艺用人体造型图集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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页数:128

译者:朱婕

出版时间:2010-6

价格:45.00元

装帧:平装

isbn号码:9787532265961

丛书系列:艺用人体造型图集

图书标签:

• 人体
• 艺术
• 绘画
• 图鉴
• 美术
• 素描
• ◇デザイン・素材
• 工具书
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• 动态表现

雕塑时光：西方古典雕塑艺术的永恒之美 一部深入探索西方古典雕塑发展脉络、审美特征与技术革新的恢弘巨著。 本书旨在带领读者穿越时空，沉浸于古希腊、古罗马乃至文艺复兴时期，那些由人类双手与智慧共同铸就的永恒石材与青铜杰作之中。我们聚焦于“雕塑”这一艺术形式，而非人体造型的写实技法本身，力求剖析雕塑家们如何捕捉瞬间的情感、诠释神话的叙事、并确立影响后世数千年的美学标准。 第一部分：曙光与辉煌——古希腊雕塑的理想主义（约350字） 本部分将详尽考察古希腊文明在雕塑艺术上取得的里程碑式成就。我们将从早期的“库罗斯”（Kouros）与“科瑞”（Kore）雕像入手，分析其受埃及艺术影响的早期特征，如僵硬的姿态和程式化的微笑。 随后，重点将转移至古典盛期（公元前5世纪至前4世纪），这是人类艺术史上对人体结构理解达到巅峰的阶段。我们将深入剖析： “动态的平衡”与“对立平衡”（Contrapposto）： 如何通过对重心转移的精妙处理，使原本静止的石像焕发出内在的生命力与运动感。我们将以波留克列特斯的《持矛者》和菲狄亚斯在帕特农神庙上的群雕为例，探讨其如何追求一种“理想化的人性美”，而非单纯的现实记录。 材料的叙事性： 湿衣褶表现手法（Wet Drapery）在《米洛的维纳斯》等作品中的运用，如何利用大理石的透明感和流动性来暗示身体的形态和运动的轨迹，创造出介于真实与超验之间的视觉效果。 希腊化时期的情感爆发： 随着亚历山大大帝东征，雕塑从古典的克制转向了更富戏剧性和情感张力的“希腊化”风格。从《萨莫色雷斯的胜利女神》中迎风展翅的动态，到《拉奥孔群像》中对痛苦的极致刻画，我们将分析这种风格转变背后所反映的社会心态和哲学思辨。 第二部分：秩序与传承——古罗马的实用主义与肖像艺术（约300字） 古罗马人继承了希腊的艺术语言，但赋予了雕塑新的政治和社会功能。本部分将探讨罗马雕塑如何从对“美”的追求，转向对“权力”和“历史”的记录。 现实主义的肖像传统： 罗马共和国时期，尤其在“真实主义”（Verism）风格中，雕塑家们偏爱在人物面部刻画出皱纹、伤疤和饱经风霜的痕迹，这不仅是对先祖的尊敬，也是一种强调经验与德行的政治姿态。我们将对比希腊的理想化肖像与罗马的写实肖像，分析其文化差异。 纪念碑性叙事： 从奥古斯都的“元首式”雕像到图拉真纪念柱上的浮雕，罗马雕塑成为国家宣传和历史编纂的工具。我们将解析这些作品如何通过连续叙事的手法，系统性地记录战争、庆典和法律的制定过程，探讨雕塑在公共空间中的作用。 神殿与浴场的装饰： 罗马对希腊原作的大量复制，不仅保存了古典的造型语言，也揭示了罗马精英阶层对希腊文化的推崇，以及他们如何将这些艺术品融入到日常的建筑和生活场景中。 第三部分：精神的回归与技艺的复兴——中世纪与文艺复兴的转型（约450字） 中世纪的艺术转向了对宗教精神的表达，雕塑语言发生了一次重大的“去自然化”过程。本书将概述这一时期的过渡性特征，并重点剖析文艺复兴时期雕塑如何从神学束缚中解放出来，重新拥抱人体结构和古典美学。 中世纪的符号性表达： 哥特式大教堂的门楣雕塑和圣坛装饰，强调教义的传达而非解剖学的准确性。我们将关注人物的拉长、服饰的程式化处理，以及雕塑如何从建筑附属品逐渐获得相对独立的地位。 文艺复兴的“人本中心”： 15世纪佛罗伦萨的艺术复兴，标志着雕塑重拾对人体科学研究的热情。我们将深入分析多那太罗（Donatello）的突破性贡献，特别是他作品中对个体心理的捕捉，以及他如何重新引入“自由圆雕”（Sculpture in the Round）的概念，使雕塑可以从各个角度被完整欣赏。 盛期的高峰：米开朗基罗的“不安”与“力量”： 盛期文艺复兴的雕塑达到了又一个顶峰。米开朗基罗的作品，如《大卫》和《摩西》，不仅仅是对古典人体比例的模仿，更是对人类意志和内在冲突的深刻表达。我们将分析他如何通过对肌肉、肌腱和面部表情的极端刻画，创造出一种充满内在张力和“未完成感”的独特风格，探讨其“从大理石中解放形体”的创作哲学。 第四部分：动态的戏剧化——巴洛克雕塑的激情表达（约400字） 巴洛克时期，雕塑彻底告别了文艺复兴的宁静与和谐，转而追求强烈的叙事性、感官刺激和超越界限的动态效果。 贝尼尼的魔术： 本书将以吉安·洛伦佐·贝尼尼（Gian Lorenzo Bernini）为核心，深入解析巴洛克雕塑的技术革新。我们将考察《阿波罗与达芙妮》中对“瞬间变化”的捕捉（从人到月桂树的转变），以及《圣特蕾莎的狂喜》中对材料质感的极致处理——如何使大理石呈现出布料的柔软、云朵的轻盈和肉体的颤动。 光影的雕塑性： 巴洛克雕塑家们将环境光线纳入到创作考量中。雕塑表面的处理不再追求均匀的抛光，而是故意制造凹凸不平的纹理，以最大限度地利用教堂或广场的光线，制造出戏剧性的明暗对比，增强视觉冲击力。 超越界限的融合： 巴洛克作品往往打破了雕塑与建筑、绘画之间的界限，创造出宏大的“综合艺术”（Bel Composto）。我们将分析这些作品如何通过复杂的空间布局和多重媒介的结合，将观众完全卷入到叙事场景之中，形成一种沉浸式的体验。 本书通过对上述四个关键时期的细致梳理和专业图例分析，旨在提供一个全面、深入的视角，理解西方雕塑艺术如何通过对人体形态的不断探索、美学标准的反复确立与颠覆，最终成就了其不朽的艺术地位。它不是一本教导如何雕刻人体的实用手册，而是一部鉴赏与理解西方雕塑史的深度指南。

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说实话，我原本对这种“专业性极强”的书籍抱有一定的保留态度，担心内容会过于晦涩难懂，充斥着大量我看不懂的术语。然而，这本画册彻底颠覆了我的看法。它的编排思路非常巧妙，不是那种生硬的教科书式罗列，而是以一种更偏向“应用”和“视觉引导”的方式来呈现内容。每一张图都仿佛在讲述一个关于形态和体积的故事，光影的运用也极其到位，为读者提供了极佳的三维空间感参考。我发现自己不再是机械地临摹线条，而是开始真正思考“形体是如何在空间中存在的”。这种由表及里的学习过程，极大地提升了我的造型能力。尤其是在处理不同性别和年龄段的人体时，它所展现出的细腻差别，让我对人体这个永恒的主题有了更深层次的敬畏和理解。对于想要将绘画水平提升到更高层次的创作者来说，这本书无疑是一座宝藏。

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这本书简直是艺术家的福音！从翻开第一页起，我就被那种扑面而来的专业气息所震撼。它不仅仅是一本简单的图集，更像是一位经验丰富的大师在手把手地教你如何观察和理解人体结构。那些复杂的肌肉群和骨骼系统，竟然能被描绘得如此清晰、生动，仿佛触手可及。我尤其喜欢它对动态姿势的解构，那种力量感和平衡感被拿捏得恰到好处。即便是初学者，也能从中领悟到造型的基础逻辑，而对于有一定基础的人来说，这里面蕴含的细节和处理技巧更是值得反复揣摩、细细品味。我之前在处理复杂人体透视时经常感到力不从心，但这本书提供了一套非常系统且直观的解决思路，让我在创作时信心倍增，下笔也更加果断自如了。这绝对是值得放在案头，随时翻阅的工具书，它让原本枯燥的解剖学知识变得如此富有艺术感染力。

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这是一次令人惊喜的阅读体验，我得承认，我原本以为这只是又一本重复的老生常谈的造型书，但它带来的启发远超预期。它的版式设计非常现代和简洁，没有多余的干扰信息，让读者的注意力完全集中在核心的视觉内容上。我特别留意了它对不同光照条件下人体造型变化的阐述，这对于影视概念设计或者插画创作中模拟环境光效至关重要。作者似乎深谙如何在有限的篇幅内，传达出最丰富的信息量。我甚至发现，仅仅对着里面的某几个关键动作研究，我的素描速写能力都有了肉眼可见的提升。它不是那种读完一遍就束之高阁的工具书，更像是一个可以陪伴你长期进步的良师益友，每次重温都会有新的体悟，不断挖掘出新的层次感。

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这本书的价值，在于它提供了一种对人体结构美学的深度剖析。它没有急于展示华丽的最终效果，而是将精力放在了“构建”这一环节。我非常赞赏其中对于身体重心的分析部分，这是决定一个造型是否“稳固”或“动感”的关键。作者处理这些基础问题时，所展现出的那种对自然规律的尊重和精妙的艺术提炼，令人叹服。翻阅它的时候，我感觉自己正在进行一场细致入微的解剖学考察，只不过这个考察过程充满了美感和启发性。对于任何一个严肃对待自己绘画事业的人来说，这本书都是一个不可或缺的参照系，它为你打下了坚实无比的造型地基，让你在后续的风格探索中，能够拥有更广阔的自由度和准确度。

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对于常年与画布、数位板打交道的我来说，寻找一本能真正“用得上”的人体参考资料是件不容易的事。市面上很多图集要么过于写实到像医学解剖图谱，缺乏艺术的灵动性；要么就是过于风格化，反而失去了对基础结构的准确把握。但这本画集找到了一个绝佳的平衡点。它的线条流畅且充满力量，对于肌肉的起止和走向处理得极为精准，但同时又保留了极强的艺术表现力。我个人特别欣赏其中关于肢体交叠和复杂穿插部分的表现方式，很多以前感到棘手的角度，在这里都有非常清晰的图示来解释其背后的结构逻辑。可以说，它大大缩短了我从“知道”到“画出来”之间的距离。它不是教你怎么“画一个完美的人体”，而是教你如何“理解并塑造一个有生命力的人体形态”。

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画人体的好资料。

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早几本是没光盘的。

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画人体的好资料。

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早几本是没光盘的。