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出版者:

作者:Wolters, Burkhard

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2006-4

价格:$ 16.89

装帧:

isbn号码:9780786649860

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 流行
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• 练习
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• 入门

摇滚乐的黄金时代：吉他手的技术与哲学 一部深入解析二十世纪中叶吉他音乐演进历程的权威著作 导言：电声的觉醒与风格的萌芽 本书并非一部简单的技术手册，而是一次对吉他——尤其是电吉他——在现代音乐史上扮演核心角色的深刻考察。我们将目光投向一个决定性的时代：从二战后初期的布鲁斯复兴，到六十年代迷幻摇滚的爆炸性崛起，再到七十年代前卫摇滚的结构性突破。在这个阶段，吉他不再仅仅是伴奏乐器，它成为了定义音乐流派、表达个体情感和进行社会评论的中心载体。 我们着重探讨的是那些塑造了现代吉他演奏的先驱者及其背后的理论基础、技术创新以及文化背景。本书试图揭示：是什么样的社会思潮、技术进步（如音箱和效果器的发展），以及演奏者的个人哲学，共同催生了那些至今仍被奉为圭臬的吉他声响。 第一部分：布鲁斯的根基与电力的引入（1940s – 1950s 初期） 现代吉他音乐的骨架，无疑建立在密西西比三角洲的布鲁斯之上。然而，要让吉他在拥挤的乐队中发出声音，电力的介入是不可或缺的。 第一章：从木头到金属——拾音器的革命 本章详述了电吉他拾音器技术的发展历程。早期的磁性拾音器设计，如哈姆巴克（Humbucker）和单线圈（Single-Coil）的出现，不仅解决了音量问题，更关键的是，它们开始赋予乐器“音色”的个性。我们会分析不同拾音器结构如何影响输出电平、高频响应和背景噪音，并探讨这些物理特性如何直接影响了早期布鲁斯推弦（Bending）和颤音（Vibrato）的表现力。 第二章：三角洲的电流化——芝加哥布鲁斯的崛起 芝加哥电布鲁斯代表了从原声到电声过渡的关键一步。聚焦于人物如穆迪（Muddy Waters）和霍林·沃尔夫（Howlin' Wolf），我们分析他们如何利用失真（Overdrive）来模拟人声的嘶哑和情感的强度。重点解析了他们对 Slide 技巧的应用，以及如何通过简单的音阶和琶音结构，构建出具有强烈叙事性的音乐段落。这部分还将探讨当时音箱（如Fender Bassman）在无意中产生的过载特性，如何成为了摇滚乐失真音色的奠基石。 第三章：节奏与独奏的界限模糊 在摇滚乐的前夜，吉他手开始在节奏（Rhythm）和主奏（Lead）之间游走。探讨了查克·贝里（Chuck Berry）的贡献——他将布鲁斯和乡村的元素熔铸一体，创造出富有活力和结构性的吉他“Riff”。这些Riff不再是简单的和弦填充，而是旋律性的、驱动歌曲前进的引擎。我们细致地解构了他标志性的双音演奏（Double Stops）和快速的单音旋律线。 第二部分：摇滚乐的爆发与音色的探索（1950s 中期 – 1960s 中期） 随着年轻一代对音乐的渴望，吉他艺术进入了一个实验性更强、技巧要求更高的阶段。 第四章：乡村的“颤音”与摇滚的“嘶吼” 本章聚焦于两位对现代吉他演奏产生颠覆性影响的人物：莱斯·保罗（Les Paul）和吉米·布莱恩特（Jimmy Bryant）。保罗不仅在技术上革新了吉他本身，他的多轨录音技术也为后来的吉他独奏层次感奠定了基础。而布莱恩特则将布鲁斯速度提升到了前所未有的水平，引入了更复杂的音阶模式和更具侵略性的拨弦技巧。 第五章：英国入侵与“和弦的几何学” 当美国摇滚乐返销英国后，它被重新诠释，并发展出更复杂、更具侵略性的风格。我们深入分析了英伦三杰（如埃里克·克莱普顿）早期对美国布鲁斯大师的致敬与超越。重点解析了他们如何利用更重的过载、更长的延音（Sustain）以及更精准的推弦力度，来赋予独奏以近乎人类尖叫的情感表达力。这部分还将对比早期英式吉他音箱（如Marshall的诞生背景）与美式音箱在音色哲学上的根本差异。 第六章：迷幻声景的构建——效果器的介入 本章的核心是效果器的物理原理及其对音乐美学的重塑。晶体管失真（Fuzz）、哇音踏板（Wah-Wah）和相位器（Phaser）的出现，使得吉他手能够创造出前所未有的声音纹理。我们不仅讨论了Jimi Hendrix如何将这些效果器作为乐器本身进行操控，还分析了这些声音技术如何与当时的迷幻文化和反主流思想相结合，共同构建出一种听觉上的“感官超载”。 第三部分：结构、速度与技术的分野（1960s 后期 – 1970s 初） 随着音乐的复杂化，吉他演奏开始走向两个主要方向：一是追求更精妙的音色和更深层次的即兴表达，二是朝着技术上的绝对精确性和速度的极限迈进。 第七章：布鲁斯的延伸与“独奏的叙事结构” 探讨了那些将布鲁斯语言拓展到更广阔音乐版图的大师，例如如何将爵士乐的和声色彩融入布鲁斯框架。分析了独奏段落如何从简单的“AABA”重复结构，演变成具有明确“引子-高潮-解决”三段式叙事结构的作品。这需要演奏者对调式（Modes）和复杂和弦替代（Chord Substitutions）的深刻理解。 第八章：硬摇滚的机械节奏与和弦的密度 硬摇滚的兴起带来了对音色厚度和节奏精准性的需求。本章分析了如何通过“双轨录音”（Double Tracking）来增强和弦的冲击力，以及“强力和弦”（Power Chords）在低频共振中的作用。我们深入解析了Riff创作中对节奏休止符（Rests）的巧妙运用，如何制造出令人难以抗拒的律动感。这部分也涵盖了吉他演奏中对右手拨弦力度控制的要求，以适应高速下的清晰度。 第九章：前卫的结构与古典的烙印 在七十年代初期，一些吉他手开始将古典音乐的结构、复杂的拍号（Time Signatures）和古典乐器演奏技巧融入摇滚乐。研究了如何将巴赫的对位法思想应用于吉他复调演奏，以及如何在保持摇滚乐情感张力的同时，驾驭如七拍子或十一拍子等非传统节奏框架。这要求演奏者不仅是摇滚乐手，更是对音乐结构有深刻洞察的作曲家。 结语：持续回响的音符 本书旨在为读者提供一个关于吉他技术、哲学与文化交织的立体视角。我们相信，理解这些先驱者如何突破工具的限制，并赋予他们手中简单的木头和金属以深刻的人类情感，是每一位渴望精进技艺的吉他学习者绕不开的功课。这些风格和技术，即便在后来的电子音乐时代，依然构成了音乐创作的底层逻辑和情感表达的基石。

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坦白讲，初次接触这本书时，我被其厚度和严谨的排版所吸引，我本以为它会像一本大学的教材一样，系统地从音阶、琶音的基础理论开始，然后循序渐进地带入到不同音乐风格的语境中去。我尤其关注那些关于**节奏型和律动感**的章节，毕竟吉他演奏的灵魂很大程度上在于你如何切分节奏，如何与鼓点完美咬合。理想情况下，我希望能看到关于**放克（Funk）切分音的精确图解**，包括闷音的力度控制以及如何通过和弦的短暂释放来创造那种“呼吸感”。另外，对于**指弹大师如Tommy Emmanuel那种复杂指法的分解教学**，我也抱有很高的期望，希望书中能提供详尽的手指位置标注和力度标记。但这本书的内容给我最大的感受是，它似乎将重点放在了**对吉他制作材料的探讨**，比如对不同木材（如桃花心木、云杉、玫瑰木）音色特性的冗长论述，以及对拾音器线圈绕法的理论分析。这种偏学术、偏硬件的深度挖掘，对于我这种更注重**现场演奏表现力**的乐手来说，简直是隔靴搔痒。它更像是一本面向吉他制作者或音响工程师的参考书，而不是一本教授“演奏风格”的实用指南，缺乏足够多的实操性练习和即兴片段。

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我购买这本书的初衷是希望它能成为我提高**布鲁斯即兴创作能力**的催化剂。我期待的是看到大量关于**调式和弦的替换技巧**，比如如何在标准的布鲁斯进行中加入借用和弦来增加色彩，以及针对不同布鲁斯速度（Slow Blues, Up-tempo Swing）的指板布局策略。我甚至希望它能包含一些关于**和声理论在即兴中的可视化应用**，让我能更好地理解音符与和弦之间的内在联系。但这本书的实质内容，却似乎把大量的篇幅用于**吉他效果器踏板的原理介绍**。它详细描述了压缩、激励、混响等效果器的内部工作机制，甚至涉及到了电子学的一些基础知识，这对于一个主要想通过指板演奏来表达自我的吉他手来说，未免过于技术化和抽象了。虽然了解硬件原理有益，但它完全没有提供任何关于**如何在即兴独奏中运用这些效果器来塑造乐句的实战案例**。这就好比教人如何制作面粉，却不教人如何烤面包，对于一个追求音乐表现力的学习者而言，这种“重理论轻实践”的倾向实在令人难以接受。

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这本书的装帧设计给我一种错觉，以为它能为我打开一扇通往**金属乐（Metal）复杂演奏技巧**的大门。我的兴趣点主要集中在**速弹的右手拨弦技巧**（如交替拨弦、扫拨的精准度训练），以及**左手大跨度和弦的指位转换**。我也期望书中能有专门的章节深入探讨**七弦或八弦吉他的低音区和弦色彩**，以及如何编写出既有侵略性又不失清晰度的失真节奏型。然而，书本的内容走得非常“温和”，似乎完全避开了摇滚和金属乐中那些充满张力的元素。取而代之的是大量篇幅似乎在讲述**乡村吉他中关于蓝草（Bluegrass）的快速分解节奏**，并且讲解得相当基础和表面化，更像是一个入门级的概述，而非深入研究。例如，它对乡村音乐中标志性的“卷弦”技巧的描述，仅仅停留在“稍微拉高音高”的层面，完全没有触及到不同调式下的卷弦规则和情感表达的细微差别。这种蜻蜓点水的处理方式，让我对这本书的“风格”定位产生了根本性的怀疑，它似乎在试图包罗万象，结果却哪一方面都没能做到深入。

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从整体来看，这本书给我的印象是**结构松散，重点不明**。我原本设想它会清晰地划分出流行、爵士、摇滚等不同“风格”的章节，每章都应提供针对该风格的**核心节奏模式、标志性音阶指型，以及至少一个由该风格大师演变而来的经典乐句分析**。例如，在爵士部分，我希望能看到关于**“II-V-I”进行时，和弦内音的选择和旋律线构建**的详细步骤，并配有大量的范例供我练习。然而，这本书更像是**一本不连贯的吉他术语词典**，各个章节之间缺乏明确的逻辑过渡。其中一章可能突然跳到**木吉他品丝高度对音准的影响**，下一章又莫名其妙地转向**早期民谣歌手的演唱风格**，与吉他演奏本身关联不大。这种缺乏聚焦的叙事方式，让我难以建立起一个系统的学习框架。最终的结果是，我读完后脑中充满了一些零散的知识点，但对于如何将它们整合起来，创作出一段连贯、有自己风格的“流行吉他”乐句，依然感到迷茫和无助，完全没有达到预期中那种“风格化”的指导效果。

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这本书拿到手里的时候，我原本是抱着极大的期望的，毕竟封面上那种充满力量感的吉他手剪影，以及那个略带复古的字体设计，都暗示着这是一本能带我深入探索吉他艺术精髓的宝典。我期待着能看到对**蓝调即兴的深度解析**，特别是那种关于推弦力度、揉弦细腻度的技术细节，最好能配上大量的音例，最好能涵盖从B.B. King到Stevie Ray Vaughan等不同流派大师的标志性乐句是如何构建和演变的。更希望它能有一章专门讨论**指弹吉他的和声编配技巧**，比如如何用基础的三和弦基础上加入色彩音（如9和13和弦）来营造更丰富的听感，也许还会涉及一些复杂的指法和右手拨弦的物理原理。然而，当我翻开前几页，我发现内容似乎更侧重于**对不同音乐史时期（比如巴洛克或浪漫主义时期）的古典吉他曲目介绍**，虽然这在音乐史的范畴内是合理的，但对于一个渴望学习现代流行或摇滚吉他技巧的实践者来说，这无疑是走偏了方向。我需要的不是历史回顾，而是如何让我的电吉他音色在舞台上更具穿透力和情感张力，而书中对效果器链的搭建、音箱的选择与调教等实战经验的描述，几乎是寥寥无几，这让我感到非常失望，这本书显然没有满足我对“流行吉他风格”这个宏大主题的期待。

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