具体描述
Stringed instruments resembling the modern guitar date back 5,000 years! Most have six strings, but others have anywhere from four to 12 strings depending on the model and the player. Some are simply styled and made of wood, while others are incredibly embellished with lots of added effects. See them all—2,000 of them, in fact—in the ultimate pictorial guitar collection: 2,000 Guitars. You want guitar heroes? Discover all of the legendary guitar makers, from Gibson and Gretsch to Fender and Ibanez, and learn how classic models evolved and who played them. The incredible array of featured instruments are arranged alphabetically by maker/manufacturer for easy access. For convenient browsing, sections are further organized by subdivisions, including solid-bodied guitars, semi-solid-bodied guitars, acoustic guitars, and bass guitars. Clean, modern spreads showcase thousands of full-color photographs of the world’s most coveted guitars, including antique instruments like a Wornum Lyre guitar from 1810. This rockin’ catalog profiles famous guitars like the colorful Fender Stratocaster, hand-painted by George Harrison and used in the Magical Mystery Tour, B.B. King’s beloved Lucille, and Brian Setzer’s swingin’ Gretsch Nashville.
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读后感
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用户评价
这本书的排版和视觉呈现，简直是为那些有“视觉强迫症”的音乐迷量身定做的。我通常看乐器书，很容易被密密麻麻的文字和略显粗糙的插图搞得头晕脑胀，但《2,000 Guitars》在这方面做到了极致的克制与优雅。那些大量的乐器剖面图、专利草图的复刻，清晰度高得令人难以置信，感觉就像拿着放大镜直接观察黄铜弦钮的微小纹理。特别要提的是，书中对于“音色物理学”的解释部分，作者没有采用那些晦涩难懂的公式，而是用非常直观的几何图形和色彩模型来类比声波的传播和共振，成功地将一个原本非常科学化的概念，转化成了一种可以被艺术感知的方式。这对于那些对理工科知识感到畏惧的吉他手来说，无疑是一大福音。我记得有一段描述音孔设计对中频响应的影响时，作者用“像是在聆听一个被微妙地遮蔽的巨大教堂钟声”来比喻，这种跨媒介的感官联结能力，是这本书最难能可贵的地方。它不再把吉他仅仅看作是“木头和金属的组合”，而是将其视为一个与声学、材料学、甚至美学哲学紧密相连的复杂系统。
评分这本书让我最感动的一点，是它在冰冷的乐器数据和历史考据的缝隙中，挖掘出了浓厚的人情味和故事性。它不像是一本教科书，而更像是一群老乐器制造者、收藏家和流浪乐手之间的午夜密谈记录。作者似乎拥有非凡的共情能力，他笔下的每一把吉他，都有着自己的“命运”。比如描述一把十九世纪失落的旅行吉他时，他不仅细致描绘了琴盒内部磨损的痕迹，还推测了它可能经历过的颠沛流离和它所伴随的那位音乐家可能经历的孤独与荣耀。这种“拟人化”的处理手法，让冷冰冰的物件瞬间有了灵魂。更让我感到亲切的是，作者在引用大量稀有资料的同时，也毫不避讳地承认了自己对某些经典音色的“迷恋”，他坦诚地描述了自己第一次听到某把传奇吉他声音时的那种近乎眩晕的体验。这种真诚的个人情感流露，打破了学术写作的距离感，让人感觉自己不是在阅读一本“著作”，而是在与一位见多识广、心怀热爱的老友进行一场关于吉他文明的深度对话。读完后，我抱着我的吉他坐了很久，心中的那种温暖和满足感，是任何技术手册都无法给予的。
评分说实话，我一开始对这种看似“堆砌数字”的书名有点不屑一顾，总觉得是那种为了销量而堆砌信息的商业炒作。我更偏爱那些专注于某一特定历史时期或某位大师生平的深度传记。然而，《2,000 Guitars》展现出的叙事结构和资料整合能力，完全超出了我的预期。它更像是一个宏大的编年史，但又避免了传统史书的枯燥。作者似乎采用了“切片式”的叙事手法，每隔一段篇幅，就会将时间线拉到不同的维度，去考察某一种特定的吉他类型——比如从巴洛克时期的七弦琴，到爵士乐黄金时代的空心大G，再到实验摇滚中电吉他的“怪胎”们。最让我感到震撼的是其对“失落技术”的还原部分。书中有一章详细描述了一种在上世纪三四十年代被广泛使用，但后来因为某种市场变化或专利问题而逐渐淡出的拨片技巧，作者甚至引用了当时留存下来的模糊录音片段进行旁白分析，这种考古式的挖掘，显示了作者在资料搜集上的巨大投入和专业性。它不是简单的“介绍2000种吉他”，而是通过2000个不同的侧面或案例，来勾勒出一个完整的、不断演进的乐器文化景观。这种宏大叙事下隐藏的细微颗粒感，使得阅读体验极为丰富，每翻过一页，都像是打开了一个尘封已久的音乐宝箱，充满了惊喜和发现的乐趣。
评分坦白说，读这本书的感受是相当“烧脑”的，它对读者的知识储备有一定要求，但回报也是巨大的。这本书的观点非常具有颠覆性，它并没有遵循传统的“美系-日系-欧系”吉他分类法，而是构建了一套基于“演奏者与乐器之间的关系阈值”的全新分类系统。这套体系相当复杂，涉及到了演奏者的肢体语言、舞台灯光对木材反射率的影响，甚至是特定时期的社会思潮如何反作用于琴体的设计。我得承认，有些章节我需要反复阅读才能消化其中蕴含的辩证关系，比如作者论证“电吉他音色的终极形态并非源于放大器，而是源于演奏者对电路物理的潜意识理解”时，我花了整整一下午的时间来回味这句话的深层含义。这本书的价值，不在于教你弹奏哪个和弦，而在于促使你重新审视自己手中的乐器以及你所听到的“声音”究竟是如何被构建和定义的。它像是一个哲学导师，引导你去质疑那些被认为是“标准答案”的既有认知。对于那些已经摸索了多年吉他，渴望从“熟练工”晋升为“思想者”的资深乐手而言，这本书提供了一个极佳的思维跳板。
评分这本《2,000 Guitars》的封面设计简直是视觉盛宴，那种深沉的墨绿色调配上烫金的字体，立刻让人感受到一种历史的厚重感和对音乐近乎虔诚的态度。我原本以为这会是一本专注于某种特定流派吉他演奏技巧的“干货”手册，毕竟书名听起来就充满了数字化的精准和技术性。然而，翻开第一页，我被作者娓娓道来的序言深深吸引住了。他没有急着展示那些令人眼花缭乱的指法图或者复杂的乐理分析，而是用近乎散文诗般的笔触，描绘了吉他在不同文化背景下扮演的角色。那种对于“声音的塑造”的探讨，远远超出了乐器本身的技术范畴，它触及到了艺术的本质——如何通过有限的物质载体，去表达无限的情感波动。阅读的过程，更像是一次精神上的漫游，作者的叙述节奏张弛有度，时而激情澎湃，仿佛能听见现场摇滚的轰鸣；时而又沉静内敛，像是在聆听一场深夜的指弹独奏。我特别欣赏作者在探讨“木材与音色”关系时所展现出的那种近乎匠人精神的执着，他用非常生动的语言描绘了不同产地、不同年份的木材如何“呼吸”和“歌唱”，这让一个纯粹的吉他爱好者，也开始对制作工艺产生了浓厚的兴趣。这本书成功地将技术层面的深度与人文层面的广度完美融合，它不只是给演奏者看的，更是给所有热爱音乐、热爱‘声音’的人准备的，读完后，我感觉自己对吉他这种乐器，有了一种全新的、更深刻的理解和敬畏。
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