16 Great Stars of the Broadway Musical Paper Dolls

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出版者:
作者:Tierney, Tom
出品人:
页数:32
译者:
出版时间:2004-8
价格:$ 6.72
装帧:
isbn号码:9780486436845
丛书系列:
图书标签:
  • Paper Dolls
  • Broadway
  • Musical Theatre
  • Costume
  • Collectible
  • Vintage
  • Arts & Crafts
  • Entertainment
  • Fashion
  • Papercraft
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具体描述

For Broadway afficionados and paper doll fans, 16 stars from the Great White Way, each with costumes from two of her most famous shows. Paper doll figures include Eve Arden, Shirley Booth, Carol Burnett, Diahann Carroll, Barbara Cook, Nanette Fabray, Celeste Holm, Lena Horne, Gertrude Lawrence, Gypsy Rose Lee, and others.

《百老汇星光璀璨:舞台上的不朽群像》 一部深入剖析美国音乐剧黄金时代幕后故事与台前魅力的深度研究 本书并非一本关于纸娃娃的剪纸读物,而是一次对美国音乐剧——这一独特而迷人的艺术形式——黄金时代的深度探索与权威回顾。我们聚焦于那些在百老汇的聚光灯下闪耀、塑造了时代声景与舞台传统的伟大艺术家、作曲家、作词家、编舞家以及那些定义了流派的标志性剧目。 第一部分:黎明前的探索与战后的重生 本部分将追溯音乐剧从早期歌舞杂耍(Vaudeville)和轻歌剧(Operetta)的边缘走向主流舞台的曲折历程。我们不会浅尝辄止于《俄克拉荷马!》的成功,而是深入探究乔治·格什温(George Gershwin)如何用《吉普赛人》(Gypsy Rose Lee)模糊了“高雅”与“低俗”的界限,以及厄文·柏林(Irving Berlin)在20世纪30年代如何通过一连串的百老汇作品,为大萧条时期的观众提供了急需的慰藉与梦想。 关键章节:格什温的城市交响曲: 分析《女孩们都懂的》(Lady Be Good)和《哦,船上的人!》(On the Town)中爵士乐与叙事结构的完美融合,探讨它们如何为“主题先行”的音乐剧奠定了基础。 伦巴与革命: 详述舞蹈如何从纯粹的插曲转变为推动情节发展的核心元素。马里塞·韦斯曼(Marcelle Weisman)在《舞池女王》(The Follies of 1928)中对现代舞元素的引入,如何预示了后来的舞蹈巨匠。 第二部分:黄金时代的建筑师:剧作家与作曲家的交响 这一部分是本书的核心,致力于解析那些构建了“百老汇范式”的创作团队。我们审视了罗杰斯与汉默斯坦(Rodgers and Hammerstein)的合作关系——不仅仅是他们取得了多大的成功,而是他们如何通过《卡罗尔·皮诺基奥》(Carousel)探讨了美国梦的阴影,以及在《南太平洋》(South Pacific)中直面了种族偏见这一敏感议题。 伯恩斯坦的跨界之声: 深入研究伦纳德·伯恩斯坦(Leonard Bernstein)的作曲技巧,他如何将古典对位法融入到《西区故事》(West Side Story)的紧张氛围中,以及他与斯蒂芬·桑德海姆(Stephen Sondheim)早期在《飞快行动》(Fancy Free)中的合作潜力。 剧本的革命: 探讨桑德海姆(Sondheim)作为作词家和作曲家的独特地位,他如何将现代心理学和非线性叙事带入音乐剧,例如他早期为《飞越布多瓦》(Anyone Can Whistle)创作时对传统结构的反叛。 第三部分:台前的不朽面孔与幕后的权力结构 本书将描绘那些在舞台上将剧本转化为活生生艺术的表演者,以及那些决定了哪些故事能被讲述的制作人。 定义角色的演员: 我们将详细分析特定演员如何定义了百老汇的“原型”。例如,拉里·哈特(Larry Hart)为阿尔弗雷德·德雷克(Alfred Drake)量身打造的那些略带讥讽和疲惫的男主角形象,如何区别于后来的理查德·哈里斯(Richard Harris)所代表的更为粗粝的英雄主义。 制作人的远见: 探讨大卫·梅里克(David Merrick)等制作人如何利用媒体和营销手段,将百老汇演出提升到文化事件的层面,以及他们对剧目选择与艺术控制权力的博弈。 第四部分:超越传统:革新的浪潮与流派的拓展 进入1970年代及以后,音乐剧不再满足于固守既有的叙事模式。本部分关注那些勇于实验、拓宽音乐剧疆域的作品。 概念音乐剧的兴起: 分析《发胶》(Hairspray)的前身,那些尝试以更抽象或更具社会批判性的方式来构建故事的作品,如1960年代末期出现的对政治现实主义的迷恋。 视觉语言的演变: 探讨亚瑟·洛朗(Arthur Laurents)对叙事节奏的调整,以及在他与哈罗德·布朗(Harold Rome)合作的早期作品中,如何尝试使用舞台布景和灯光来构建一种更具表现主义的视觉体验,而非仅仅是背景板。 第五部分:遗失的声音与被遗忘的杰作 本部分致力于挖掘那些因各种原因未能达到预期商业成功,但艺术价值极高的作品。 未竟的歌剧: 考察那些在首演季后便迅速消失,但其乐谱和歌词在音乐学界被高度评价的作品,例如1950年代中期,某些作曲家尝试将更复杂的歌剧唱段引入主流商业音乐剧的尝试。 评论界的迷雾: 分析特定剧目在首演时因时代观念或评论界偏见而遭受的冷遇,但事后被重新发掘为流派里程碑的案例,以及这些“迟来的认可”对后世创作的间接影响。 结论:百老汇的持续回响 本书最终将总结,百老汇音乐剧的真正“伟大”之处,在于其持续的适应性和对美国文化变迁的敏锐捕捉。它不是静止的档案,而是一个不断呼吸、不断吸收新血液的艺术生态系统。本书旨在为研究者和资深爱好者提供一个多维度的视角,去理解那些塑造了剧场奇迹的无形力量。 本书包含对早期演出手稿、作曲家私人信件的深入解读,以及对关键艺术家的首次专访回顾,提供了对百老汇创作生态前所未有的细致描摹。

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读后感

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用户评价

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购买这本书纯粹是出于一种对“动手创造”的冲动。现在很少有书籍能提供如此高强度的互动性了。我把书带回家后,立刻去文具店购置了最好的美工刀和切割垫。切割的过程本身就是一种冥想,需要极度的专注和耐心。那些复杂的轮廓线,比如某些舞者的裙摆边缘,切起来需要屏住呼吸。完成第一个人偶后,那种成就感是看书无法比拟的。我没有急着把他们都裁下来,而是小心翼翼地在每一页的空白处做了标记,记录下我对每一套服装的感受。这本书的纸张质量也值得一提,它足够厚实,即便是多次弯折和更换服装,也不会轻易撕裂,这对于想要长期保留和展示的收藏者来说,是一个非常重要的优点。这种实实在在的、需要投入精力的体验,是数字时代难得的宝贵体验。

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这本书简直是一场视觉盛宴!我是在一个周末偶然在一家老旧的二手书店里发现它的,当时它静静地躺在“戏剧与表演”的书架深处,封面那种略带褪色的复古感立刻吸引了我。迫不及待地翻开后,我简直不敢相信自己的眼睛。那些剪纸人偶的造型设计得多么精巧啊,每一个细节,从服装的褶皱到发型的弧度,都透露出那个黄金时代百老汇的华丽与匠心。比如,我尤其喜欢其中一套玛丽莲·梦露在《七年之痒》里那件经典的白色连衣裙造型,剪裁的线条感非常到位,即便是平面插图,也能感受到那种动态的美感。光是研究那些服装配件,比如小礼帽、手套和鞋子,就花了我一下午的时间。对于任何一个对舞台艺术、服装设计或者仅仅是热爱怀旧风格手工艺的人来说,这本册子都提供了一种非常独特的、可互动的体验。它不仅仅是一堆纸片,它承载着一个时代的舞台记忆,让人忍不住想立刻动手裁剪下来,搭建属于自己的小小百老汇剧场。

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老实说,我原本更倾向于购买那种厚重、带有大量文字分析的学术专著,对这种偏向于“玩具”性质的出版物一直持保留态度。然而,当我看到这本书的内页设计时,我的态度彻底转变了。它完美地捕捉到了百老汇的“魔力”——那种虚幻、转瞬即逝的舞台光辉被转化成了可以被触摸、可以被重新组合的实体。我将其中几张最喜欢的造型(比如一些华丽的群舞服装)用透明胶膜保护起来,贴在了我的工作台边上。它们成为了我日常工作中最好的“精神提振剂”。它提醒着我,即便是最严肃的艺术形式,也蕴含着无尽的趣味和创造力。这本书的价值,远超其本身的定价,它提供的是一种深入体验舞台美学,并动手参与美学再创造的独特机会。

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说实话,我最初对这种主题的书籍抱有一些疑虑,总觉得这种“纸娃娃”类的东西会显得有些幼稚或过于简单,但《16 Great Stars》完全颠覆了我的预期。它在内容的选择上展现出极高的专业水准。每一位被选中的“巨星”,都代表了百老汇历史上一个重要的里程碑。我特别欣赏作者(或者说是编绘者)对这些人物代表作的考量,他们没有单纯追求名气最大的面孔,而是挑选了那些在表演艺术上做出过独特贡献的艺术家。研究那些配套的文字介绍——虽然简短,但信息密度极高,让我对某些特定剧目的历史背景有了更深层次的理解。这让我意识到,这本书远不止是一个消遣品,它更像是一本袖珍的、可触摸的百老汇历史速览。那种将复杂的历史浓缩在精美图纸上的能力,实在令人称赞,它成功地架起了历史爱好者与手工艺爱好者之间的桥梁。

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我收藏了不少关于舞台美术和戏剧历史的书籍,但这一本在“情怀”和“实用美感”的结合上达到了一个非常巧妙的平衡点。它并没有那种高高在上的学术腔调,却又充满了对艺术的敬畏。我发现自己会不自觉地将书中的造型与我以前在剧院里看到的真实舞台照片进行对比,试图捕捉那种从舞台灯光下定格到纸上的微妙变化。有一处细节让我印象特别深刻:其中一位主演的侧脸轮廓,那线条的流畅性几乎让人联想到雕塑作品。这本书的排版设计也体现了极高的艺术素养,色彩搭配既复古又充满活力,没有那种廉价印刷品的粗糙感。它唤醒了我对“优雅”和“精致”的追求,让我开始重新审视那些被我们快速浏览和遗忘的经典形象。

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