Love That Movie Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Alfred Publishing 编

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:2005-10

价格:$ 19.15

装帧:

isbn号码:9780757940828

丛书系列:

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• 电影音乐
• 配乐
• 电影原声
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• 电影爱好者

电影音乐的恢弘史诗：一部探索声音与视觉交织艺术的深度论著 《银幕上的交响：电影配乐的百年变迁与艺术革新》 作者： 艾德里安·霍华德 (Adrian Howard) 出版社： 蓝珀艺术评论出版社 出版日期： 2024年10月 --- 内容简介： 《银幕上的交响：电影配乐的百年变迁与艺术革新》并非仅仅是对某部特定电影音乐（例如《Love That Movie Music》所涵盖的特定主题或曲目）的简单梳理或赞颂。相反，这部厚重的学术专著，旨在提供一个宏大、深入且具备批判性视角的框架，用以解析电影配乐艺术自诞生以来，如何与电影制作技术、叙事结构、文化思潮以及音乐本体论进行复杂而富有张力的互动与发展。 本书耗费十年时间精心撰写，汇集了对早期默片时代配乐实践、好莱坞黄金时代的管弦乐传统、欧洲先锋派对音景的探索，以及当代电子乐与采样技术如何重塑我们听觉体验的全面考察。我们拒绝碎片化的回顾，而是致力于描绘一条清晰的脉络，追踪音乐在视觉媒介中从附属品演变为核心叙事驱动力的历史进程。 第一部分：寂静中的呼唤——电影音乐的胚胎期与早期实验 (1895-1930) 本部分首先探讨了电影技术诞生之初，音乐在“无声”电影中扮演的至关重要却常被忽视的角色。我们详细考察了早期影院为适应影片内容而进行的现场配乐实践，从简单的钢琴伴奏到复杂的交响乐团改编。重点分析了《国家诞生记》等早期史诗级作品如何利用现存古典音乐的“情感词汇表”来构建道德和情绪框架。我们尤其关注了那些试图建立原创电影音乐范式的早期作曲家，如约瑟夫·卡尔·布雷姆（Joseph Carl Breil）的开创性工作，以及音乐对早期叙事节奏和观众情绪引导的心理学机制。本章着重于“功能性音乐”如何悄然积累其艺术语汇。 第二部分：金色的法则——管弦乐的巅峰与好莱坞的定型 (1930-1960) 随着有声电影的全面普及，电影配乐进入了其最受推崇的“浪漫主义”阶段。本部分深入剖析了Max Steiner、Erich Wolfgang Korngold、Alfred Newman等奠基人如何将欧洲浪漫主义晚期管弦乐手法与好莱坞的工业化制作流程相结合。我们不再将配乐视为背景噪音，而是将其视为与摄影和剪辑同等重要的叙事元素。 书中详细解析了“主题化”（Thematic Development）的复杂运用，即如何通过特定旋律动机（Leitmotif）来标记角色、地点或抽象概念，并追踪这些动机在影片不同阶段的演变和冲突。我们通过对《乱世佳人》、《卡萨布兰卡》等经典案例的细致乐谱分析，揭示了巴赫式的对位法、瓦格纳式的象征主义是如何被系统地融入到大众娱乐的框架之中的。此外，本章也探讨了这一时期配乐如何被文化审查制度和制片厂的艺术偏好所规训和塑造。 第三部分：反叛的音符——新浪潮与音乐的解放 (1960-1980) 当电影艺术本身开始质疑既有的叙事传统时，电影音乐也经历了剧烈的结构性动荡。本部分聚焦于1960年代后，作曲家们如何打破斯泰纳式的“满铺”配乐模式，转而探索更具实验性、更少调性的声音景观。 我们详细研究了Bernard Herrmann在希区柯克后期作品中对极简主义和不协和音的使用，探讨了Ennio Morricone如何运用非传统乐器、人声和环境录音来构建具有强烈地域色彩和哲学意味的听觉世界（特别是在与赛尔乔·莱昂内的合作中）。更重要的是，本章分析了摇滚乐、爵士乐以及电子合成器如何首次被主流电影工业认真接纳，并探讨了这种融合如何挑战了“管弦乐至上”的传统观念。 第四部分：电子脉冲与采样迷宫——技术驱动的后现代配乐 (1980至今) 进入后现代语境，数字技术彻底改变了电影配乐的创作、录制和发行方式。本部分着重探讨了合成器、采样技术和数字音频工作站（DAW）如何模糊了“作曲家”与“音效设计师”之间的界限。 我们审视了John Williams如何在他标志性的复古管弦乐风格中巧妙地嵌入现代合成器纹理，以及Hans Zimmer等作曲家如何通过创造宏大、节奏驱动的“音景”来服务于动作片和科幻巨制。书中对“配乐的模块化生产”进行了批判性考察，探讨了技术进步在解放创造力的同时，是否也带来了音乐同质化的风险。我们通过分析多部当代大片的音轨，辨析了“情感速成”（Emotional Short-hand）配乐手法，以及它对观众主动参与叙事体验的影响。 第五部分：理论与未来——超越听觉的边界 本书的最后一部分提升到理论层面，探讨了电影音乐的本体论地位。我们引入了现象学、符号学和媒介理论的工具，以分析声音如何“构造”屏幕上的空间感和时间感。 本章跨越了纯粹的音乐分析，进入了跨学科的研究领域：探讨了电影配乐中的性别表征（女性作曲家的历史缺席与当代崛起）、全球化对地方音乐元素（如世界音乐）的挪用与规约，以及沉浸式音频技术（如杜比全景声）对未来电影体验的预示。 核心论点： 本书坚信，电影配乐艺术的价值不在于其是否服从于视觉，而在于其在反抗与共谋的张力中，如何建立起一个独立于画面的、具有强大情感说服力的平行结构。它是一部关于声音如何定义意义的编年史。 适合读者： 电影研究学者、音乐学院学生、专业电影配乐师、历史爱好者以及所有对声音艺术与视觉叙事交汇点抱有深厚好奇心的读者。

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这本书的优点在于它的“非主流”视角，它拒绝讲述那些已经被无数次复述的伟大传奇，而是聚焦于那些“幕后英雄”——那些为特定场景创作出点睛之笔，却常常被大众遗忘的音乐设计师。作者的文字带着一种深沉的敬意，去挖掘那些为小成本电影、实验短片、甚至某些纪录片贡献了非凡听觉体验的艺术家。我印象最深的是其中一篇文章，专门讲述了如何利用老式模拟合成器来模拟“未来感”的声音，以及这种模拟声音与数字合成音效之间的哲学差异。它探讨了技术进步对艺术表达的限制与解放。这本书的语言风格相对散文化，更注重描绘创作时的心境和现场感，读起来有一种沉浸式的体验，仿佛能闻到录音棚里焊锡的味道，听到混音师在耳机里发出的叹息。它教会我，好的配乐，是能够在没有画面时，依然能独立支撑起一个完整的情感世界。这本书不仅仅是关于电影音乐的，它更是一本关于如何用声音讲述故事的艺术札记，它让那些被忽略的声响，重新回到了聚光灯下。

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老实讲，我买这本书主要是冲着那些关于动作片和惊悚片配乐的章节去的，我总觉得这些类型的音乐最考验作曲家的功力，需要在肾上腺素飙升的同时，还要保持音乐的艺术性。这本书果然没有让我失望，它对节奏的把握、对“噪音”的运用简直是教科书级别的讲解。特别是关于如何用不和谐音程制造持续的紧张感，以及如何通过低频的震动来暗示潜藏的危险，书中都有非常清晰的配乐示例和技术解析。我特别喜欢它对某个经典追逐场景的拆解，作者细致地分析了每隔五秒钟，配乐的乐器组合和速度如何进行一次微调，以匹配画面中角色的体力变化和心理状态。这种细致入微的分析，让原本看一百遍都不会腻的动作场面，又焕发出了新的生命力。而且，书中还附带了一个非常详尽的在线资源链接，里面收录了许多书中提到的关键配乐片段，可以直接点击收听对比，大大增强了阅读的互动性和实用性。对于想学习如何用声音来操纵观众情绪的年轻创作者来说，这本书的价值无法估量。

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这部电影配乐的合集，简直是为我这种老派乐迷量身定做的。翻开目录，首先映入眼帘的那些经典老片的标题，就足够让人心头一紧，仿佛能闻到老胶片特有的味道。书中对那些黄金时代的管弦乐编排分析得极其透彻，每一个音符、每一个变调背后蕴含的导演意图都被挖掘得淋漓尽致。我尤其欣赏它对约翰·威廉姆斯早期作品的解读，那种还未完全定型却已显露出大师风范的时期，书里通过乐谱的对比和不同版本的录音差异进行讲解，让一个只是喜欢听音乐的人，也能领略到作曲家在创作过程中的挣扎与突破。它不像一般的乐评那样高高在上，而是像一个老朋友在耳边轻声细语，分享着那些不为人知的幕后故事，比如某个关键场景的配乐原本想用另一种风格，但最终因为某种临时的灵感碰撞才成就了永恒的经典。阅读过程中，我好几次放下书，戴上耳机，重新去感受那些熟悉的旋律，这次带着“内幕知识”去听，体验简直是天壤之别，仿佛电影场景就在眼前重新上演。对于那些热衷于研究电影叙事结构与音乐如何完美咬合的深度影迷来说，这本书绝对是案头必备的工具书，它提供的不仅仅是知识，更是一种全新的观影视角。

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这本书的叙事风格，怎么说呢，更像是一本音乐人类学考察报告，而不是传统意义上的乐评集。它着重探讨了不同文化背景下，电影音乐如何被本土化，以及好莱坞的音乐语言是如何渗透并改变全球电影工业的。例如，书中有一段对比分析了日本传统能剧中的哀乐元素如何被融入到某部科幻片的配乐中，用以营造一种科技冷漠下的宿命感，这个角度非常新颖。作者的论证逻辑严密，引用了大量的音乐学理论支撑，但语言却出乎意料的流畅易懂，没有那种晦涩难懂的术语堆砌。我个人比较推崇它对“声音设计与配乐界限模糊化”的讨论。在现代电影制作中，音乐和音效的界限越来越难以划分，这本书清晰地梳理了这种融合的趋势，并探讨了这种趋势对未来电影听觉体验的深远影响。我感觉自己不只是在阅读音乐知识，更像是在参与一场关于声音艺术的严肃对话。它会促使你反思，你所感受到的“情绪”，究竟是画面带来的，还是潜意识里被音乐引导的结果。

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说实话，我一开始对这本书的期望值并不高，毕竟市面上关于电影音乐的书籍太多了，大多都是蜻蜓点水、流于表面。然而，这本书的后半部分，特别是关于独立电影和非英语片配乐的章节，彻底颠覆了我的看法。它居然能深入挖掘到那些在主流奖项中常常被忽视的优秀作品，比如某个东欧艺术电影中那段极简主义的钢琴独奏，是如何通过音色的选择来烘托主角内心的荒芜感。作者显然花了大把时间在世界各地搜集资料，引用了许多第一手访谈，甚至包括一些早已隐退的作曲家的手稿细节。这种广度和深度在同类书籍中是极为罕见的。我特别喜欢它讨论“失语”场景配乐的技巧，那种音乐戛然而止或仅仅是环境音效被放大到极致的处理，这本书给出了非常犀利且富有说服力的分析。它让我意识到，最伟大的配乐不一定是那些气势磅礴的主题曲，而恰恰是那些在最微妙时刻出现，却能牵动观众最深层情感的“背景之声”。这本书的排版也做得很有格调，大量使用了黑白照片和手写注释的扫描件，阅读起来有一种探索尘封宝藏的乐趣。

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