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出版者:電腦人

作者:黑須信弘

出品人:

页数:0

译者:鄭世彬

出版时间:2009

价格:0

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isbn号码:9789861991719

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《匠心之作：跨越时空的器物之美》 《匠心之作》并非一本单纯的技术手册，它是一场关于“物”的深度对话，一次对人类创造力与智慧的致敬。本书将带领读者穿越古今，从远古时期朴素的工具，到现代社会精密的仪器，探索那些凝聚了无数匠人精神与时代印记的器物。我们不探讨具体的“设计”方法论，而是聚焦于“创造”这一核心行为本身，以及它如何塑造了我们的物质世界，又如何反映了人类的生存哲学与审美追求。 本书的开篇，我们将回溯到文明的曙光。从刀耕火种时期的石斧，到农耕时代精巧的陶器、织锦，每一个物件都承载着先民们对自然规律的理解与对生存的渴望。我们不再仅仅看到它们的功能，而是去感受那种近乎本能的创造冲动，以及早期人类在材料限制下所展现出的智慧与巧思。例如，那些温润如玉的青铜礼器，其繁复的纹理和严谨的结构，不仅是当时社会阶层的象征，更是铸造工艺达到一定高度的证明。我们在此看到的，是一种对原材料的尊重，对细节的打磨，以及一种超越功利性需求、追求形式与内在统一的早期审美意识。 随着人类文明的发展，器物的演变也愈发精彩。《匠心之作》将深入探讨不同历史时期，技术革新如何深刻影响了器物的形态与功能。从中世纪欧洲精雕细琢的哥特式教堂，到文艺复兴时期达·芬奇的机械草图，再到工业革命后流水线上生产出的标准化产品，每一个阶段都留下了独特的器物烙印。我们不再局限于某个单一的领域，而是将目光投向建筑、家具、工具、服饰等多个层面，展现不同文化背景下，人类如何运用有限的资源，创造出既实用又富含美感的物件。例如，日本的传统木工技艺，其“无钉连接”的智慧，在现代看来依旧令人惊叹。它不仅展现了对木材特性的深刻理解，更是一种对材料的极致运用和对自然法则的顺应。 本书的另一重要维度，是对“材料”与“工艺”之间辩证关系的深入剖析。我们认为，任何一件杰出的器物，都是材料特性与匠人技艺完美结合的产物。从天然的石头、木材、皮革，到金属、玻璃、塑料等人工合成材料，《匠心之作》将呈现不同材料的物理属性、化学特性，以及它们在不同工艺手法下的表现。例如，玻璃吹制技艺，看似简单，实则需要极高的温度控制、气流引导和手法精准度，才能塑造出轻盈剔透的器形。本书将通过丰富的案例，阐释如何通过对材料肌理、色彩、透明度的理解，以及对切割、打磨、雕刻、焊接等工艺的精湛掌握，最终赋予一件器物生命与灵魂。我们强调的，是一种“与材料对话”的过程，是匠人与材质之间相互启发、相互成就的关系。 “人性”是贯穿全书的核心线索。我们相信，每一件器物背后，都隐藏着创造者的情感、思考和对世界的理解。无论是史前人类为了抵御寒冷而制作的兽皮衣物，还是现代艺术家倾注心血创作的雕塑，它们都反映了人类的生存需求、情感表达、精神寄托以及对美的追求。本书将选取那些具有代表性的器物，去解读它们所蕴含的人文价值。例如，一把精心打磨的日本武士刀，其锋利的刀刃背后，是无数次反复的锻打、淬火和研磨，更是对“武士道”精神的象征。我们不再仅仅关注它的攻击性，而是去体会其中蕴含的专注、严谨、坚韧与忠诚。 《匠心之作》并非只是一味地回顾历史，它更关注的是那些跨越时空的“匠心”精神。在快节奏、高效率的现代社会，我们似乎越来越少有机会去触摸一件由心而生的器物。本书将通过展示那些依然坚持传统技艺的工匠，以及那些在现代科技中融入人文关怀的创造者，来提醒我们，什么才是真正有价值的“创造”。我们不贩卖怀旧，而是试图挖掘那些经久不衰的普适性价值：对品质的极致追求，对细节的精益求精，以及对使用者需求的深刻洞察。例如，一个坚持手工制作皮鞋的匠人，他用数十年的时间研究皮革的纹理、鞋楦的设计以及缝线的强度，最终为穿著者带来的是舒适、耐用与独一无二的体验。这种体验，是冰冷机器无法比拟的。 本书的叙事风格将力求简洁、流畅，充满人文关怀。我们避免使用过于专业和晦涩的术语，而是用生动形象的语言，带领读者走进那些器物的世界。每一件被提及的器物，都将拥有一个属于它自己的故事，讲述它如何诞生，如何演变，又如何影响了人类的生活。我们将配以精美的图片，力求将器物的质感、细节与美感真实地呈现给读者。 《匠心之作》的目标，是唤醒读者内心深处对“物”的感知能力，重新审视我们身边的每一个物件。它希望通过对过去伟大创造的致敬，来启发我们当下和未来的创造。它不是为了教导如何“设计”，而是为了引发对“创造”本身的思考：何为一件值得被珍藏的器物？在物质极大丰富的今天，我们应该如何去创造，去选择，去消费？本书最终希望传递的，是一种对人类创造力的信心，一种对美好事物的追求，以及一种对生活细致入微的体察。它是一场关于“物”的哲学之旅，一次对“匠心”精神的追寻，一次对人类智慧与情感的深刻回响。

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这本书的理论深度和广度实在令人咋舌，它并没有停留在那种浮于表面的“设计法则速成班”那种肤浅的指导上，而是深入到设计哲学和认知心理学的交叉地带。作者在论述“直觉”在设计决策中作用的那一章节，简直像是在进行一场精妙的哲学辩论，他引用的案例并非那些耳熟能详的案例，而是从跨文化人类学的角度剖析了符号的演变。我发现自己不得不经常停下来，合上书本，对着天花板冥想好久才能消化吸收其中的精髓。它强迫你审视自己过去那些“理所当然”的设计习惯，提出一个尖锐的问题：你真的理解你正在使用的那个“模式”背后的驱动力吗？这本书不是用来“学习技能”的，而是用来“重塑思维框架”的。对于那些已经有一定经验，但感到创作进入瓶颈期的资深人士，这本书无疑是一剂强心针，能帮你跳出既有的思维定势，重新审视设计的本质意义。

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本书在案例选择和分析上的独到之处，让我耳目一新。它避开了所有教科书上必引的那些“爆款”案例，转而挖掘了一些在商业史上昙花一现，但设计理念却极其前沿的“失败”项目，或者是一些特定地域、特定文化背景下的小众设计实践。作者的分析角度极为刁钻，他不是在赞美最终的成功，而是在解剖那些“为什么会失败”或者“为什么会成为经典”的深层结构。比如，他对一个上世纪八十年代的电子产品用户手册的分析，竟然能延伸到当时社会对“可读性”的集体焦虑，这种跨界的关联性极强，让原本枯燥的案例分析变得像侦探小说一样引人入胜。读完这些章节，你不会觉得自己掌握了某种“套路”，而是明白了设计决策是如何被时代、技术和潜意识共同塑造的。这是一种非常高级的“反向教学法”。

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语言风格方面，这本书给我一种极为冷静、近乎冰冷的克制感，这种克制恰恰是其力量的来源。作者的遣词造句极其精确，没有一句多余的形容词，更没有为了煽动情绪而使用的华丽辞藻。它像一台高精度的仪器，冷静地测量、分析和记录设计世界的运行规律。这种严肃的态度，让我想起早年阅读那些经典的技术手册，那种“直达本质，不带感情色彩”的叙事方式，反而最能建立起读者对文本的绝对信任。阅读过程中，我几乎能想象作者坐在一个极简的工作室里，一丝不苟地敲击着键盘，确保每一个句子的逻辑链条都无懈可击。对于那些偏好浪漫主义或煽情叙事风格的读者来说，这本书可能需要一些适应期，但一旦你适应了这种“学术的冷峻”，你会发现它提供了无比扎实的思考基石，是那种能经受时间考验的著作。

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这本书最让我感到惊喜的，是它对“时间维度”在设计中的作用的阐述。很多设计书籍只关注静态的结果，即“设计出来是什么样子”，但这本书却花费了大量的篇幅讨论“设计如何随着时间演化”以及“如何为未来做设计”。作者探讨了材料的老化、用户习惯的变迁对一个既有设计的影响，甚至讨论了数字遗产和信息过载时代下，我们如何设计出具有“长久生命力”的作品。这种前瞻性的思考，让我开始重新评估自己手中的每一个项目——我设计的这个界面，五年后会变成什么样？它是否具有抵抗“流行趋势”的内核价值？这种对“永恒性”的追问，让阅读的体验从一次性的知识获取，变成了一场持续性的自我反思。这本书更像是一个向导，指引着我们去思考那些真正困难的、宏大的命题，而不是提供简单的答案。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从封面材质的选择到内页排版的考究，无不透露出一种对细节的极致追求。那种沉甸甸的触感，配合着哑光的质感，初次翻阅时就让人心生敬意。尤其是那些跨页的图例和设计草图，不仅清晰锐利，色彩的还原度也极高，仿佛能感受到设计师下笔时的力度与思考。我特别喜欢它在不同章节之间过渡时所采用的留白处理，那种恰到好处的呼吸感，让读者在密集的理论和案例之间得到了充分的喘息。书页的侧边裁切工艺也十分精湛，即便是经常翻阅，也不会出现毛边或者松散的现象。这不仅仅是一本书，更像是一件精心打磨的艺术品，光是摆在书架上，都能提升整个空间的格调。对于那些重视“阅读体验”胜过内容本身（当然内容也同样重要），或是收藏家群体来说，这本书的实体质量绝对值得称赞和投资。它传递出一种无声的宣言：真正的设计，是内外兼修的典范。

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非常细致非常力道

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簡明易懂，很好

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