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出版者:

作者:Wagner, Connie

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:2010-4

价格:$ 16.94

装帧:

isbn号码:9780764334443

丛书系列:

图书标签:

• Enameling
• Glass
• Metalwork
• Jewelry
• Crafts
• Art
• Technique
• DIY
• Firing
• Cloisonné

艺术之光：跨越材质与时代的色彩叙事 本书并非探讨金属珐琅工艺的专业指南，而是一部横跨艺术史、材料科学与文化符号学的深度考察，聚焦于“色彩的物质化表达”这一宏大主题。我们旨在揭示人类如何在不同的媒介中捕捉、固化并赋予色彩以永恒的生命力，以及这些色彩选择如何映照特定时代的审美取向与精神诉求。 第一章：从洞穴壁画到文艺复兴的“矿物颜料谱系” 本章追溯了人类对稳定、持久色彩的最初渴求。我们从史前岩画中使用的赭石、木炭和黏土颜料谈起，探讨这些天然矿物如何成为早期艺术表达的基石。接着，我们将目光投向古典文明对色彩的系统性认知。 1. 蓝色的代价与荣耀： 重点剖析了埃及的“埃及蓝”——最早的人造合成颜料，其复杂的制备过程及其在宗教和皇权象征中的核心地位。随后，本书详细比较了地中海世界的天然群青（Lapis Lazuli）的稀有性与文化价值，以及中世纪艺术家为获取这种至高无上的蓝色所付出的经济与贸易努力。我们分析了不同时期的画家如何通过调整群青的研磨颗粒大小来控制颜料的饱和度和光泽度，这是对材料特性的早期精妙运用。 2. 红色与权力的交织： 探讨了朱砂（Cinnabar）和茜素红（Madder Lake）这两种关键红色颜料的历史演变。朱砂因其剧毒性与鲜艳的饱和度，常用于宗教手稿的装饰和对神圣事物的强调。茜素红的植物提取过程则揭示了手工业者对自然资源提取技术的精细化追求。本书还将简要对比文艺复兴时期引入的更稳定的镉红，分析其对绘画空间感和光影处理带来的变革。 3. 绿色与生命力的隐喻： 本章对绿色颜料的探讨，侧重于其毒性与稳定性的矛盾。从剧毒的铜绿（Verdigris）到后来的更安全的铬绿，每一种绿色都承载着特定的风险与回报。我们考察了早期艺术家如何应对这些颜料在干燥过程中可能发生的颜色变化和退化，这迫使他们发展出复杂的调和与保护技术。 第二章：光影的建筑学：色彩在建筑与装饰中的应用 本章将视角从画布转向更为宏大的空间叙事——建筑表面的色彩处理。我们研究了色彩如何被用于定义空间尺度、引导视线流线，并传达建筑的精神属性。 1. 古罗马的壁面艺术与灰泥色彩： 深入分析了庞贝古城遗址中发现的壁画风格（如第一至第四风格）的色彩运用。这些技术依赖于色彩斑斓的矿物粉末与石灰混合制成的灰泥（Stucco），探讨了这种媒介如何模仿大理石的质感与光泽，实现“平价的奢华”。 2. 拜占庭的金色穹顶： 重点分析了马赛克艺术中“光线捕获技术”。马赛克小块（Tesserae）的制作涉及将彩色玻璃嵌入手工吹制的金箔。本书细致描绘了工匠如何调整玻璃和金箔的厚度、角度，以确保无论光照如何变化，穹顶都能散发出均匀而神圣的光芒，这是一种对“永恒之光”的物质化追求。 3. 哥特式教堂的彩绘玻璃： 彩绘玻璃并非仅是“有色的玻璃”，而是对光的深度过滤与重构。本章将分析玻璃着色剂（如金红石、硒化物）的化学原理，以及艺术家如何利用玻璃的透明性来构建叙事性的光影剧场，将外部的自然光转化为内部的宗教体验。 第三章：工业革命的冲击：合成颜料与大众美学 工业革命彻底改变了色彩的获取成本与可及性，从精英阶层的奢侈品转向了大众消费的必需品。 1. 钴蓝与钛白的胜利： 详细介绍了19世纪合成颜料的突破。钴蓝（Cobalt Blue）的稳定性和高亮度如何解放了印象派画家对户外光线的捕捉；而钛白（Titanium White）的问世，则彻底取代了危险且不稳定的铅白，成为现代绘画中最基础的基调。我们分析了这些新材料如何直接催生了新的艺术运动和审美范式。 2. 印刷术的色彩革命： 探讨了四色印刷（CMYK）体系的早期发展，以及纺织品印染工业对色彩标准化的推动。廉价、均匀的色彩批量生产，使得色彩从艺术品走向了日常用品，深刻影响了大众对“真理色彩”的认知。 3. 色彩心理学的萌芽： 在色彩生产技术成熟的背景下，本章触及了对色彩感知和心理影响的早期探索。艺术家和设计师开始有意识地运用色彩来激发特定情绪，而非仅仅是再现自然界。 第四章：材质之外的叙事：从色彩到纹理与光泽 本书的最终部分，超越了单纯的“颜色”概念，探讨了材料的表面处理技术如何赋予色彩以深度和意义。 1. 抛光与腐蚀的对话： 我们考察了金属表面处理对色彩视觉效果的放大作用。一种颜色，在粗糙的砂纸打磨下呈现哑光质感，而在精密的抛光下则展现出镜面反射。这种对光线反射率的控制，是许多非绘画艺术形式（如雕塑和金属工艺）中色彩表达的关键。 2. 半透明性与层次叠加： 分析了如蜡染（Batik）或油画中的“釉光”（Glazing）技术。这些技术的核心在于利用介质的半透明性，使光线穿透多层颜料，与基底材料发生反射和干涉，从而创造出动态的、具有呼吸感的色彩深度，这是平面色彩无法企及的视觉效果。 3. 现代材料对光泽的解构： 简要涉及了20世纪后半叶，新聚合材料和光学薄膜的出现，它们如何进一步挑战了传统对“稳定色彩”的定义，使得色彩的表现从固定于一个表面，转变为依赖于观察者的运动和环境光的变化。 通过对这些跨越数千年的色彩物质化实践的系统梳理，本书旨在为读者提供一个广阔的视野：理解色彩不仅是视觉感受，更是人类科技、经济、信仰与审美哲学长期博弈的物质载体。

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