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出版者:

作者:Nattiez, Jean-Jacques/ Puffett, Derrick (TRN)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:28.99

装帧:

isbn号码:9780521028028

丛书系列:

图书标签:

• Proust
• Music
• Literary Criticism
• Modernism
• French Literature
• Marcel Proust
• Musicality
• Literature and Music
• Art and Literature
• Cultural History

调性与形式的交响：对20世纪前期欧洲音乐美学的深度探寻 本书聚焦于1900年至1939年间，欧洲大陆上音乐观念、创作实践与听觉体验之间复杂而深刻的相互作用。这不是一部侧重于作曲家个人生平的传记合集，而是对一个特定历史时期内，音乐如何作为一种文化本体论工具，介入到哲学思辨、社会结构乃至个体感知层面的美学考察。 在“世纪末”的感伤与“一战”的断裂之间，欧洲的艺术领域经历了一场剧烈的重塑。传统建立在清晰调性结构、统一叙事和审美理想之上的音乐语言，遭到了来自内外部的多重冲击。本书旨在剖析这种冲击如何催生出新的听觉范式与批判性理论。 第一部分：从印象主义的消散到新古典主义的回归 本部分首先回溯了德彪西和拉威尔在世纪之交所确立的“印象主义”美学的最终形态——那些以色彩、光影和瞬间感知为核心的音乐织体。我们研究其如何利用和声的模糊性与音色的细微变化，挑战了瓦格纳以来的宏大叙事传统。 随后，我们将重点转向一战后欧洲艺术界普遍出现的“回归秩序”的思潮，即新古典主义的兴起。这本书详尽考察了斯特拉文斯基在《普尔钦奈拉》之后，如何通过对巴洛克和古典时期形式的“引用”（Quotation）与“重构”（Reconstruction），构建了一种既熟悉又陌生的音乐逻辑。这并非简单的复古，而是一种对既定结构（如奏鸣曲式、协奏曲结构）的解构与重塑，旨在从中汲取一种更具“客观性”和“非个人化”的表达力量，以对抗浪漫主义泛滥的情感投射。我们深入分析了这一时期作曲家对“音乐本身”（L’art musical）的强调，以及他们如何试图将音乐从文学或戏剧的依附地位中解放出来。 第二部分：无调性革命与十二音体系的建构 本书的核心章节之一，献给了阿诺德·勋伯格及其追随者——贝尔格和魏恩贝格——在维也纳所进行的彻底的“无调性”革命。我们不仅梳理了从晚期浪漫主义（如《夜晚的赞美诗》）到自由无调性的演变路径，更着重分析了“十二音技法”的理论基础及其在实践中的挑战。 我们探讨了该技法的数学严谨性与审美体验之间的张力。十二音体系试图通过严格的音高组织来取代调性中心的主导地位，从而实现一种理论上的“平等主义”——所有音高获得同等的机会。本书通过对数部关键作品（如勋伯格的组曲与协奏曲）的细致乐谱分析，展示了作曲家如何在既定的序列规则下，依然寻求可被感知的美感和结构清晰度。这涉及对“音组”（Set）的排列、对位处理，以及如何在使用完全非传统的材料时，仍需依赖听众对“形式感”的期待。 此外，本书也审视了这些激进的音乐探索如何与当时的哲学思潮（如现象学和早期存在主义的萌芽）产生共鸣，即关注个体在失去传统信仰体系后的内在结构。 第三部分：跨越疆界的实验与民族身份的重塑 20世纪20年代，欧洲音乐版图的扩张不仅仅是风格的交汇，更是对“欧洲中心论”的审视。 东欧的脉动： 我们详细考察了雅纳切克在捷克音乐中对自然语言的韵律、民间调式以及强烈的心理现实主义的融合。雅纳切克的音乐语言，看似原始而直觉，实则蕴含着一种对传统和声语汇的深刻批判，它试图捕捉生命瞬间的非对称性与情感的直接冲击。 法西斯体制下的音乐： 另一关键议题是音乐如何被政治意识形态所利用或压制。在意大利，我们考察了“噪音音乐”的先行者（如鲁索洛）在战后对未来主义的承诺，以及这种前卫实验如何在墨索里尼政权下遭遇的矛盾处境——既被吸引于其对力量和现代性的推崇，又因其反传统的破坏性而被警惕。 俄国的转变： 即使在俄国革命后的初期，音乐的先锋性依然占据重要地位。本书探讨了在苏维埃体制确立初期，如谢库辛斯基和某些早期的结构主义者如何试图用“音乐工程学”来服务于新的社会目标，以及这种努力如何最终让位于更具“可接受性”的社会主义现实主义。 第四部分：听觉的边缘与录音技术的介入 在20世纪前三十年，技术进步开始深刻影响音乐的制作与消费方式。本书不再将录音视为对现场表演的简单记录，而是将其视为一种新的创作媒介。 我们分析了录音技术如何促使作曲家思考声音的物理属性本身，而非仅仅是音高和节奏。这包括对不同乐器音色的极致榨取，以及对非传统乐器和噪音的纳入。通过对早期实验性录音的考察，我们看到作曲家开始将录音带作为一种可供编辑、剪切和叠加的“声学原材料”。这种对声音物质性的关注，为战后电子音乐的兴起埋下了伏笔。 总结： 《调性与形式的交响》旨在描绘一个充满矛盾、活力与深刻转型的时代。在这个时期，音乐家们被迫在坚守审美价值与拥抱时代剧变之间做出抉择。他们既试图用逻辑（十二音）来对抗混乱，也试图用直觉（民间音乐、噪音）来反击僵化。最终，他们留下的遗产是：音乐不再是单一真理的载体，而是一个多元、冲突且不断自我否定的艺术领域。本书对这些复杂的内在张力进行了细致入微的梳理与辩证分析。

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这本书的整体气场是内敛而深刻的，它没有为了吸引眼球而使用任何夸张或耸动的语言。它的力量来自于其观点的深度和作者思考的持久性。读完一些篇章后，我发现自己并不能立刻将书本合上，而是需要留出几分钟时间，让那些新接触到的概念在脑海中回旋、沉淀。这种“余韵悠长”的效果，是衡量一部优秀非虚构作品的重要标准。它没有提供简单的答案，而是提供了一套精密的提问框架，引导读者重新审视自己原有的认知盲区。这种潜移默化的影响，远比直接灌输的知识更具持久的价值。这本书与其说是在“告知”信息，不如说是在“重塑”读者的思维习惯，它要求读者放慢速度，用心去感受字里行间蕴含的深厚学养和时间沉淀下来的智慧结晶。

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这本书的章节标题设置得极为巧妙，它们并非是枯燥的概括性短语，而是更像是散文中的小标题，充满了暗示性和文学色彩。阅读这些标题，本身就是一种审美体验。它们像是一系列的谜题，激发着读者对于即将展开内容的想象和好奇心，迫使你在阅读之前就进行某种程度的预设和猜测。例如，一个标题或许会用一个看似不相干的意象来指代某个复杂的理论转变点，这种“以小见大”、“借代”的修辞手法，贯穿了全书的结构设计。这种文学化的结构布局，有效地避免了学术书籍常见的板刻感，使得即便是处理高度专业化的主题时，也保持了一种可亲近性和探索的乐趣。它在结构上打破了传统的线性叙事桎梏，更像是一个精心布置的迷宫，每个拐角都有惊喜在等待着。

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我不得不说，这本书的叙事节奏掌握得非常高明，虽然内容涉及复杂的理论探讨，但作者似乎深谙如何引导非专业读者进入其构建的世界观。它不像某些学术著作那样横冲直撞，而是采用了一种迂回而富有诗意的方式，逐步铺陈观点。每一次章节的转换，都像是一次精心编排的乐章的转调，既保留了原有主题的张力，又引入了全新的视角，让人在不知不觉中就接受了新的信息结构。尤其是一些段落的处理，句子长短不一，语气时而磅礴，时而低回，这种语言上的动态平衡，使得即使是面对一些艰涩的概念，阅读过程也充满了流动的愉悦感。它没有刻意去迎合大众的口味，但其内在的逻辑美感和语言的韵律感，自然而然地产生了一种强大的吸引力，让人情不自禁地想要跟随作者的思维轨迹，去探索更深层的含义。这种对阅读体验流畅性的极致追求，值得所有文字工作者借鉴。

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这本书在引述和参考资料的处理上，展现出一种近乎苛刻的严谨性。我注意到，它在每一个重要的论断后，都提供了详尽的脚注或尾注，并且这些注释本身也极富信息量，常常包含了作者对原始文献的独到见解，而非简单的信息堆砌。这种“脚注即副文本”的结构，极大地丰富了阅读的层次，使得那些愿意深入挖掘背景的读者，可以从中获得远超正文内容的知识增量。相比于那种只标注出处却毫无解释的“学术炫技”，这本书的处理方式显得更加尊重读者的智力投入，它提供了一个坚实的知识基座，让读者可以放心地跳跃到更具思辨性的层面上去思考问题。这种对基础工作的重视，为整本书的论证提供了不可动摇的权威性，也让读者在阅读过程中感到无比踏实和信赖。

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这本书的装帧设计本身就透露着一股沉静而内敛的气质，那种略带粗粝感的米白色封面，配合着烫金的字体，像极了某种老旧的、但保存完好的乐谱集。初次翻开时，我被其中精妙的排版和字体的选择所吸引，看得出出版方在细节上的用心。这本书的纸张质量上乘，拿在手里有一种扎实的触感，翻阅时不会产生廉价的沙沙声，而是带着一种温和的摩擦感，仿佛在阅读一份珍贵的信件。内页的留白处理得非常得当，给予文字呼吸的空间，使得长篇的论述也不会显得拥挤和压抑。虽然我尚未深入内容，但仅从物理层面上看，它已经成功地建立了一种与读者进行严肃对话的基调。这种对实体书体验的重视，在如今这个快餐阅读时代显得尤为可贵，让人忍不住想找一个阳光充足的午后，泡一杯浓茶，慢慢地、郑重地去品味它。它不只是知识的载体，更像是一件值得收藏的艺术品，它的存在本身就构成了一种对“慢阅读”的倡导与实践。

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