海顿降E大调第一0三交响曲 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:[奥地利] 海顿

出品人:

页数:104

译者:路旦俊

出版时间:2009-10

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787540444006

丛书系列:奥伊伦堡总谱+CD

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海顿《降E大调第一〇三号交响曲》（“惊喜”） 约瑟夫·海顿（Franz Joseph Haydn，1732-1809）是古典主义时期音乐的巨匠，被誉为“交响乐之父”和“弦乐四重奏之父”。他在漫长而多产的创作生涯中，留下了数量惊人的杰作，其中十二部伦敦交响曲（Hob. I:93-104）更是其晚期创作的巅峰之作，代表着他音乐思想和技巧的成熟与升华。《降E大调第一〇三号交响曲》（Hob. I:103）便是这组辉煌作品中的一颗璀璨明珠，创作于1795年，是海顿第二次伦敦之行的成果之一。此曲因其第二乐章中出人意料的强奏而赢得“惊喜”的昵称，然而，这部交响曲的魅力远不止于此，它是一部结构严谨、旋律优美、情感丰富且充满戏剧张力的鸿篇巨制，充分展现了海顿晚期创作的深刻洞察力和炉火纯青的作曲技艺。 第一乐章：不活跃的快板（Adagio – Allegro spiritoso） 交响曲以一段引人入胜的慢板（Adagio）序奏拉开帷幕。不同于以往交响曲中常见的平稳展开，海顿在此段序奏中就展现了他非凡的戏剧构思。庄严而略带阴郁的降E大调和弦低沉奏响，大提琴和低音提琴奏出的下行音阶如同沉重的脚步，为乐章奠定了一种探索而又略显神秘的基调。随后的弦乐奏出的简洁而有力的旋律，带着一种古老格调，仿佛是从古老的教堂钟声中提炼而来，充满着宿命感。渐强的力度和加入的铜管乐器，使得这段序奏的紧张感逐渐累积，直至在一次强有力的终止式中戛然而止，为即将到来的快板乐章埋下了伏笔。 紧接着，乐章以一个充满活力的快板（Allegro spiritoso）进入了主部。这是一个典型的奏鸣曲式乐章，其快速的节奏和明快的旋律，与序奏的沉重形成了鲜明的对比，展现了海顿在情感处理上的高超技巧。第一主题在弦乐器上奏响，这是一个轻快、活泼且富于歌唱性的旋律，充满了阳光和生命的活力。海顿在这里巧妙地运用了对称的乐句和上行的音程，使得主题既易于记忆，又充满了前进的动力。 经过一段短暂的过渡，进入了对比鲜明的第二主题。与第一主题的明朗不同，第二主题在属调降B大调上呈现，由双簧管奏出，旋律更为柔和、抒情，带着一丝忧郁的色彩。海顿在此运用了更长的乐句和更为细腻的装饰音，使得这一主题充满了浪漫的气息。两个主题的鲜明对比，为乐章带来了丰富的情感层次。 发展部是海顿处理奏鸣曲式乐章的强项。他在这里展现了他对主题动机的精湛掌握和变化能力。他将第一主题的片段进行分解、重组、模进，并与其他音乐材料进行巧妙的组合。在这个部分，各个声部之间的对话变得尤为激烈，音乐的张力不断攀升。海顿在此段中大胆地运用了半音化的进行和不和谐的音程，营造出一种紧张、不安的氛围。弦乐器之间快速的对答，铜管乐器的强奏，以及 timpani 的鼓点，共同构筑了一个充满戏剧性的冲突场面。发展的尾声，音乐逐渐归于平静，仿佛在积蓄能量，为再现部的到来做准备。 再现部忠实地回归了第一和第二主题，但这次它们都回到了主调降E大调。海顿在此对主题进行了更加丰富的配器，使得音乐更加饱满和辉煌。特别是第二主题，在主调上的呈现，其忧郁色彩被冲淡，反而增添了一种更加坚毅和深邃的情感。在尾声部分，海顿并没有简单地结束，而是再次将乐章推向高潮。他以强劲的力度和精炼的动机，将音乐推向最后的辉煌。整个乐章在明亮而有力的降E大调和弦中结束，充满了胜利和满足感。 第二乐章：慢板，伴随定音鼓的突击（Andante con moto） 第二乐章，也正是“惊喜”的来源，是整部交响曲中最令人难忘的部分之一。海顿以一段悠扬而略带忧伤的慢板（Andante con moto）开始。这个乐章以回旋曲式（Rondo）为基本结构，但其内部的材料组织和发展却极具创新性。 乐章一开始，一段轻柔而优美的旋律在小提琴上奏响，充满了诗意和宁静。这段旋律在不同的声部间传递，层层递进，营造出一种沉静而安详的氛围。紧接着，海顿引入了一个对比性的段落，其音乐风格更为明亮，充满了活力。 然而，真正让这个乐章声名远播的是它的“惊喜”。在乐章发展到一定阶段，当音乐似乎沉浸在温柔的氛围中时，突然，定音鼓奏出了一记响亮而突兀的强奏（fortissimo），接着是整个管弦乐队的齐奏，将原本平静的音乐瞬间打断。这个强烈的对比，就像在平静的湖面上投下了一颗石子，激起了惊涛骇浪。正是这个出人意料的“惊喜”，为乐章赢得了“惊喜交响曲”的绰号。 但海顿的“惊喜”并非仅仅是简单的惊吓，它更是一种戏剧性的手段，用来活跃气氛，吸引听众的注意力。在短暂的冲击之后，音乐很快又回归了原有的旋律，但听众的注意力已经被牢牢地吸引住。海顿在这里展现了他对听众心理的深刻理解，他知道如何通过意想不到的转折来制造效果。 乐章的回旋主题在不同的调性上反复出现，每次出现都伴随着新的配器和细微的变化，使得乐章保持着新鲜感。海顿在这里充分发挥了弦乐和木管乐器的表现力，它们之间的对话和呼应，使得音乐的织体变得丰富而细腻。定音鼓的“惊喜”并非是唯一的戏剧性元素，乐章中还穿插着一些更具冲突性的段落，但它们都被巧妙地整合到整体的回旋曲式结构中。 海顿在处理回旋曲式时，也借鉴了奏鸣曲式的某些元素，比如在某些对比段落中，他会发展出具有发展部特征的音乐材料，使得乐章的结构更加紧凑和富于逻辑。乐章的结束，是在一个相对平和但依旧充满余韵的氛围中完成，定音鼓的“惊喜”似乎已经成为了过去，留下的更多的是音乐本身的沉静与回味。 第三乐章：小步舞曲（Menuetto） 第三乐章是海顿标志性的谐谑曲，以小步舞曲（Menuetto）的形式呈现。与巴洛克时期的小步舞曲不同，海顿的小步舞曲往往充满了活力、节奏感和一定的戏剧性，而非仅仅是优雅的舞曲。 乐章开始于一个强劲而有力的降E大调段落。海顿在这里运用了富有冲击力的节奏和清晰的旋律线条，展现了音乐的阳刚之气。弦乐器和铜管乐器共同奏响，营造出一种庄重而又不失活泼的氛围。这个主题具有很强的驱动力，仿佛是一群人正在迈着整齐而有力的步伐前进。 经过一段快速的过渡，乐章进入了如歌的特里奥（Trio）部分。特里奥部分与小步舞曲部分形成鲜明对比，通常更为柔和、抒情，有时也会带有牧歌式的色彩。在这里，海顿的特里奥部分以一种更为温暖和亲切的旋律呈现，木管乐器，特别是双簧管和长笛，在这里扮演了重要的角色。它们的音色柔美，旋律优美，为乐章带来了舒缓和慰藉。这个特里奥部分仿佛是一段宁静的休憩，与小步舞曲部分的激昂形成了对比，展现了海顿在情感张力上的丰富变化。 小步舞曲部分反复出现，每次出现都带有一些细微的配器变化，使得听觉体验更加丰富。海顿在这里对音乐的织体进行了精心的设计，各个声部之间的呼应和对话，使得音乐既有清晰的轮廓，又不失其内部的复杂性。乐章的整体风格充满了古典主义的均衡与和谐，但又不乏海顿特有的幽默感和活力。 第四乐章：终曲——活泼的快板（Finale – Allegro vivace） 交响曲的终曲以一个充满活力的活泼的快板（Allegro vivace）将整部作品推向高潮。这是一个典型的回旋曲式或奏鸣曲式回旋曲式乐章，以其明快、辉煌的旋律和充沛的能量而著称。 乐章一开始，一段强劲而富有节奏感的降E大调主题便奏响。这个主题充满了前进的动力和喜悦的气氛，仿佛是节日庆典的序曲。海顿在这里运用了快速的音阶跑动和清晰的旋律线条，使得主题极具感染力。 随着乐章的展开，海顿引入了多个对比鲜明的主题。这些主题在调性、节奏和情感上都各不相同，但都被巧妙地编织在一起，形成了一个统一而有机的整体。第二主题可能更为抒情，为乐章增添了一丝柔情，但很快又会被充满活力的回旋主题所取代。 海顿在发展部展现了他对音乐材料的精湛掌握。他将各个主题的片段进行分解、重组，并在此基础上进行新的发展。这个部分充满了音乐的辩证法，各个音乐元素之间的相互作用和冲突，使得音乐的张力不断攀升。海顿在这里大胆地运用了转调和复杂的和声，为乐章增添了丰富的色彩。 回旋主题在乐章中反复出现，每次出现都仿佛是在为乐章注入新的活力。海顿在配器上进行了精心的设计，使得回旋主题在不同的声部和乐器上都能展现出其独特的魅力。弦乐器奏出的快速乐句，木管乐器嘹亮的音色，以及铜管乐器的强奏，共同构筑了一个辉煌而热烈的音乐场面。 乐章的尾声部分更是将整部交响曲推向了最终的辉煌。海顿在这里以强劲的力度和精炼的音乐动机，将音乐推向了一个不可阻挡的高潮。最终，在响亮的降E大调和弦中，整部交响曲以一个充满胜利和喜悦的姿态落下帷幕。 《降E大调第一〇三号交响曲》是海顿晚期创作的杰出代表。它不仅体现了海顿在曲式结构、旋律创作和配器技巧上的精湛造诣，更展现了他对音乐戏剧性的深刻理解和对人类情感的细腻描绘。从庄严的序奏到充满“惊喜”的慢板，从充满活力的谐谑曲到辉煌的终曲，海顿用他的音乐语言，为我们构建了一个丰富多彩、引人入胜的音乐世界。这部交响曲至今仍是世界各大乐团保留曲目中的经典之作，深受广大听众的喜爱。

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这部交响曲的演绎简直是听觉的盛宴，指挥家对乐章的把握精准得令人赞叹。从开篇那个充满悬念的引子开始，我就被深深吸引住了。那种由弱到强的铺陈，仿佛是画家在画布上精心调配色彩，每一种音色的过渡都自然得让人忘记了呼吸。尤其是在第二乐章，弦乐组那细腻入微的处理，简直像是微风拂过湖面，泛起的涟漪清晰可见，但又带着一丝难以言喻的忧郁，仿佛能从那颤动的弓弦中读出作曲家内心深处那些不为人知的挣扎与和解。铜管乐器的加入不是为了喧宾夺主，而是恰到好处地烘托出宏大的气势，特别是在高潮部分的爆发力，虽然震撼，却又不失古典的典雅。我反复聆听了许多次，每一次都有新的发现，它不是那种一次性消费的流行音乐，而是一部需要沉下心来细细品味的艺术品，它的结构之精巧，和声之丰富，让人不得不佩服那个时代的音乐巨匠们的非凡才华。这份录音的音质也堪称一流，清晰度极高，能捕捉到每一个细微的动态变化，完全满足了我对高保真音响的要求。

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老实说，当我第一次听到这个版本时，最初的印象是“稍显保守”。指挥家似乎刻意回避了那些现代录音中常见的夸张处理和速度上的弹性变化，他更倾向于一种近乎“学术”的还原，注重结构与平衡。然而，随着聆听次数的增加，我开始领悟到这种“保守”背后的巨大决心——那是对作曲家原意最纯粹的尊重。它没有多余的修饰，一切都回归到乐谱本身所揭示的面貌。这种演绎方式的好处是，它让作品本身的逻辑清晰度得到了极大的提升，即便是最复杂的对位段落，听起来也井然有序，毫不费力。这就像欣赏一幅文艺复兴时期的素描，它不需要绚烂的色彩来迷惑人眼，仅凭精准的线条和光影的布局，就能传达出深刻的思想。对于那些追求“原汁原味”的古典乐迷来说，这无疑是一个宝贵的参考版本，它提醒我们，在追逐新奇的同时，回归经典、回归本源的价值同样不可磨灭。

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这部交响曲给我带来的感受，更多的是一种心境上的洗涤和沉淀。它不像某些作品那样直白地表达强烈的情感，它的情绪是内敛的，是需要被挖掘的。特别是那个广板乐章，它仿佛将时间都拉长了，缓慢流淌的旋律线中蕴含着一种近乎冥想的平和。那种感觉，就像是雨后初晴，空气中弥漫着泥土的清新，一切都显得那么宁静而美好，但又带着一丝对逝去时光的淡淡怀念。我常常在深夜，关上灯，戴上耳机，让这些音符把我带入一个完全独立于世俗喧嚣的空间。它不强迫你进入某种情绪，而是提供了一个容器，让你将自己的思绪和感受装进去，任由音乐去引导和舒缓。这种精神层面的共鸣，是我在许多其他音乐作品中难以寻觅的。它不是一时的激情，而是一种持久的陪伴，每次聆听，都像是一次与自我的深度对话。

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说实话，当我第一次接触到这部作品的乐谱时，感觉它就像是一道极其复杂的数学题，充满了精妙的结构和严谨的逻辑。每一个声部的独立旋律线，在不同的段落里交织、对话，最终汇聚成一个完整而和谐的整体。我特别欣赏作曲家在配器上的匠心独裁，那种对木管乐器色彩的运用，简直是鬼斧神工。长笛和双簧管的独奏部分，清亮而不失厚重感，它们之间的衔接处理得天衣无缝，仿佛两位技艺高超的对话者在进行一场哲学思辨。相较于后浪漫主义那些略显冗余的篇幅，这部作品的长度和密度达到了完美的平衡，每一个小节似乎都承载了足够的信息量，没有丝毫的冗余和拖沓。它更像是一部微缩的建筑模型，结构清晰，比例完美，每一个支撑点都至关重要。对于那些热衷于研究曲式结构和对位法的音乐爱好者来说，这部作品无疑是一本活教材，它展示了古典主义晚期交响曲写作的巅峰状态，那种清晰的层次感和推进力，让人在跟随旋律的同时，也能清晰地看到其背后的骨架。

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从历史和风格演变的角度来看，这部作品无疑是连接古典主义的严谨与浪漫主义的自由的一座至关重要的桥梁。它保留了海顿晚期作品中那种特有的机智和灵光，那种不经意间流露出来的幽默感和精巧的“小把戏”，但同时，它的情感深度和调性的复杂性，又隐隐预示着贝多芬时代的到来。特别是终曲部分的处理，那种磅礴的气势和主题的反复发展，已经超越了传统意义上的“轻松收尾”，它更像是一场胜利的庆典，充满着力量和对未来的展望。我喜欢研究这些过渡性的作品，它们往往最能体现作曲家在面对时代变革时所做出的艺术抉择。这部交响曲的配器虽然相较于后世显得“朴素”，但其对音色的驾驭却达到了炉火纯青的境界，每一个乐器组的音域使用都极其得当，充分发挥了它们各自的特性，这种对古典语法的纯熟运用，令人叹服。

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