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作者:Not Available (NA)

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页数:151

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出版时间:2003-10

价格:$ 16.89

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isbn号码:9780634061776

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图书标签:

• 吉他
• 12弦吉他
• 音乐
• 乐器
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弦音秘境：探寻十二弦吉他的和声宇宙 图书简介 本书并非关于十二弦吉他的技术手册，亦非其历史沿革的枯燥罗列。我们旨在引领读者进入一个由十二根琴弦编织而成的独特听觉领域——一个在传统六弦世界中难以企及的声学空间。这本书的核心在于和声的拓扑学、共鸣的物理学以及音乐情感的结构性表达。我们将通过深入的案例分析和理论推演，揭示十二弦吉他如何通过其特有的复弦配置，重塑我们对音色、织体和空间感的认知。 --- 第一部分：复弦的哲学与声学基础 第一章：超越倍增：十二弦的本质与目的 十二弦吉他并非仅仅是六弦吉他的简单复制，它是一种音高叠加与共振调和的乐器设计。本章将细致剖析复弦系统的设计原理——为何使用八度或同音调弦？这不仅仅是为了增加音量。我们将探讨复弦之间由于轻微的频率差异和泛音交叠所产生的“颤动”（Beating）现象，并将其视为一种有益的音色调制手段，而非失真。我们将援引傅科摆的理念，将这种持续的、内部的微小运动视为“声学惰性”，它赋予了每个音符一种天然的、持续的“呼吸感”。 第二章：空间感的构建：十二根弦上的残响理论 传统吉他音箱的声学设计是为单音或三和弦的清晰度服务的。而十二弦吉他由于其密集的泛音结构，对共鸣箱体提出了截然不同的要求。本章将引入“声学织体密度”的概念。当十二根弦同时振动时，产生的能量波形远比六弦复杂。我们将分析如何通过特定的木材选择和内部支撑结构（Bracing），来管理这些能量，确保高频的“闪光感”（Shimmer）不会淹没中低频的“厚度感”（Body）。我们不讨论如何演奏，而是讨论乐器本身如何“选择”它要反射的声音。 --- 第二部分：和声的拓扑学：如何在复弦空间中导航 第三章：和弦的几何学：从三角到十二面体 在六弦吉他上，一个开放的C大和弦是一个平面结构。在十二弦上，由于八度和同音的加入，这个结构被提升到了一个多维空间。本章将运用拓扑学工具，将和弦的指型视为一个可延展的“连接图”。我们将探讨在低把位，十二弦如何形成一种“和声迷宫”：一个音符的低音基础被其上方的八度声部所包围和支撑，创造出一种“内部回声”的效果。我们会详细分析，当指型移动时，这个“迷宫”是如何平滑过渡的，而非突兀的音色断裂。 第四章：旋律线的解耦与重构：听觉分离的艺术 十二弦吉他最常被误解的用途是充当伴奏。本书认为，它的真正潜力在于旋律与织体在同一时间轴上的复杂交织。本章将聚焦于“频率分层”。通过对比听觉实验，我们将展示听者如何在大脑中自动将十二弦产生的音流分离成两条或三条平行的旋律线——一条是核心的八度低音，一条是高频的装饰音。我们将分析作曲家如何利用特定的指法（例如，只在某些对弦上拨弦），实现这种“听觉的隐形分割”，使得听众感受到多位演奏者同时演奏的效果。 --- 第三部分：动态与表达：超越音量的表象 第五章：指尖的微压：控制颤音的力度曲线 在传统演奏中，力度控制主要影响音量。在十二弦上，力度控制直接影响“共鸣的粘性”。本章将深入探讨拨片与指甲接触琴弦瞬间的微观物理。一个缓慢、深入的拨弦动作，会让八度对弦的相位关系在极短时间内发生变化，从而产生一种类似于管弦乐器渐强渐弱的“内部颤音”。我们将通过频谱分析图展示，强力拨奏与轻柔拨奏在泛音衰减速率上的本质区别，以及这种区别如何转化为听觉上的“情绪张力”。 第六章：不协和的调和：十二弦上的色彩与张力 许多复杂的和声（如九和弦、十一和弦）在六弦吉他上听起来可能过于拥挤或模糊。十二弦吉他凭借其内在的倍频，却能将这些复杂的张力音（Tension Notes）清晰地展现出来。本章将研究“音程的视觉化”。例如，一个增四度音程，在十二弦上，由于其八度对弦的存在，其不和谐感被转化为一种“结构性的不安”而非纯粹的刺耳。我们将分析特定作曲家如何利用这种乐器的特性，在和声的边缘游走，创造出既稳定又充满未解决期待的听感。 --- 结语：聆听未见的声场 本书的目的，是让读者不再仅仅将十二弦吉他视为一种“更响”或“更丰富”的吉他。我们邀请您将它视为一个声学实验室，一个可以精确控制和观察复音共振的微观世界。理解其背后的物理和结构逻辑，将帮助您在聆听任何涉及这种乐器的音乐时，都能捕捉到那份隐藏在表象之下的，由十二根弦共同呼吸所形成的深邃回响。 推荐读者： 热衷于声学物理、和声理论深度研究，以及对乐器设计与听觉感知交叉领域感兴趣的音乐人与学者。本书不包含任何基础的指法或曲谱教学。

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天呐，我终于读完了这本关于指弹吉他的史诗巨著！《指弹吉他的艺术与技巧》这本书简直是为所有渴望精进技艺的吉他手量身定做的圣经。从最基础的拨弦力度控制，到复杂的击弦和勾弦技巧，作者都用近乎手把手的温柔，将那些原本晦涩难懂的理论拆解得清晰无比。我尤其欣赏它在不同风格流派间的穿梭自如，无论是偏向古典的细腻琶音，还是充满力量的蓝调推弦，书中都提供了详尽的乐谱示例和演奏示范分析。光是关于右手独立性和左手换把顺滑度的那一整章，我就反复研读了不下五遍，其中的练习方法极具创新性，让我这个困扰多年的瓶颈期瞬间找到了突破口。作者对于音色塑造的独到见解更是令人醍醐灌顶，他强调的不仅仅是“弹响”音符，而是如何让每个音符在空气中“呼吸”和“消散”，这种对音乐哲学的探讨，让这本书超越了单纯的技术指南，升华为一种艺术修养的提升手册。如果你觉得自己的吉他演奏停滞不前，迫切需要一次全面的“技术体检”和“灵感注入”，那么这本书绝对是你书架上不可或缺的镇山之宝。

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这本书的装帧设计和排版简直是教科书级别的典范，我作为一个视觉工作者，对它的细节处理深感敬佩。《现代和声分析与应用实录》这本书，不仅仅是理论的堆砌，它更像是一次沉浸式的音乐考古之旅。作者没有采用那种枯燥的、纯数学公式般的和声推导，而是通过大量横跨巴洛克到爵士乐黄金时期的经典曲目作为案例，将那些复杂的七和弦、九和弦、甚至是增六和弦的色彩变化，以图示和听觉化的方式完美呈现。比如，它对拉威尔和声的解析部分，生动地展示了如何用“非功能性”的和声进行来营造迷离的听觉画面感，这对我个人在编曲时拓宽色彩空间有着决定性的影响。而且，本书在“实践应用”这一块做得极其到位，它不只是告诉你“这是什么”，更关键的是告诉你“如何在你的作品中有效使用它”，附带的配套音频文件，清晰地演示了正确和错误使用和声进行的区别，简直是天才之举。读完后，我感觉我对音乐的“骨架”有了全新的认知，那些曾经让我头疼的和弦进行，现在都变得逻辑清晰，了然于胸。

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我必须要吐槽一下《电子音乐制作：从零到专业》这本书的封面设计，它充满了九十年代复古科技的粗粝感，但内容却极其与时俱进，这种反差感让人欲罢不能。这本书的重点非常明确，它聚焦于声音设计和合成器的深度挖掘，完全避开了那些泛泛而谈的“如何出名”的心灵鸡汤。作者用极大的篇幅详述了减法合成、加法合成以及波表合成的工作原理，配上清晰的参数图解，即便你是一个刚接触合成器的菜鸟，也能迅速建立起对声音“雕塑”的基本概念。我最喜欢的是其中关于“自动化（Automation）”的章节，它讲解了如何通过精细的参数变化来赋予声音生命力，不仅仅是简单的音量推子运动，而是对滤波器截止频率、LFO 速率等进行同步调制，创造出复杂的声场移动。读完这本书，我立刻去打开了我的DAW软件，尝试着复刻书中的几个经典音色，惊喜地发现，以前听起来扁平的声音，现在突然有了深度和动态。这本书是给那些真正想了解“声音是如何被制造出来”的制作人的，绝对是干货满满，毫不注水。

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对于一个常年被古典音乐理论束缚的乐迷来说，《即兴创作的自由边界：从布鲁斯到爵士乐的内化之路》这本书简直是一剂强心剂。它彻底颠覆了我对“规则”的恐惧。作者的写作风格非常个人化，充满了激情和鼓励，读起来完全不像是在学习，更像是在听一位经验丰富的前辈在炉边分享他闯荡江湖的秘籍。本书巧妙地将布鲁斯音阶、调式和弦（Modal Interchange）的运用，以及如何构建一个流畅且引人入胜的独奏段落进行了无缝衔接。书中有一个核心概念是“倾听与回应”，强调即兴不是胡乱跑音符，而是对乐队其他成员声音的实时对话。为了帮助读者掌握这种“对话感”，作者设计了一系列循序渐进的练习，比如“限制音符练习”和“和弦根音锁定练习”，这些方法非常实用，能迅速将听觉训练和指板记忆结合起来。看完这本书，我感觉自己不再是拿着乐谱的匠人，而是拥有了表达自己内心声音的发言权。它真正做到了将理论转化为可以立即在舞台上释放的能量。

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《世界传统打击乐器与节奏原理》这本书的厚度和内容密度，让我感觉像是在进行一次跨越大陆的文化苦旅，但收获却是难以估量的宝藏。它最震撼我的地方在于其跨文化的广度和深度。作者显然花费了数十年时间游历世界各地，从西非的杜姆杜姆鼓到古巴的康加，再到印度的塔布拉，每一个乐器都有详细的历史渊源、制作工艺乃至祭祀功能。这本书没有过多地聚焦于“如何弹奏”，而是更侧重于“节奏背后的哲学”。比如，书中对非洲复节奏（Polyrhythm）的解析，不仅仅是数学上的二对三或三对四的叠加，而是深入阐述了这种节奏结构如何反映了当地的社会结构和宇宙观，这极大地拓宽了我对“音乐”本身的理解边界。当我阅读到关于印度拉加（Raga）体系中节奏循环（Tala）的复杂性时，我不得不暂停下来，去思考我们习以为常的四四拍的局限性。这本书无疑是为音乐人类学家、作曲家和所有渴望打破地域音乐偏见的人士准备的，它教导我们用更宽广的视角去聆听地球上的每一种振动。

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