The Plays, Screenplays and Films of David Mamet pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Price, Steven

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2008-10

价格:$ 96.05

装帧:

isbn号码:9780230555341

丛书系列:

图书标签:

• David Mamet
• 戏剧
• 剧本
• 电影
• 美国文学
• 当代文学
• 戏剧研究
• 电影研究
• 文学批评
• 美国戏剧

《剧本、电影与戏剧的边界：当代剧作家的创作探索》 作者：[虚构作者姓名，例如：亚历山大·科尔宾] 出版社：[虚构出版社名称，例如：里程碑学术出版社] 出版年份：[虚构年份，例如：2024年] --- 内容概述：一部跨越媒介的剧作研究史诗 《剧本、电影与戏剧的边界：当代剧作家的创作探索》是一部深度剖析二十世纪末至今，杰出剧作家们如何驾驭和重塑不同表演媒介（舞台剧、电影、电视剧）创作手法的学术专著。本书聚焦于那些在文本创作的纯粹性与视觉媒介的商业性之间架起桥梁的创作者群体，旨在揭示剧作艺术在不同载体上传播时所经历的结构性、语言学和主题上的嬗变。 本书并非针对某一位特定剧作家的作品进行全面的个案分析，而是采用对比研究的方法，选取了数位具有里程碑意义的创作者作为样本，探讨他们对“对话的张力”、“叙事的密度”以及“空间的限制与解放”等核心戏剧要素在不同媒介中的处理策略。我们关注的重点在于——当文字从舞台的黑匣子转移到银幕之上，剧作者如何权衡布莱希特的“陌生化”与好莱坞的“沉浸式体验”，从而创造出既具有文学深度又能在大众市场引起共鸣的作品。 全书分为五个主要部分，逻辑递进，从理论基础到实践分析，层层深入。 --- 第一部分：剧作的本体论与媒介的张力 本部分首先确立了研究的理论框架，探讨了“剧作”这一文学体裁的本质属性。我们考察了亚里士多德以来对戏剧冲突和人物塑造的经典定义，并引入了后结构主义对“作者意图”的解构视角。 核心议题包括： 1. 舞台文本的“在场性”与电影文本的“记录性”： 探讨了舞台剧对实时观众反应的依赖性，以及电影如何通过剪辑和后期制作来建立一个预设的、不可逆转的观看体验。分析了舞台剧对纯粹对话的依赖，以及电影如何利用视觉语言来“替代”或“强化”口语表达。 2. 时间与空间的压缩与拓展： 舞台剧受限于物理空间，迫使剧作家依赖语言的暗示性来构建宏大叙事。电影则拥有无限的布景和时间跨度。本章细致比较了几位剧作家在处理内心独白、场景转换时，是选择保留舞台剧的象征性手法，还是完全拥抱电影的写实性能力。 3. “表演”的异化： 演员在舞台上的身体性、呼吸与声音的自然变化，与在镜头前需要被精确捕捉的“微表情”之间的差异。我们分析了剧作家如何为适应不同表演体系而调整其剧本中的动作指导（Stage Directions）。 --- 第二部分：视觉叙事中的对话重塑 对话是剧作家的生命线，但它在不同媒介中扮演的角色截然不同。本部分着重分析了当代剧作家如何面对电影对“说教式”对话的排斥。 1. “潜台词”的视觉化挑战： 舞台剧的潜台词往往通过演员的停顿、语调完成。电影则倾向于将潜台词通过视觉线索（例如，一个眼神、一个特写）直接呈现。本章对比了剧作家如何在这两种模式间进行艰难的平衡，尤其是在处理高密度的、充满哲学思辨的台词时。 2. 电影节凑对戏剧节奏的颠覆： 传统的戏剧节奏（开端、发展、高潮、收尾）在快节奏的电影叙事中常常被碎片化。本章考察了剧作家如何学习电影的“三幕式结构”或“零散叙事”，以及他们如何在保持文本内核的完整性的同时，适应观众对视听刺激的需求。 3. 类型片语境下的语言适应： 讨论了当剧作家作品被改编进入类型片（如惊悚片、西部片或科幻片）时，其标志性的、高度风格化的语言如何被“稀释”或“重构”以符合类型片既定的修辞模式。 --- 第三部分：剧作家与多媒体的合作生态 本部分将研究视角从文本本身转向创作过程，探讨剧作家在与导演、制片人和编剧室（Writers’ Room）合作时所面临的权力结构变化。 1. 从“作者主导”到“集体创作”： 戏剧创作往往是少数人主导的封闭过程；而电影和电视剧，尤其是电视系列剧，是高度工业化的集体劳动。本章分析了剧作家在面对好莱坞制片体系时，如何维护其原创愿景，以及在多大程度上需要做出妥协。 2. 剧本医生与最终剪辑权： 探讨了剧本创作中的“修改链”。许多优秀的剧作家在电影改编中，其原始文本往往被多位“剧本医生”修改，最终成品可能与其初衷相去甚远。本书通过案例分析，评估了剧作家对最终成片的控制权与其作品艺术价值之间的负相关性。 3. 电视剧集的“长篇叙事”： 特别关注剧作家在电视领域的探索，即如何将原本紧凑的戏剧结构拉伸至数十小时的内容，同时保持人物弧光的连贯性和主题的深刻性。 --- 第四部分：主题的跨媒介延伸与流变 剧作家的核心思想往往是恒定的，但它们在不同媒介中的表达方式却会随之改变。 1. 政治批判与审查制度的考量： 舞台剧在政治敏感性上拥有一定的“豁免权”，而电影在商业发行上面临更严苛的审查和市场风险评估。本章研究了某些剧作家如何调整其尖锐的社会批判，使其能够在更广泛的受众面前被接受，以及这种调整对批判力度造成的影响。 2. 人性的永恒追问与媒介的潮流： 探讨了无论媒介如何变化，一些核心的人性主题（如道德困境、爱与背叛）是如何被不同代际的剧作家所把握的。例如，某位剧作家在早期舞台剧中对“权力腐蚀”的探讨，在被改编成九十年代的惊悚片时，其视觉化处理体现了当时对后冷战时期焦虑的独特捕捉。 3. 语言风格的“数字化”适应： 分析了剧作家标志性的、高度风格化的语言（无论是简洁的、充满俚语的还是高度诗意的）在数字化高清音效和剪辑下的接受度变化。 --- 第五部分：未来的剧作图景 本书最后展望了新兴技术，如流媒体平台和沉浸式剧场（Immersive Theatre），对剧作家创作边界的进一步冲击。 研究包括： 1. 超文本叙事与互动体验： 探讨了剧作家如何开始将“观众选择”纳入文本结构，以及这种互动性对传统叙事闭环的挑战。 2. 数字文本的再定义： 随着虚拟现实（VR）和增强现实（AR）技术的发展，剧作家是否正在回归一种更接近“体验设计”而非“文字创作”的角色。 《剧本、电影与戏剧的边界》提供了一个全面、细致的分析框架，它不仅仅是对既有作品的文献回顾，更是对剧作艺术在快速变化的技术浪潮中，如何保持其文学尊严与时代相关性的深刻思考。本书适合戏剧理论研究者、影视编剧专业学生以及所有对表演艺术的媒介转换深感兴趣的读者。

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