分：写意人物画的笔墨韵味与气韵生动 在中国水墨人物画的传统中，“气韵生动”是评价一幅作品的最高境界。本部分将由中国画大家、擅长写意人物画的艺术家，为大家传授如何在笔墨间注入生命力，创造出富有东方意境的人物形象。 笔墨的运用与变化： 笔墨是中国画的灵魂，也是表现人物精神气质的关键。本部分将系统讲解中国画的用笔技法，如中锋、侧锋、逆锋、顺锋等，以及不同笔触所能产生的不同质感和表现力。从点、线、面入手，阐述如何通过笔墨的疏密、浓淡、枯湿变化，来表现人物的衣纹、发丝、肌肤以及环境的氛围。例如，我们将讲解“飞白”的运用，如何用勾线表现人物的轮廓与骨骼，如何用皴法表现人物的衣袍和体量感。 墨法的讲究： 墨是中国画的“骨”，通过墨的变化能够极大地丰富画面层次和表现力。本部分将深入探讨墨法的多样性，包括浓墨、淡墨、焦墨、宿墨等，以及如何运用“破墨”、“积墨”等技法来表现人物的体积感和立体感。我们将讲解墨色与水如何和谐统一，通过墨色微妙的晕染，营造出丰富的空间感和视觉效果。 勾勒与渲染结合： 写意人物画往往是将勾勒与渲染巧妙结合。本部分将重点讲解勾勒的功用，无论是工整细腻的工笔勾勒，还是奔放洒脱的写意勾勒，都需准确传神。在此基础上，我们将讲解如何运用水墨渲染来丰富画面，例如，如何用淡墨或色彩烘染人物的面部，如何用墨色来表现人物的衣纹质感，以及如何通过渲染来营造画面的整体氛围。 人物精神气质的表达： 达到“气韵生动”的关键在于捕捉人物内在的精神气质。本部分将引导读者从人物的眼神、表情、姿态、手部动作等细节入手，深入挖掘人物的性格特征和情感状态。我们将通过对历代名作的赏析，分析画家是如何通过笔墨的细微变化，赋予人物鲜活的生命力和动人的情感。这不仅仅是对外形的描摹，更是对灵魂的触及。 第三部分：色彩在人物画中的运用与表现 色彩是视觉艺术的重要语言，在人物画中，色彩的运用能够极大地增强画面的表现力、感染力和情感张力。本部分将由当代写实人物画的色彩大家，为大家揭示色彩在人物画中的奥秘。 色彩的构成与关系： 本部分将从色彩的基本理论出发，讲解色相、明度、纯度等色彩要素，以及色彩的冷暖、对比、协调等关系。我们将通过实例分析，阐述如何根据人物的肤色、年龄、性别、性格等特点，来选择合适的色彩搭配。 肤色的微妙变化与表现： 肤色是人物画中最复杂、也最能体现画家色彩功力的部分。本部分将深入剖析不同肤色（东方人、西方人、不同年龄段、不同光照条件下的肤色）的色彩构成，讲解如何通过调色来准确捕捉肤色的冷暖倾向和微妙变化。我们将提供详细的调色盘演示，以及如何用色彩来表现皮肤的质感、光泽和通透感。 色彩的情感表达： 色彩不仅仅是形体的辅助，更是情感的载体。本部分将探讨不同色彩所能引发的不同情感联想，例如，暖色调的温馨、热情，冷色调的宁静、忧郁。我们将结合具体的人物创作案例，讲解如何运用色彩来烘托人物的心情、烘托画面的主题，营造出特定的艺术氛围。 油画与水彩人物画的色彩特点： 考虑到人物画的多种表现媒介，本部分还将对比讲解油画与水彩人物画在色彩运用上的不同特点和表现技巧。油画的厚重、丰富，水彩的清透、灵动，在色彩表现上各有千秋，我们将根据不同媒介的特性，提供相应的色彩运用指导。 第四部分：人物画的构图与意境营造 一幅成功的人物画，除了造型和色彩的精湛，还需要巧妙的构图来引导观众的视线，营造出引人入胜的意境。本部分将由在构图方面颇有造诣的艺术家，为大家传授构图的艺术。 构图的基本原则： 本部分将从构图的黄金分割、对称与均衡、疏密对比、虚实关系等基本原则入手，讲解如何构建一幅稳定而富有张力的画面。我们将分析不同类型的构图方式，如三角形构图、S形构图、对角线构图等，以及它们在表现人物动态和情感时的不同作用。 人物与环境的和谐统一： 人物画并非孤立的人物形象，其所处的环境对其精神气质的表达起着至关重要的作用。本部分将讲解如何将人物与背景、道具等元素进行有机结合，使之相互衬托，共同服务于画面的主题。我们将探讨如何在画面中制造空间感和纵深感，以及如何通过环境烘托来表现人物的内心世界。 叙事性与象征性构图： 人物画常常承载着一定的叙事功能或象征意义。本部分将分析如何通过构图来突出画面的叙事重点，如何运用象征性的元素来丰富画面的内涵。例如，如何在画面中安排人物的视线方向，如何通过光影来暗示故事的发生，以及如何利用象征性的道具来隐喻人物的命运。 意境的营造与升华： 意境是艺术作品的灵魂，也是人物画的最高追求。本部分将结合历代名作，分析画家是如何通过构图、笔墨、色彩等多种手段，将客观的描绘转化为富有诗意和哲理的艺术境界。我们将引导读者思考，如何将个人的情感和思想融入到画面之中，从而创作出具有独特艺术魅力的作品。 第五部分：名家创作实践与经验分享 在掌握了基本的技法之后，读者的进步离不开对名家创作过程的观摩和学习。本部分将邀请多位当代著名人物画家，分享他们各自的创作心得、取材途径、思维方式以及在创作过程中遇到的挑战和解决方案。 不同风格的人物画名家访谈： 本部分将收录对几位在风格上各有特色的人物画家的深度访谈，涵盖写实、写意、学院派、民间艺术等多个方向。通过访谈，读者将能够了解到艺术家们是如何形成自己的艺术风格，他们的创作灵感从何而来，以及他们对人物画未来的发展有哪些看法。 创作过程示范与讲解： 我们将精选部分名家的代表性作品，进行创作过程的详细示范和讲解。从构思草稿、人物造型、色彩运用，到笔墨的最后提炼，每一个环节都将力求清晰明了，并辅以大量的写生、局部放大图和步骤图，帮助读者更直观地理解名家的创作思路和技法。 如何克服创作瓶颈与提升自我： 艺术创作并非一帆风顺，所有艺术家都会遇到瓶颈。本部分将邀请名家们分享他们是如何克服创作上的困难，如何保持创作热情，以及他们对初学者和有一定基础的画家的提升建议，例如，如何拓展素材库、如何提升观察能力、如何进行批判性反思等。 本书特点： 名家云集，权威性高： 汇聚了在中国人物画领域具有深厚造诣和丰富教学经验的十余位名家，他们的专业见解和实践经验是本书最宝贵的财富。 体系全面，内容翔实： 从造型基础到笔墨韵味，从色彩运用到意境营造，再到名家经验分享，本书构建了一个完整的人物画学习体系，内容涵盖了人物画创作的方方面面。 图文并茂，浅显易懂： 大量的高清范画、写生图、结构图、步骤图等视觉元素，与文字讲解相结合，化繁为简，使读者更容易理解和掌握复杂的绘画技巧。 理论与实践相结合： 既有深入的理论阐述，又有具体的技法指导和实践案例，帮助读者将理论知识转化为实际的绘画能力。 启发性强，注重个性发展： 在教授技法的同时，本书也注重启发读者的艺术思维，鼓励读者在掌握传统的基础上，形成自己的艺术风格和创作理念。 适用读者： 美术院校中国画专业的学生。 致力于提升中国人物画技法的业余爱好者。 希望深入了解和学习中国人物画的艺术收藏家和鉴赏者。 从事相关艺术教育的教师。 渴望在人物画领域有所建树的青年画家。 《画坛名师·神韵丹青：人物画技法精粹》是一部集理论、技法、实践、经验于一体的中国人物画学习宝典。我们希望通过本书，能够点亮您对人物画艺术的热情，助您在人物画的创作道路上，不断探索，精进不辍，最终画出属于您自己的神韵丹青。

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坦白说，我购买许多绘画教程，但大多是“为教而教”，内容堆砌，缺乏真正的灵魂和贯穿始终的逻辑线索。然而，这本画册的编排逻辑简直是教科书级别的范本。它没有急于展示那些炫技的复杂案例，而是从最基础的结构分析入手，用一种极为清晰、层层递进的方式，将复杂的人体结构和神态变化进行拆解。我特别喜欢它对“意在笔先”的阐释，那种如何将观察到的瞬间感受转化为墨线上的生命力的过程，被描述得深入浅出，完全没有高高在上的说教感。每一步的过渡都自然而然，让人有一种“原来如此简单”的顿悟感，而不是“我永远学不会”的挫败感。这种由浅入深的引导，让初学者能建立起正确的认知框架，而有一定基础的人也能从中找到突破瓶颈的关键点。

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这本画册的装帧真是让人眼前一亮，那种沉甸甸的质感，翻开扉页时，油墨的香气混合着纸张特有的细腻，立刻将你带入一种专注的创作氛围中。内页的纸张选择非常考究，即便是用水墨进行局部渲染，也丝毫没有洇墨的担忧，色彩的过渡和层次感处理得极为出色。我尤其欣赏它在布局上的匠心独运，每一页的留白都恰到好处，仿佛在无声地引导观者的视线，去捕捉那些看似随意实则精心安排的线条和笔触。无论是对人物动态的捕捉，还是对眼神神韵的刻画，都能从中窥见作者深厚的功力与对生活敏锐的观察。它不仅仅是一本技法参考书，更像是一本充满灵性的艺术品，光是静静地摩挲和翻阅，都觉得自己的审美情趣得到了潜移默化的提升。那种对传统笔墨精神的继承与创新，在每一个细节处都得到了淋漓尽致的展现，让人由衷地感到佩服。

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作为一名长期在传统国画领域摸索的业余爱好者，我深知“形神兼备”的难度，尤其是在表现人物的“神”上，更是玄之又玄。这本书最大的价值，在于它并没有停留在对“形”的描摹技巧上纠缠不休，而是花了大量的篇幅去探讨如何捕捉人物的“精气神”。书中对于不同年龄、不同性格人物的“气场”分析，简直是醍醐灌顶。比如，书中如何通过眉角的细微提拉来表现人物的傲气，或者通过肩膀的松弛度来暗示内心的疲惫，这些都是需要长期生活阅历才能总结出的经验，却被作者凝练成了清晰可循的笔墨语言。阅读这些章节时，我感觉自己不是在看一本画谱，而是在听一位老前辈分享他数十年观察人世百态的心得体会，这种人文的厚度和艺术的张力，是冰冷的技术手册永远无法比拟的。

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从排版设计角度来看，这本书也做得相当出色。它巧妙地将传统元素与现代审美进行了融合，字体选择古朴而不失清晰度，图文搭配疏密有致，阅读起来非常舒适，久看也不会感到视觉疲劳。更值得称赞的是，作者对不同笔法的力度控制进行了细致的标注，虽然是印刷品，但依然能感受到墨色的浓淡干湿变化，这种对细节的极致追求，体现了出版方对艺术作品应有的尊重。总的来说，这本书的整体体验感非常高级，它提供了一种沉浸式的学习环境，让人在享受视觉盛宴的同时，也能高效地吸收艺术精髓。对于任何想深入理解中国人物画的爱好者来说，它都是一本值得反复翻阅、常读常新的宝典，其价值远超标价本身。

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我之前尝试过很多关于人物画的速写集，它们往往只展示了最终的成品，美则美矣，却无法让我理解背后的创作思维。这本书的独到之处在于，它大胆地展示了创作过程中的“废稿”和“思考草图”，这些看似不成熟的笔触，恰恰是解构大师思维的关键线索。通过对比几稿不同的处理方式，我们可以清晰地看到作者如何不断推敲、取舍，最终确定最佳的造型和神态。这种“慢动作回放”式的展示，极大地降低了学习的门槛，因为它教会我们的不是“画什么”，而是“怎么想”。这种透明化的创作过程，极大地增强了学习的代入感和有效性，让我开始反思自己以往草稿阶段的随意性，真正理解了“功夫在画外”的深刻含义。

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