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出版者:

作者:Duncan, Brett

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页数:0

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出版时间:

价格:154.00 元

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isbn号码:9780947183929

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• 吉他
• 摇滚
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摇滚吉他大师之路：从零到舞台的全面指南 本书聚焦于现代摇滚乐的精髓，旨在为所有渴望精通电吉他、在舞台上自信演奏的音乐人提供一套系统、深入且极具实操性的学习路径。本书内容涵盖了从基础乐理构建到复杂演奏技巧的各个层面，是每一位严肃的摇滚吉他学习者的必备工具书。 --- 第一章：构建坚实的基石——理论与乐器认知 本章致力于打牢读者在摇滚吉他演奏中的理论基础，确保技术练习建立在准确的音乐理解之上。 1.1 电吉他的构造与设置（The Anatomy and Setup of the Electric Guitar） 深入剖析电吉他的核心组成部分：拾音器（单线圈与双线圈的音色差异）、电路系统（音量/音色旋钮的工作原理）、琴桥与弦枕的调整对音准和手感的影响。详细指导如何进行基础设置（Setup），包括弦高（Action）、琴颈弧度（Truss Rod Adjustment）和八度音程（Intonation）的精确校准，以达到最佳的演奏状态。 1.2 掌握基础乐理与音阶理论（Essential Music Theory for Rock） 超越传统的“指板图谱”，本章侧重于摇滚乐常用的和声基础。讲解大调、小调音阶的构成，以及它们在指板上的指型扩展。重点介绍五声音阶（Pentatonic Scale）及其在布鲁斯摇滚、硬摇滚中的核心地位。深入探讨布鲁斯音阶（Blues Scale）的添加音（b5）如何营造出标志性的“蓝调味道”。 1.3 节奏的脉搏：鼓点与节拍的理解（Understanding Rhythm and Groove） 摇滚乐的驱动力在于节奏。本章详细解析四四拍、三四拍的数法，并教授如何使用节拍器进行精确计时练习。讲解八分音符、十六分音符以及附点音符的演奏准确性，培养与鼓手之间默契的“律动感”（Groove）。 --- 第二章：指板的解锁——核心技巧的精进 本章将技术训练提升到专业水准，专注于摇滚乐中最具表现力的演奏手法。 2.1 揉弦（Bending）的艺术与科学 揉弦是电吉他情感表达的灵魂。系统性地分解不同类型的揉弦：半音、全音、一音半揉弦。教授正确的支撑手腕力量和手指配合，确保音准的稳定性和延音的持久性。引入“预弯”（Pre-bend）和“释放”（Release）技巧，使其更具动态变化。 2.2 推弦与滑音（Vibrato and Sliding） 高质量的揉弦（Vibrato）是区分业余与专业演奏者的关键。本章对比不同风格的揉弦方式（如B.B. King式的宽幅与David Gilmour式的细腻），并指导如何通过手腕的圆周运动或上下摆动来控制振动的速度和幅度。滑音（Sliding）的精确运用，实现乐句间的平滑过渡。 2.3 击弦与勾弦（Hammer-ons and Pull-offs）——连奏（Legato）的飞跃 深入讲解如何通过有效的指尖力量，实现快速、清晰的连奏。重点解决击弦时声音过弱或勾弦时出现杂音的问题，通过专项练习强化左手独立性与爆发力。 2.4 拨弦技术：速度与清晰度的平衡 详细介绍交替拨弦（Alternate Picking）的正确姿势和手腕运动方向。引入扫拨（Sweep Picking）的基础指法和拨片角度调整，为后续复杂的速弹做准备。讨论“下拨”（Downpicking）在重金属节奏中的应用。 --- 第三章：和声的构建——和弦与即兴的桥梁 本章从演奏旋律转向构建和声结构，理解如何在伴奏中创造出丰富的听感。 3.1 封闭式和弦（Power Chords）与开放和弦的融合 Power Chord（五度和弦）是摇滚乐的基石。解析其结构，并教授如何在低把位和高把位上快速、干净地切换。同时，系统学习开放和弦在不同把位的指型变化，为Riff创作打下基础。 3.2 封闭把位（Barre Chords）的系统化学习 解决许多学习者在封闭把位上遇到的手指疲劳和按弦不实的问题。系统性地梳理E型和A型封闭和弦指型，并教授如何在指板上快速定位这些和弦的根音。 3.3 即兴演奏的逻辑：从音阶到乐句（Licks） 本章是技术与理论的结合点。我们不再局限于枯燥的音阶练习，而是将音阶分解成可用的“乐句”（Licks）。通过分析经典摇滚吉他手（如Angus Young, Eddie Van Halen）的即兴片段，教授如何将五声音阶的片段有逻辑地串联起来，形成具有叙事感的独奏。 --- 第四章：重型音色与效果器的深度解析 摇滚吉他的“声音”不仅仅取决于演奏技巧，更依赖于器材的调制。 4.1 放大器与音箱头的选择与使用（Amp Head and Cabinet） 解析晶体管（Solid State）与电子管（Tube）音箱的核心区别。重点讲解电子管音箱的“失真曲线”（Gain Structure）：前级驱动（Preamp）与后级功率（Power Amp）对音色的塑造作用。指导如何设置Clean Tone（干净音色）和Dirty Tone（失真音色）的理想参数。 4.2 效果器的链式反应：从失真到空间感 详细拆解最核心的失真效果器： Overdrive（过载）： 模拟温暖的电子管轻微推子效果，适用于布鲁斯摇滚。 Distortion（失真）： 高增益，适用于硬摇滚和金属乐。 Fuzz（毛刺）： 极端的波形削波，创造复古或实验性的音色。 此外，讲解调制效果器（Chorus, Flanger）和时间效果器（Delay, Reverb）的合理串联顺序，以及它们对最终音色的增益或破坏。 4.3 噪音控制与静音技巧（Noise Reduction and Muting） 高增益环境下，控制不必要的嗡嗡声和杂音至关重要。教授右手掌根（Palm Muting）在节奏乐段中的应用，以及如何使用左手手指轻触未演奏的琴弦，确保演奏的“干净度”。 --- 第五章：风格的探索与实战应用 本章将前四章所学知识融会贯通，并将其应用于不同摇滚子流派的演奏实践中。 5.1 经典摇滚与布鲁斯摇滚的Riff创作 分析如Led Zeppelin, AC/DC等乐队标志性的Riff结构。重点学习如何运用布鲁斯音阶和三和弦/七和弦的琶音来构建令人难忘的节奏段落。 5.2 速度与力量：硬摇滚与金属乐的节奏训练 专注于更快的节奏型（Tempo）和更复杂的拨弦模式。讲解“切分音”（Syncopation）在重型节奏中的作用，以及如何使用连奏和扫拨来应对高速的独奏段落。 5.3 探索前卫与实验性摇滚的音色（Progressive and Experimental Tones） 介绍如何使用效果器（如八度踏板Octaver、调制器）来拓宽吉他的音域和音色可能性，学习如何编排复杂且非传统的和弦进行。 5.4 舞台表现力与现场演奏（Stage Presence and Live Performance） 成功的摇滚乐手不仅演奏出色，更懂得如何与观众互动。本章探讨舞台走位、眼神交流、如何处理演出中的突发技术故障，以及如何将录音室作品成功转化为激动人心的现场表演。 --- 本书特点： 侧重“为什么”而非“是什么”： 深入解释音乐原理，使学习者能够自我创造，而非仅仅模仿。 海量练习示例： 每个技巧点后附有针对性的指板图和乐谱示例，确保即学即练。 风格导向： 针对不同摇滚子流派提供特定的技术和音色指导，使学习者能迅速找到自己的声音。 无论您是刚刚接触电吉他，还是希望突破现有瓶颈的资深乐手，本书都将是您通往专业摇滚吉他演奏殿堂的精确导航图。

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这本书在关于右手技巧的讲解上，给我的感觉是极其含糊和笼统的。它提到了交替拨弦（Alternate Picking）的重要性，但对于如何精准控制拨片角度、如何找到最佳的拨弦力度、以及如何处理不同弦之间的平滑过渡，描述得像是写给已经有十年经验的乐手看的，充满了术语却缺乏手把手的指导。比如，书中提到了“快速连贯的扫弦”，但对于如何保持节奏的均匀性和扫弦时手臂的放松状态，只是一带而过。我试着按照书上那几张模糊的、角度奇怪的右手照片进行模仿，结果手腕僵硬，噪音比预期的音符还多。对比我之前看的几本基础教程，这本书在“如何发声”这个问题上做得非常不到位，更像是一本“你已经会弹了，现在教你弹快点”的进阶指南，而不是一本真正意义上的入门或基础巩固教材。

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我必须得说，这本书的选曲眼光实在让人不敢恭维。我购买它的主要目的是想学一些经典、耐听的摇滚乐段和Solo，结果里面塞满了大量我从未听过，并且听起来也并不吸引人的原创片段。这些练习曲与其说是“摇滚”，不如说是某些特定技巧的堆砌，缺乏音乐性，学完之后完全没有‘哇，这太酷了’的感觉。我花了大量时间去钻研那些枯燥的指法练习，最后发现这些练习并不能直接应用到我喜欢的那些真正有影响力的摇滚作品中去。如果作者的意图是想建立一个扎实的理论基础，那完全可以通过更具代表性和流行度的乐曲片段来进行示范和练习。现在的编排，更像是一个封闭的、自娱自乐的教学体系，让人觉得投入的时间和收获的音乐乐趣完全不成正比，我更愿意花时间去扒我喜欢的歌曲的谱子，至少那还能带来成就感。

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这本书的排版简直是灾难，我花了将近半个小时才把目录理清楚，更别提正文了。字体大小不一，有些地方的五线谱和六线谱简直像是随便粘贴上去的，线条粗细都不一样，有时候我真怀疑是不是印刷厂偷工减料了。更让人抓狂的是，它的理论部分和实际练习的对应关系非常混乱，讲完一个和弦指法，下一页可能就跳到了扫弦的节奏型，中间缺失了大量的过渡和解释。对于一个初学者来说，这种结构就像是迷宫，每走一步都要回头重新对照前几页的内容，学习效率被拉得极低。我希望能看到更清晰的章节划分和更一致的视觉设计，毕竟学习吉他需要一个平稳的学习曲线，而不是这种忽高忽低的阅读体验。希望再版的时候能彻底重做内页设计，至少保证图文排版的专业度和一致性，否则光是翻阅这本书本身就成了一种考验耐心的任务。

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售后支持和服务几乎为零，这让我对这个出版方的专业度产生了严重的怀疑。当我练习到某一小节，发现谱子上的一个记号似乎有印刷错误，尝试联系出版社的官方支持邮箱，结果石沉大海，没有得到任何回复。一本技术性的教材，如果不能确保内容的准确性，并且在读者遇到学习障碍时提供任何反馈渠道，那么它的可靠性就会大打折扣。我不是要求他们提供一对一的私人教学，但至少应该有一个勘误表或者一个在线资源链接，来补充那些在纸质书上无法清晰表达或容易出错的部分。这种“买了就完了”的态度，让这本书的定位显得非常业余，我完全无法信任一个连最基本的读者服务都无法提供的出版物所包含的教学内容的严谨性。

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关于和声学和即兴伴奏的部分，这本书的处理方式显得过于线性化和脱节。它把布鲁斯音阶和五声音阶当作两个完全独立的部分来介绍，中间缺少了将它们融合、在真实演奏中如何切换和应用的关键步骤。我希望看到的是如何利用这些音阶在不同的和弦进行上进行“色彩”的变化，而不是简单地把音符罗列出来，让读者自己去摸索。更不用说，对于如何构建一个流畅的Solo结构——即前奏、主题发展、高潮和收尾——全书几乎没有提及。读完这部分，我感觉自己只是背诵了一堆音符的集合，缺乏“创造”音乐的思维框架。对我来说，一个好的吉他教程应该教会我如何“说话”，而不是仅仅教我背诵“字母表”。这种理论和实践的鸿沟，极大地削弱了其教学价值。

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