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出版者:Insight Publications Pty Ltd

作者:Thomas Caldwell

出品人:

页数:228

译者:

出版时间:2005

价格:$ 45.14

装帧:

isbn号码:9781920693770

丛书系列:

图书标签:

• film-studies
• 澳大利亚
• TextBooks/Readings
• 电影分析
• 电影理论
• 电影研究
• 电影批评
• 视听分析
• 叙事分析
• 类型电影
• 电影史
• 文化研究
• 媒体研究

《电影分析手册》是一本旨在为电影爱好者、学生以及任何希望更深入理解电影艺术的人士提供全面指导的读物。它并非一本关于特定电影评论或导演作品集的汇总，而是一套系统性的工具箱，教授读者如何解构电影，洞察其内在的叙事结构、视觉语言、声音设计以及文化背景。 本书的出发点是，理解一部电影远不止是观看和享受其表面的故事。它涉及对电影制作过程中每一个元素进行细致的观察和分析，从而揭示电影如何通过技术、艺术和叙事手段来塑造观众的情感、思想和解读。 《电影分析手册》将带领读者踏上一段探索电影语言的旅程。我们会从最基础的元素开始，例如镜头语言：景别（远景、全景、中景、近景、特写）如何影响我们对角色的感知和情感的投入；镜头运动（推、拉、摇、移、跟拍）如何引导视线、制造张力或表达角色的心理状态；摄影机的角度（仰视、俯视、平视）如何影响观众对权力关系或人物地位的理解；以及构图（黄金分割、对称、留白）如何影响画面的视觉平衡和主题表达。 除了视觉层面，剪辑也是电影叙事至关重要的一环。本书会深入探讨剪辑节奏（快速剪辑制造紧张感，慢速剪辑营造抒情氛围）、转场方式（跳切、叠化、淡入淡出）如何连接不同的场景和时间线，以及蒙太奇（平行蒙太奇、交叉蒙太奇、对比蒙太奇）如何通过影像的组合创造出新的意义和情感冲击。 声音在电影中的作用同样不可忽视。本书会分析音效（环境音、特殊音效）如何增强真实感和氛围，配乐（背景音乐、主题音乐）如何引导情绪、烘托气氛，以及对白（语言风格、信息传递）如何推动剧情、塑造角色。我们还将探讨声音的运用，例如同期声和后期配音的区别，以及声音如何与画面相互作用，共同构建电影的世界。 在叙事结构方面，《电影分析手册》会介绍经典的三幕式结构、非线性叙事、碎片化叙事等不同的叙事模式，并分析它们如何影响观众对故事的理解和期待。我们将深入研究人物塑造，包括角色动机、成长弧线、人物关系如何构建，以及主题和象征在影片中是如何被隐喻和表达的。 此外，本书还会引导读者关注电影的风格。无论是写实主义、表现主义、魔幻现实主义，还是特定导演或流派的标志性风格，了解这些风格特征有助于我们理解电影的创作意图和艺术价值。《电影分析手册》还会触及电影的社会和文化语境，探讨电影如何反映和塑造社会观念、历史事件以及文化价值观。 本书的结构将是循序渐进的，从基础概念的讲解，到案例分析的实践。每个章节都会提供清晰的定义、丰富的范例，并鼓励读者在观看实际电影时主动运用所学知识进行分析。我们并非要提供现成的答案，而是要赋予防您自己提出问题的能力，并找到解答这些问题的路径。 《电影分析手册》的目标是帮助您培养批判性思维，提升对电影艺术的鉴赏力。读完本书，您将不再仅仅是被动地观看电影，而是能够主动地与电影对话，更深刻地理解电影所传达的信息，发现隐藏在影像背后的智慧和情感。这是一本打开您电影视野的钥匙，让您在每一次观影体验中都收获更多的洞察与乐趣。

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这本书最让我感到震撼的地方，在于它对电影“媒介性”本身的深刻反思。它不仅仅停留在对特定影片的解剖，而是将触角伸向了电影工业和技术变迁对艺术表达的重塑。书中对于从胶片到数字媒介转变过程中，视觉质感和叙事节奏产生的影响，有非常前瞻性的论述。作者探讨了CGI技术如何模糊了“可见”与“想象”的边界，以及这种模糊性对观众认知习惯的挑战。我印象最深的是关于“沉浸感”的章节，它不仅分析了IMAX等巨幕格式带来的空间压迫感，更探讨了这种物理体验如何与心理预期相互作用，从而达到一种超越传统叙事的体验。这种对技术与艺术交汇点的把握，使得这本书远超同侪，显得尤为与时俱进。它没有回避那些快速更迭的技术挑战，而是将其视为新的分析维度，鼓励读者去建立一套能够应对未来电影形态变化的分析工具箱。对于研究电影史和未来趋势的人来说，这部分的洞察价值无可估量。

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说实话，刚开始接触这类理论书籍时，我总担心它们会把观影的乐趣扼杀在条条框框里，但这本书彻底打消了我的顾虑。它更像是一本“提升乐趣”的手册，而不是“限制想象”的教条。作者的文笔极其流畅且富有画面感，即便在讨论最枯燥的摄影机运动原理时，他也能结合具体的电影片段，将那些冰冷的参数转化成富有情感的表达方式。比如，他描述推轨镜头如何制造出一种“被追逐或被揭示”的紧张感，那种文字的描绘力，几乎能让你在脑海中重现当时的电影画面。我特别欣赏它对“主题与形式”关系的探讨。很多分析只停留在故事层面，而这本书则致力于挖掘电影的“潜文本”，即隐藏在视觉和听觉元素背后的意识形态和权力结构。它引导你去思考，一个场景的光线是自然光还是人工光，背后是否隐藏着导演对真实性的哲学思考。读完后，我再去重温那些老电影，感觉就像是给眼睛安装了一副新的高清滤镜，每一个细节都变得有意义，观影过程从被动接受信息，转变成了一种主动的探秘之旅。

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我得说，这本书的深度和广度绝对超出了我的预期，它不仅仅是一本关于“如何分析”的工具书，更像是一部融合了美学、文化和社会学视角的电影史缩影。阅读过程中，我明显感觉到作者对经典好莱坞叙事模式的解构有着独到的见解。他没有固步自封于传统的叙事三角，而是大胆地引入了后现代主义的碎片化叙事结构分析，用以解读那些挑战传统观众习惯的独立电影和欧洲艺术片。尤其是书中关于“作者论”的章节，它并没有简单地将导演神化，而是探讨了制片制度和市场压力如何反过来塑造“作者性”的过程，这种辩证的思考角度，让我对那些耳熟能详的大师作品有了全新的认识。比如，对某个特定导演在不同时期视觉风格演变轨迹的追踪，清晰地展现了艺术家的成长与妥协。此外，书中对不同文化语境下电影符号学差异的探讨也极其精彩。它提醒我们，一个在东方文化中代表吉祥的颜色，在西方语境下可能完全是另一种解读，这种跨文化的敏感性，对于如今全球化的电影市场研究来说，是至关重要的理论基石。这本书的结构安排巧妙，从宏观的美学理论到微观的场面调度细节，层层递进，逻辑严密得令人叹服。

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这本关于电影分析的指南，在我看来，简直就是一部通往光影艺术殿堂的“万能钥匙”。初次翻阅时，我就被它那种深入浅出的讲解方式所吸引。作者似乎深谙初学者在面对复杂电影理论时的迷茫，因此，他没有一开始就抛出晦涩难懂的术语，而是从最基础的镜头语言——比如景别、角度和运动——开始娓娓道来。我特别喜欢它对蒙太奇理论的梳理，不同于教科书式的枯燥罗列，这里将爱森斯坦、普多夫金等大师的理论都融入到具体的影片案例中，让你清晰地看到“剪辑”是如何成为叙事强有力的工具，而非仅仅是片段的拼接。举个例子，书中解析《教父》中洗礼与刺杀场景的交叉剪辑，那段论述细致入微，仿佛带着你坐在剪辑台上，亲手体验每一次时间跳跃带来的情感冲击力。更别提它对声音设计的探讨了，声音的立体化分析，如何利用环境音、对白和音乐的层次来构建角色的内心世界和环境氛围，这一点很多同类书籍都只是蜻蜓点水，但此书却用了足足两章的篇幅来细致剖析。对于任何渴望提升自己观影层次的影迷来说，这本书提供了一个系统而又充满启发性的框架，让你学会如何“看”电影，而非仅仅是“看热闹”。它的价值，在于教会你成为一个主动的、批判性的观众。

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坦白说，这本书的排版和设计本身，也反映了它所倡导的分析精神——清晰、有条理但又不失美感。内容组织上，它遵循了一种螺旋上升的结构，先建立基础认知，然后逐步引入复杂概念，最后导向高阶的跨学科整合。其中关于“电影与心理学”的章节尤为精彩，它巧妙地引入了荣格的原型理论和拉康的精神分析视角，来解读角色形象的深层动机和观众的移情过程。作者在阐述这些复杂理论时，总是能迅速地找到一个最能说明问题的电影片段作为支点，使得理论不再悬浮于空，而是扎根于具体的视听材料中。我特别喜欢它所推荐的“练习”，比如要求读者尝试用不同的剪辑方式重新讲述同一段戏，这是一种极具实践意义的学习方式，它强迫读者从创作者的角度去思考每一个选择背后的逻辑和情感倾向。这本书真正做到了，它不是教你如何背诵理论，而是教你如何“思考电影”。读完之后，我发现自己看任何影视作品时，都忍不住在心里默默地进行着作者那样的结构拆解，这种思维习惯的养成，才是这本书带给我最宝贵的财富。

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如果有要准备写分析电影文章或者做一部电影陈述的这本书真的很有用。

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