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作者:Temple, Michael/ Witt, Michael (EDT)/ Temple, Michael (EDT)

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页数:294

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价格:80

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isbn号码:9781844570119

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• French cinema
• Film studies
• Film history
• French culture
• Cinema
• Media studies
• European cinema
• Film theory
• World cinema

《法国电影史：从默片时代到新浪潮的辉煌》 一部深入剖析法国电影艺术演变脉络的权威著作 本书旨在为所有热爱电影艺术、渴望理解世界电影发展史的读者，提供一部详尽、深入且充满洞察力的法国电影史研究范本。我们聚焦于法国电影工业自其诞生之初，到二十世纪中叶，特别是“法国新浪潮”（Nouvelle Vague）爆发前夕所经历的核心发展阶段、关键美学探索与不可磨灭的文化影响。 法国，作为电影艺术的发源地，其影像语言的探索从未停歇。本书摒弃了简单的时间线罗列，转而着重于“运动”、“思潮”与“人物肖像”的深度挖掘，力求展现法国电影在不同历史时期如何回应社会变迁，并反过来塑造观众的审美观念。 第一部分：光影的黎明与默片的试验（1895-1929） 本部分追溯了电影艺术的源头。我们将详细考察卢米埃尔兄弟的纪实性摄影与乔治·梅里爱的奇幻魔术之间的早期张力。重点分析了默片时代法国如何成为世界电影技术的领先者，以及早期的叙事结构是如何被确立和颠覆的。 关键章节聚焦于： 先驱者的遗产： 梅里爱对特效和场景设计的贡献，如何奠定了“电影是梦工厂”的基础。 印象主义电影的崛起： 探讨以路易·德吕克（Louis Delluc）为代表的评论家如何尝试将电影提升到纯粹的视觉艺术高度，强调光影、节奏和气氛的营造，而非仅仅是戏剧的记录。 超现实主义的介入： 深入剖析路易·布努埃尔和萨尔瓦多·达利在法国制作的争议性作品，如《一条安达鲁狗》，考察无意识、梦境逻辑如何被引入银幕，以及这对后世艺术电影的冲击。 第二部分：声音的革命与“诗意现实主义”的黄金年代（1930-1945） 有声电影的到来，为法国电影带来了新的表达可能性，同时也伴随着对默片纯粹性的忧虑。本部分详述了二十世纪三十年代法国电影的鼎盛时期——“诗意现实主义”（Réalisme Poétique）。 这一时期的作品，通常以失意者、失败者为主角，通过高度风格化的布景、迷人的摄影和忧郁的氛围，描绘了社会底层人物的悲剧命运，预示着即将到来的战争阴影。 本书着重分析： 大师的形成： 详尽研究让·雷诺阿（Jean Renoir）的非凡成就，特别是其在《垂死的马尔斯》、《游戏规则》中展现的对多层次叙事、景深镜头和复杂社会群像的把握，他如何以人道主义关怀解构阶级矛盾。 视觉风格的构建： 分析摄影师如亨利·德卡埃（Henri Decaë，虽在后来的新浪潮中更有名，但其早期风格深受影响）如何运用阴影和室内布光，营造出那种标志性的“雾都”般的浪漫与绝望感。 卡恩-雷纳的组合： 探讨编剧雅克·费雷（Jacques Prévert）与导演马塞尔·卡内（Marcel Carné）的合作，他们的作品如何完美融合了浪漫的爱情悲剧与对社会僵化的尖锐批评。 第三部分：战后的重建与理论的酝酿（1945-1958） 二战结束后，法国电影工业面临重建，同时，一种对本土电影“保守性”和好莱坞“公式化”的不满情绪开始滋长。这一阶段是为新浪潮的爆发奠定理论和情感基础的“蓄水期”。 本书将重点放在《电影手册》（Cahiers du Cinéma）的诞生及其对电影史的颠覆性重估上。 核心议题包括： 作者论（Politique des Auteurs）的诞生： 深入剖析安德烈·巴赞（André Bazin）的“真实性”理论，以及特吕弗、戈达尔等年轻影评人如何借此理论，为他们推崇的美国类型片导演（如希区柯克、福特）正名，并批判当时法国制片厂体系的僵化。 黑色电影的回归与转化： 研究法国本土黑色电影（Film Noir）如何从好莱坞的模式中汲取灵感，但又加入了独特的法国式哲学思辨和道德模糊性。 对“传统”的反思： 分析战后法国电影中，即便是在艺术片领域，也存在着一种趋于精致和程式化的倾向，这正是“新浪潮”亟待打破的“铅皮剧”（Cinéma de Qualité）的症结所在。 总结与展望 本书通过对上述三个关键阶段的细致梳理，揭示了法国电影的内在连续性与突破性。它不仅是历史的记录，更是一部关于电影美学如何与社会、哲学思潮相互作用的深度论述。读者将清晰地看到，法国电影人是如何一步步从对“真实”的模仿（卢米埃尔），到对“梦境”的探索（超现实主义），再到对“社会现实”的诗意批判（卡内/雷诺阿），最终孕育出对电影制作主体性（作者）的极致追求。 本书为读者提供了一个理解法国电影——这个世界艺术电影基石——的全面而有深度的视角，是深入理解二十世纪世界电影艺术史的必备读物。

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这本书的装帧和印刷质量，坦白讲，绝对对得起它的内容深度。我常常觉得，一本关于视觉艺术的书，如果排版和图片质量不过关，简直是一种罪过。庆幸的是，这本书在这方面做得无可挑剔。我手上这本的纸张质感厚实，色彩还原度极高，尤其是那些早期黑白电影的剧照，层次分明，灰阶过渡自然，充分展现了光影艺术的魅力。更令人称赞的是，作者在论述某个特定美学运动时，总能配上最恰当、最具代表性的画面截图，而且这些截图往往是极其精细的局部特写，引导读者去关注构图的精妙之处，而不是仅仅停留在故事情节上。这种图文并茂的编排方式，极大地降低了阅读的门槛，使得即便是对电影理论不甚了解的读者，也能通过视觉直观地领会作者的观点。对我这种有收集癖的影迷来说，它不仅仅是一本阅读材料，更是一本可以随时翻阅的“视觉参考手册”，每次打开都有新的发现。

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说实话，我一开始只是抱着“了解一下”的心态翻开这本书的，没想到它居然像一部结构精巧的叙事小说一样吸引了我。不同于市面上许多只是罗列导演和作品的工具书，这本书的结构设计非常巧妙，它将法国电影的发展脉络切分成了若干个具有明确主题的“时代切片”。比如，它探讨了战后法国如何从被德国占领的阴影中走出来，重新确立其文化主导地位的过程，这个部分写得尤其精彩，充满了对民族精神复苏的细腻观察。作者在论述流派更迭时，也注意到了女性视角在不同时期的崛起和沉寂，这种对多元声音的关注，让整本书的视野显得非常开阔和公正。我尤其喜欢书中穿插的一些访谈摘录和幕后轶事，这些“花边”材料非但没有冲淡学术性，反而让那些遥远的名字变得鲜活起来，仿佛我能闻到拍摄现场的烟草味和老式胶片的独特气味。对于一个自认为看过不少法国电影的人来说，这本书提供了一种更深层次的“在场感”，让我重新审视了自己的一些既有偏见，感觉知识结构被重新梳理了一遍。

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如果让我用一个词来概括这本书的阅读体验，那会是“沉浸”。它不是那种读完就束之高阁的书籍，而是会持续在你脑海中发酵的作品。我发现自己开始用一种全新的“法国电影辞典”来审视最近在流媒体上看的任何一部作品，无论是叙事节奏的把控，还是场景灯光的运用，都会不自觉地与书中描绘的那些黄金时代的标准进行比对。这本书对于理解法国电影在世界影坛的独特地位，起到了奠基性的作用。它详尽地梳理了法国电影如何影响了亚洲，特别是日本和香港电影的浪潮，这种跨文化的联系和影响链条的梳理，非常有启发性。更重要的是，它让我体会到了法国文化中那种对艺术的执着和对美学的极致追求，这种精神内核，才是法国电影持续产出高质量作品的根本动力。这本书，可以说是献给所有热爱光影艺术的人的一封情书，字里行间都充满了对法兰西电影传统的深深敬意与复杂情感。

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这部关于法国电影的著作，实在是让人爱不释手，简直是一场视觉与思想的盛宴。我通常对这种厚重的学术性书籍望而却步，但这本书的叙事方式却极其引人入胜，它不像一本冰冷的教科书，更像是一位资深影评人带着你穿梭于光影变幻的百年历史长廊。作者对早期默片时代，尤其是那些先驱者们如何用镜头语言打破传统戏剧叙事的限制，描绘得栩栩如生。我特别欣赏它对“新浪潮”运动的深入剖析，不仅仅停留在名字和几部代表作上，而是挖掘了当时社会背景下，那些年轻导演们对既有电影美学的颠覆性思考，以及他们如何将存在主义哲学融入到对日常生活的平实记录之中。书中对每一位重要导演的风格分析都极其精准，比如特吕弗的个人化叙事与戈达尔对结构主义的解构之间的微妙差异，被作者用非常清晰且富有洞察力的语言阐述出来。阅读过程中，我几次暂停下来，去重温了那些被提及的经典片段，这才真正理解了为什么那些镜头能够成为永恒的经典。这本书的价值在于，它不仅是知识的传递，更是一种欣赏电影的全新视角的开启，极大地丰富了我对电影艺术的理解层次。

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我花了很长时间才读完，这并非因为内容晦涩难懂，而是因为每一章都值得反复咀嚼。作者在分析那些被奉为圭臬的电影时，并没有盲目地歌颂，而是保持了一种审慎的批判性视角。比如，在谈到某些被过度浪漫化的“感官电影”时，书中犀利地指出了其背后的文化陷阱和潜在的性别凝视问题。这种不回避争议、敢于挑战既有权威的勇气，使得这本书的论述充满了活力和现代性。它引导我思考：一部电影的伟大，究竟是来自于其艺术形式的创新，还是其对时代精神的精准捕捉？书中对“作者论”的探讨尤为深刻，它清晰地界定了法国电影体系中“导演即作者”这一概念的形成、演变和局限性。读完之后，我感觉自己对过去那些“高不可攀”的大师们，有了一种更立体、更人性化的理解，不再是将其神化，而是看到了他们作为创作者所经历的挣扎与选择。这是一本真正能引发深度思考的书。

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