具体描述
《广告策划:实务与案例》注重广告策划教学的综合性与实用性。在行文上力求提纲挈领；在语言表述上力求自然、准确、简练，尽可能使用广告人喜闻乐见的语言，并避免学究气和华而不实。案例教学与互动式教学历来是广告策划课程的鲜明特色之一，通过精选案例分析与研究引导学生更快地进入学习状态，真正以广告人的身份进入广告策划的学习。
《广告策划:实务与案例》适用于相关专业本科生与研究生，以及相应领域的社会工作人士。
电影史的幽光：从默片到流媒体的视觉叙事变迁 图书简介 本书并非专注于我们日常生活中那些关于产品如何被推销、品牌如何被塑造的商业策略，而是将目光投向一门更宏大、更具艺术性与社会影响力的学科——电影艺术。这部作品旨在系统梳理和深入剖析电影这一独特媒介自诞生伊始至今，在技术、叙事结构、美学风格以及文化功能上所经历的深刻演变历程。 我们首先将时间轴拉回至十九世纪末，探索卢米埃尔兄弟的活动电影放映机如何撕开现实的幕布，以及梅里爱如何用魔术般的剪辑和布景，奠定了早期电影的幻想基调。这不是关于如何“策划”一场营销活动，而是关于如何策划一场视觉奇观的诞生。 本书的第一部分：光影的拓荒时代（1895-1927），详细考察了默片时代如何通过纯粹的视觉语言、夸张的肢体表演和富有张力的蒙太奇技巧来构建复杂的情感和叙事。我们将细致分析格里菲斯的史诗叙事尝试，德国表现主义（如《卡里加里博士的小屋》）如何利用非自然主义的美术设计来反映人物的内心世界，以及巴斯比·伯克利歌舞片的早期空间调度美学。这些内容聚焦于电影语言本身的构建，而非对特定商业产品的宣传。 进入第二部分：声音与胶片的全盛期（1927-1960），重点探讨了有声电影的到来如何彻底颠覆了叙事节奏和表演方式。我们不会讨论如何利用声音来增强广告的冲击力，而是分析卓别林等大师如何巧妙地驾驭或抵制声音的洪流，保持其艺术的纯粹性。本章深入剖析了好莱坞的“制片厂制度”——一个以流水线方式生产艺术产品的工业模式——以及它如何塑造了经典叙事结构。我们将剖析经典好莱坞的“三幕剧”结构，并将其视为一种固定范式下的艺术表达，而非市场推广的蓝图。对法国印象派电影（如让·爱普斯坦）和苏联蒙太奇学派（如爱森斯坦的知性蒙太奇）的探讨，则着重于电影节奏如何影响观众的认知过程，而非引导其消费倾向。 本书的第三部分：新浪潮与艺术的反叛（1960-1980），聚焦于对既有规范的挑战。法国新浪潮（如特吕弗和戈达尔）如何打破“看不见的剪辑”原则，使用跳接、长镜头和即兴表演来模拟生活的不确定性与主观感受。意大利新现实主义则以其对社会底层生活的纪实性描绘，展示了电影作为社会良心和批判工具的巨大潜力。这些章节分析的是创作者如何通过形式的革新来表达对现实的深刻思考，与商业宣传的精准定位和说服逻辑背道而驰。 随后，第四部分：特效与全球化浪潮（1980-2000），追踪了数字技术对电影工业的冲击。电子游戏、CGI技术的进步，使得电影的可能性边界被空前拓宽。我们审视了史蒂文·斯皮尔伯格和乔治·卢卡斯如何利用新兴技术创造出影响一代人的商业巨制，但这部分的核心分析在于技术如何解放或束缚了叙事空间，探讨了“奇观电影”（Spectacle Cinema）的美学特征及其文化副作用，例如叙事退居二线，而视觉体验成为首要目标。此处关注的是电影作为一种技术艺术的极限探索。 最后，第五部分：数字时代与流媒体的未来（2000至今），探讨了互联网和流媒体平台如何彻底重塑了观众的观影习惯和电影的发行格局。我们分析了“Binge-Watching”（一次性看完）现象对剧集叙事结构的影响，以及电影院体验的衰落与复兴。本章深入研究了独立电影在数字平台上面临的机遇与挑战，以及如何在这种碎片化的媒介环境中，保持艺术作品的完整性和深刻性。对流媒体算法推荐机制的讨论，侧重于它如何固化观众的审美偏好，而非如何利用这些偏好来推广产品。 贯穿全书始终的线索是电影作为一种独立艺术形式的自我批判、技术迭代与美学追求。我们探索的是电影如何记录历史、反映人性、挑战社会规范，以及导演们如何运用剪辑、布景、摄影机运动等纯粹的电影手段，去构建一个既真实又虚构的世界。全书的基调是学术性的、历史性的，旨在提供一个全面、深入的电影艺术史脉络，而非任何关于如何商业化或营销某项服务的指导手册。它是一部关于光影幻术、叙事革命与视觉哲学的编年史。
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