具体描述
Pat Metheny is one of the most critically acclaimed, commercially successful, and musically significant artists of the last 50 years. He has not only revolutionized his instrument, but also changed the face of jazz itself. In 2007, composer, arranger, and performer Richard Niles wrote and produced a three-part series of in-depth interviews for the BBC titled Pat Metheny - Bright Size Life. This book is comprised of these never-before-printed interviews and discussions with Metheny, whom Niles has known and worked with since 1974. In this series of intimate, in-depth interviews, Metheny * reveals why he was driven toward music with a stratospheric drive and dedication * uncovers the inner workings of his creative mind, showing step by step how he set and achieved each of his own demanding goals * describes his methodology as a guitarist, improviser, and composer * demonstrates his concepts and methodologies on the guitar. Niles has transcribed these unique musical performances for the book. Some of Metheny's closest colleagues, including Lyle Mays, Gary Burton, Jack DeJohnette, John Patitucci, Metheny's brother Mike, and the late Michael Brecker, have contributed to the book, which also includes numerous photographs and a discography.
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读后感
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用户评价
这本书的结构安排堪称典范，它没有采用严格的编年史叙事，而是围绕着几个核心的艺术主题进行穿插讨论，这使得全书的阅读体验富有韵律感，而非枯燥的时间线性推进。例如，关于“空间感”的探讨，可能会跳跃性地对比早期小场馆的演奏和大型音乐厅的经验，这种跳跃反而强化了主题的对比效果。作者在记录访谈时，非常注重环境氛围的描绘，偶尔插入的对受访者所处环境的简短侧写——比如房间里的光线、墙上的画作——都为我们构建了一个鲜活的人物形象，使得人物跃然纸上。我尤其欣赏书中对于“合作者选择”这一主题的深入挖掘。成功的音乐合作远非技能的简单相加，而是价值观和审美取向的高度契合。书中揭示了艺术家们是如何通过音乐语言来识别彼此的“同类”，这不仅仅是专业层面的考量，更是一种深刻的人文洞察。总而言之，这是一本能提升你对音乐鉴赏门槛的书，它教会你如何“听得更深入”，而不是仅仅“听得多”。
评分这是一部值得反复阅读的书，每读一遍都会有新的感悟浮现，就像一首结构精妙的复调音乐，初听被主旋律吸引，再听则能分辨出层层叠叠的和声线条。作者团队显然做了大量的背景研究，他们提出的许多问题都极具穿透力，直指艺术家职业生涯中的关键转折点和创作理念的演变。例如，其中对某个特定专辑风格转变的追溯，不仅采访了当事人，还穿插了当时乐评人的观点和市场反应，这种多维度的交叉对比，使得分析立体而可信。我个人尤其关注那些关于“跨界合作”的部分，是如何在保留自身音乐标识的同时，又能与不同背景的艺术家产生化学反应，那种在保持自我与寻求突破之间的微妙平衡，是每个身处创意领域的人都需要面对的课题。书中的语言风格非常具有感染力，它成功地捕捉了受访者在谈论热爱事物时那种特有的、几乎是颤抖的激情。我甚至能“听见”他们说话时的语气和手势，这极大地增强了阅读的沉浸感，仿佛我正通过一种高级的感官桥梁，直接连接到了他们的内心深处。
评分我必须承认，这本书的深度超出了我的预期。我原本以为这会是一本相对轻松的行业内部八卦集锦，但它提供的却是对“声音构建”这一复杂过程的系统性解构。从早期的设备选择对音色的影响，到后期对数字技术应用的抗拒与接纳，书中记录了技术革新如何与艺术直觉相互作用。最让我感到震撼的是关于“即兴的纪律性”的探讨。很多人误以为即兴是完全随心所欲的自由发挥，但通过这些访谈我才明白，真正的自由建立在无比扎实的技艺基础和对音乐“规则”的深刻理解之上，即兴是“有边界的创造”。书中一些关于乐器定制和音色雕琢的细节描述，简直是一部小型技术手册，对于那些对设备有执着追求的乐迷来说，这些信息价值连城。我建议初次接触这位音乐家的听众，可以先听几遍他们的代表作，然后再来阅读这本书，这样对照着阅读，你会发现自己对那些音乐片段的理解会被彻底颠覆，那些看似随意的音符选择背后，其实是深思熟虑的艺术决策。
评分这本书简直是爵士乐迷的福音，尤其是对那些痴迷于探索音乐家内心世界的人来说，绝对是案头必备的珍藏版。我花了整整一个周末沉浸其中，感觉就像是坐在录音室的角落里，亲耳聆听那些关于旋律、和声以及即兴创作背后不为人知的故事。作者的提问技巧高超得令人咋舌，他们总能在最恰当的时机抛出那个直击核心的问题，引导受访者卸下防备，分享那些平时藏在音乐幕布之后的思考和挣扎。那些关于“灵感枯竭”的段落尤其引人深思，我能感受到那种创作者面对空白画布时的焦虑与渴望，这与我日常工作中面对瓶颈时的体验产生了强烈的共鸣。阅读过程并非一帆风顺，有些关于乐理的深入探讨，我不得不停下来查阅资料，但这恰恰体现了这本书的价值——它不仅仅是提供答案，更是激发你进行更深层次学习和思考的催化剂。我尤其欣赏其中对于“乐队化学反应”的剖析，那种描述乐手之间无形电流流动的文字，简直是文学性的杰作，将抽象的听觉体验具象化了。这本书的装帧设计也十分考究，纸张的质感和排版布局都体现了一种对艺术的尊重，读起来是一种视觉和精神上的双重享受。
评分坦白说，刚翻开这本书时，我有些担心它会落入那种公式化的、缺乏深度的“成功人士访谈录”的窠臼。然而，事实证明我的担忧完全是多余的。这本书的魅力在于其坦诚和不加修饰的真实感。那些关于巡演路上的疲惫、与同行间微妙的竞争与合作、甚至是录音棚里那些令人啼笑皆非的失误瞬间，都被细致入微地记录了下来。这种“去神化”的处理方式，让人感觉那些站在舞台中央的传奇人物，其实和我们一样，都有着自己的困惑和不安全感。我特别喜欢其中探讨“时间感”的那几章，音乐家如何看待过去的作品，如何把握当下即兴的瞬间，以及对未来音乐形态的预判，这些哲学层面的思考远超出了单纯的音乐技巧讨论。这本书的叙事节奏处理得非常巧妙，时而如平静的湖面，缓缓道来创作的哲学；时而又像突如其来的强风暴，展现了现场演出的激情与不可预测性。对于任何一个渴望了解艺术创作本质的人来说，这本书都提供了一个难得的、未经稀释的视角。
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