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出版者:Princeton Architectural Press

作者:Aldo Rossi

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:1997-12-1

价格:USD 60.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781878271150

丛书系列:

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• 建筑
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《阿尔多·罗西：空间、记忆与建筑的诗学》 这本《阿尔多·罗西：空间、记忆与建筑的诗学》并非一本关于阿尔多·罗西本人生活经历或个人传记式的书籍。它更像是一场深邃的思想漫游，一场对二十世纪建筑界一位重要思想家、理论家与实践者——阿尔多·罗西——其核心理念和深远影响的全面探索。本书旨在剥离浮华，直抵罗西作品与文字背后那份不动声色的力量，深入挖掘他如何将城市作为物质与非物质交织的织锦，如何将历史的重量转化为设计的元素，以及他如何看待建筑在构筑我们对时空认知中所扮演的关键角色。 我们并非试图呈现一个“无内容”的罗西，而是将焦点放在他思想的“内容”本身，以及这些内容如何深刻地塑造了我们理解建筑、城市乃至存在的方式。本书的每一页都致力于呈现罗西理论的丰富性与复杂性，通过深入解析其标志性的概念——例如“城市建筑学”（urban architecture）、“类型学”（typology）、“纪念性”（monumentality）、“场所”（locus）以及“记忆”（memory）——来揭示其建筑实践的哲学根基。 书中将对罗西的许多重要建筑实践进行细致入微的解读，但绝非简单的案例罗列。相反，我们将这些建筑视为思想的具象化，它们是罗西理论在真实世界中的注脚与回响。从圣卡塔琳娜公墓的沉思，到博斯科莱托的重塑，再到柏林住宅区的构筑，每一处都能看到他对“场所”的深刻理解——即建筑不仅是物理的存在，更是历史、文化、集体记忆与个体经验的沉淀。他如何从既有的城市肌理中提炼出“类型”，并以此为基石，创造出既独立又与环境对话的建筑，将是本书着力展现的篇章。 更进一步，本书将深入探讨罗西对“纪念性”的独特理解。不同于宏大叙事或政治宣传，罗西的纪念性是一种对时间流逝、历史痕迹的尊重，是对城市生命力的确认。它体现在对材料的恰当运用、对形式的简约提炼，以及对公共空间的精心构置上。我们将会看到，建筑如何通过其“纪念性”而获得超越其物理形态的意义，成为承载集体记忆的容器，成为城市故事的讲述者。 “记忆”在罗西的理论体系中占据着核心地位。他认为，城市本身就是一个巨大的记忆库，而建筑则是这座记忆库中的重要节点。本书将仔细审视罗西如何将个体经验与集体记忆相互融合，如何通过建筑的设计语言来唤起人们内心深处的情感共鸣与历史联想。他并非简单地复制历史，而是以一种诗意的方式，将历史的碎片重新组织，赋予它们新的生命，从而在当下激活过去，并指向未来。 此外，本书还将关注罗西的理论如何超越了单纯的建筑学范畴，触及了哲学、文学、艺术乃至人类学的多个领域。他与艺术史学家、哲学家之间的思想碰撞，以及他对绘画、戏剧等艺术形式的借鉴，都将在这本书中得到细致的梳理。罗西的建筑，与其说是对功能的满足，不如说是对人类存在状态的一种深刻反思，一种对城市作为人类生活舞台的诗意注解。 《阿尔多·罗西：空间、记忆与建筑的诗学》并非提供一个“没有内容”的空白，而是试图填满一个关于罗西思想的深度认知空间。它邀请读者一同进入罗西的思维殿堂，去理解他如何用建筑的语言，书写关于空间、时间、记忆与人的永恒篇章。这是一本献给那些热爱思考，渴望理解建筑背后深层含义的读者，它将引导你以全新的视角去审视我们所处的城市与建筑环境，去发现那些隐藏在钢筋水泥之下的历史回响与诗意灵感。本书旨在通过严谨的分析与流畅的叙述，呈现罗西思想的精髓，让读者在阅读中，如同漫步于他所设计的空间，感受其独特的氛围与深邃的意境。

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阅读这部作品的体验，更像是一次漫长而曲折的思维漫游，它挑战了我们对“现代主义”通常抱有的那种单一、纯粹化的理解。作者似乎并不热衷于制造惊天动地的视觉奇观，相反，他将目光投向了日常的、近乎被遗忘的物质性——砖石、屋顶、立面重复的韵律。我花了很长时间去品味那些关于“纪念性”与“场所精神”的论述，它们并非空泛的哲学口号，而是紧密地附着在每一个具体的建筑案例上。比如，他对公共喷泉和街道家具的选择与布局的精细考量，揭示了宏大叙事之外，生活如何在其间发生、流动。这本书的叙事节奏非常缓慢，甚至有些反直觉，它迫使读者放慢脚步，去关注那些常被高速发展的建筑工业所忽略的细节。有几章关于剧院与纪念馆的设计草图，那种对传统象征符号的戏仿与挪用，既充满了敬意，又不乏尖锐的批判，使得最终成型的作品在历史与当下之间找到了一个微妙的平衡点。它不是一本速成的设计指南，而是一本需要反复咀嚼，才能体会其中深意的思想结晶。

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这本书给我的冲击是多维度的，它不仅仅是关于建筑的，更是关于一种看待世界的方法论。书中对细节的执着，近乎于一种强迫症式的精准，特别是对材料纹理的描述和图像呈现，让人对“真实物质”产生了新的敬畏。举例来说，对于某些混凝土表面的处理，那种粗粝感和不完美，被置于与光滑大理石同样重要的地位来讨论，这颠覆了我对“完美”的传统认知。作者似乎在倡导一种“不加修饰的诚实”，让材料本身说话，而不是用浮华的装饰去掩盖结构与建造的本质。这种诚实感贯穿于整个文本，使得即便是讨论理论，也充满了泥土的芬芳。它引导我思考，一个好的设计，是不是应该像老旧的钟表一样，即使不再被频繁使用，其内部的齿轮咬合依然严丝合缝，充满了历史的重量感。这本书需要耐心，因为它不急于取悦读者，它只专注于表达一种坚定的建筑信念。

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这部作品的阅读过程，是一次对“语境”重要性的再教育。书中反复强调，建筑不能脱离其所处的地理、历史和社会背景而存在，那些看似随意的几何形体，实则蕴含着对周边环境的深刻回应。我特别喜欢其中关于“公共性”的论述，它不是将公共空间视为一张可以随意涂抹的画布，而是将其看作是世代积累而成的复杂社会契约的物质载体。通过对比几个不同年代的项目，可以看到一种思想的传承与断裂，但其核心始终围绕着如何为人的聚集提供一个既稳定又充满可能性的容器。这本书的排版语言本身也是一种建筑学的表达，那种对留白的运用，如同建筑中的庭院一样，起到了调节情绪、引导视线的作用。它教会我，建筑的“意义”往往不在于高耸的屋顶，而在于那些不为人注意的转角、过渡和边界。读完后，我感觉自己对城市景观中那些“平庸”的建筑产生了一种新的同情和理解，仿佛能看到它们背后隐藏的坚韧与逻辑。

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说实话，初翻开这本书时，我一度感到有些困惑，因为其结构似乎缺乏传统传记或项目编年史的清晰线性。它更像是一部相互交织的笔记、一些散落的宣言，以及一系列对特定建筑元素（如柱廊、中庭、窗户）的近乎偏执的特写。但正是这种看似松散的结构，才更真实地反映了建筑师思考的本质——灵感并非一蹴而就，而是从碎片化的观察中逐渐凝聚起来的。我尤其欣赏其中关于“时间性”的讨论，他如何看待建筑在自然侵蚀下所呈现出的“老化之美”，以及如何设计出能够与岁月共舞的结构。书中的手稿拓印质量极高，有些甚至能分辨出铅笔的轻重缓急，这让我仿佛能透过纸面感受到那位设计者的手感与心境。相较于那些强调未来感的建筑师，这本书呈现出一种深刻的保守与坚守，是对“如何建造”这一基本问题的回归。它没有给出标准答案，而是提供了一套严谨而富有诗意的提问方式。

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这本画册，捧在手里，首先感受到的就是那种沉甸甸的质感，纸张的厚度与装帧的精良，让人一眼就知道这不是一本普通的速写集。内页的排版设计堪称一绝，疏密有致，黑白照片与建筑草图的穿插布局，仿佛在无声地诉说着某种时间流逝的哲学。我特别留意到那些早期米兰理工学院的练习作品，线条的稚嫩与思想的锋锐并存，可以看到他如何挣扎于学院派的框架，又如何野蛮生长出属于自己的几何语言。那些关于“类型学”的思考，不是枯燥的理论堆砌，而是通过一系列对历史建筑母题的解构与重组，清晰地呈现在读者眼前。特别是其中对意大利城镇肌理的剖析，那种深入骨髓的地域性关怀，让我这个非专业人士都能感受到一种强烈的“地方感”的回归。这本书的影像资料也极其考究，许多建筑的现场照片，光影的运用达到了极高的水准，与其说是记录建筑，不如说是捕捉光线在特定结构下所产生的戏剧性效果。它引导我们重新审视那些习以为常的城市角落，激发了对建筑空间本质的追问，读完后感觉自己的观察世界的方式都被微妙地修正了。

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Nai

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你确定封面是这样不是黑的？=-=一看就是PA的排版风格。

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