Contemporary Choreography

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出版者:Routledge
作者:Butterworth, Jo (EDT)/ Wildschut, Liesbeth (EDT)
出品人:
页数:480
译者:
出版时间:2009-5-28
价格:GBP 95.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780415490863
丛书系列:
图书标签:
  • 舞蹈
  • 当代舞蹈
  • 编舞
  • 舞蹈研究
  • 表演艺术
  • 身体诗学
  • 舞蹈史
  • 舞蹈理论
  • 实验舞蹈
  • 动作研究
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具体描述

This innovative text provides a range of articles covering choreographic enquiry, traditional understandings of dance-making and investigation and research into the creative process. Including contributions by practitioners and researchers from Europe, America, Africa, Australasia and the Asia-Pacific region, this reader investigates choreography in six broad domains: conceptual and philosophic concerns; educational settings; communities; changing aesthetics; intercultural choreography; and, choreography's relationships with other disciplines. By providing a reference work that captures the essence and progress of choreography in the twenty-first century, "Contemporary Choreography: A Critical Reader" supports and encourages rigorous thinking and research for future generations of dance artist practitioners and scholars.

《当代编舞:形式、概念与实践的探索》 本书深入剖析了20世纪末至今,全球范围内涌现的多元化编舞艺术。我们并非聚焦于某一特定风格或地域的舞蹈编排,而是致力于呈现当代编舞领域的核心议题、创新手法及其背后的哲学思考。这是一场关于身体如何成为思想载体,空间如何被重塑,以及音乐、视觉艺术等跨媒介元素如何与肢体语言深度融合的全面审视。 第一部分:概念的起源与演变 本部分追溯了当代编舞在现代舞、后现代舞基础上的革新与突破。我们将探讨形式主义的解构与重构,分析身体自主性在编舞创作中的凸显,以及情感表达方式的颠覆性转变。从对“舞蹈是什么”的根本性追问,到打破传统叙事与结构,再到拥抱偶然性与非线性叙事,我们揭示了编舞家们如何不断挑战既有框架,拓展舞蹈的可能性。 解构与重塑: 探讨编舞家如何瓦解既有舞蹈语汇,重新组合,赋予新的意义。这包括对经典芭蕾、现代舞技巧的挪用、变形与颠覆。 身体的边界: 关注编舞创作中对身体不同面向的挖掘,例如极限身体、日常身体、非典型身体的展现,以及身体与技术、社会身份的互动。 叙事与非叙事: 分析当代编舞中叙事结构的瓦解与重塑,以及如何通过抽象、具象、拼贴等手法构建新的意义场域,或干脆放弃明确的叙事,专注于体验与感知。 政治与社会语境: 审视编舞创作如何回应社会议题、政治事件、性别观念、身份认同等,探讨舞蹈作为一种社会实践的潜能。 第二部分:创新技法与跨界实践 当代编舞的魅力在于其对新媒介、新技术以及与其他艺术形式融合的开放态度。本部分将详细剖析这些创新实践。我们将考察技术在编舞中的应用,如数字技术、虚拟现实、增强现实如何影响身体的呈现与观众的体验。同时,我们也将深入研究舞蹈与戏剧、视觉艺术、电影、音乐、文学等领域发生的深刻对话。 技术与身体的互动: 分析运动捕捉技术、投影映射、交互式装置等如何融入编舞创作,改变身体的可见性与运动轨迹,创造出前所未有的视觉与空间效果。 跨媒介的融合: 探索舞蹈与戏剧性表演、行为艺术、装置艺术、电影语言、新媒体艺术之间的界限模糊,以及这些跨界实践如何丰富舞蹈的表现力与观念深度。 音乐与声音的变革: 审视当代编舞与音乐创作的关系,从传统乐谱的演绎到现场音乐、电子音乐、采样音乐,乃至无声的编舞,探讨声音与身体律动的多重关系。 空间与环境的利用: 关注编舞创作如何摆脱传统剧场空间,走向公共空间、自然环境、特定场所(site-specific),以及这些空间如何反哺与塑造舞蹈的形态与内涵。 第三部分:编舞家的视角与创作哲学 理解当代编舞,离不开对其创作者的深入洞察。本部分将聚焦于不同流派、不同背景的编舞家,分析他们的创作理念、方法论以及他们如何应对创作中的挑战。我们将呈现不同文化语境下的编舞实践,揭示其独特性与共通性。 创作方法论: 探讨从即兴创作、集体创作、合作编舞到个人化探索等多种创作模式,分析不同编舞家如何组织素材、激发灵感、发展作品。 文化语境下的编舞: 审视不同国家和地区的编舞家如何在其独特的文化背景、历史传承与社会现实中发展出各具特色的编舞风格与思考。 编舞家的挑战与思考: 探讨在瞬息万变的社会和艺术环境中,编舞家所面临的经济压力、观众接受度、艺术评价等现实问题,以及他们如何通过创作来回应与超越。 观众的参与与体验: 关注当代编舞如何重构观众与作品的关系,从被动观看者到积极参与者,探讨沉浸式体验、互动性设计等如何影响舞蹈的意义生成。 第四部分:理论框架与批评视角 为了更深入地理解当代编舞的复杂性,本书也将引入相关的理论工具和批评视角。我们将借鉴现象学、后结构主义、性别研究、后殖民理论、文化研究等领域的概念,为读者提供分析和解读当代编舞的有力武器。 现象学视角: 分析身体的感知、意向性以及空间与时间的经验如何在编舞中被呈现和转化。 后结构主义与解构: 运用后结构主义的视角,审视当代编舞如何挑战二元对立,颠覆中心与边缘,解构意义的稳定结构。 性别、身份与酷儿理论: 探讨当代编舞如何审视与挑战性别规范、性取向,以及多元身份的表达与认同。 文化研究与全球化: 分析在全球化背景下,编舞创作如何反映文化交流、冲突与融合,以及本地化与全球化如何在编舞中并存。 《当代编舞:形式、概念与实践的探索》旨在为学生、研究者、编舞家、舞者及所有对当代艺术感兴趣的读者提供一个全面、深入的视角,帮助他们理解和欣赏这一充满活力与变革的艺术领域。我们鼓励读者通过阅读本书,开启自己对身体、空间、时间以及艺术本体的全新思考,并最终欣赏到当代编舞所带来的丰富体验与深刻启示。

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读后感

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用户评价

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坦率地说,我拿到这本书时有些犹豫,因为我对理论书籍的耐性并不高,但这本书的引人入胜之处在于它的“现场感”。作者的描述方式充满了动感,仿佛我们正站在一个拥挤的排练厅里,近距离观察那些身体是如何被塑形和释放的。它对“即兴”和“不确定性”的探讨尤为精彩,揭示了这些元素是如何从边缘走向中心,成为当代编舞语言的基石。书中没有回避那些关于商业化、艺术体制化对前卫探索带来的冲击与妥协,这使得整本书的视角非常真实和饱满。它让我意识到,当代编舞的复杂性不仅仅在于技巧的难度,更在于它必须在永恒的艺术追求与瞬息万变的社会现实之间找到一个微妙的平衡点。它不是一本轻松的读物,需要读者投入相当的精力去消化那些细微的语境变化,但其回报是巨大的。

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老实说,我本来以为这又是一本充斥着术语和故作高深的舞蹈理论书籍,但读完之后,我发现自己对舞台上的某些“怪异”动作和“看似随意”的编排产生了全新的认识。这本书的叙事节奏非常独特,它不是线性的历史回顾,更像是一场精心设计的导览,引导读者穿越不同的剧场空间和思想迷宫。它成功地捕捉到了那种“后现代的怀疑精神”是如何渗透进每一个关节和每一次呼吸中的。我特别喜欢作者对“空间使用”的分析,那简直是大师级的解读,将舞台的平面和深度不再视为纯粹的容器,而是作为一种积极的、具有能动性的角色参与到作品的意义生成之中。它没有给我一个简单的“是什么”的答案,而是提供了无数个“为什么会这样”的入口。对于那些像我一样,在观看当代作品时总感到困惑的观众来说,这本书就像是一份解密手册,它没有替你做判断,而是教会了你如何更有效地去观察、去感受、更关键的是,去质疑你所看到的一切。

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这本书的结构布局堪称教科书级别,但内容绝非刻板教条。作者似乎拥有穿透时间的能力,能将七八十年代的先锋探索与当前新兴艺术家的实践进行跨越时空的对话,展现出一种惊人的延续性和断裂性。它最核心的价值在于,它将“创新”这个词从一个空泛的赞美,还原成了无数次艰难的、有时甚至是失败的实践过程。我印象最深的是关于“非人类主体”在舞蹈叙事中地位提升的章节,那部分分析得极其精妙,探讨了技术、环境因素如何开始取代传统的人类情感成为编舞的出发点。语言上,它保持了一种冷静而有力的克制,避免了过度煽情,而是用精确的分析来激发读者的共鸣。每读完一个章节,我都会忍不住去回溯那些作品的影像资料,那种“原来如此”的顿悟感,是阅读其他舞蹈评论时很少能体会到的。它真正做到了拓宽我们对“舞蹈”这个词的定义边界。

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这本书的论证逻辑严密得像瑞士钟表,每一个论点都建立在前一个分析的基础之上,使得读者几乎不可能在阅读过程中迷失方向。我最欣赏它对“去剧场化”(de-theatricalization)趋势的深刻剖析,探讨了舞蹈如何挣脱传统舞台的束缚,进入公共空间、数字领域,甚至成为一种生活方式的表达。作者处理敏感的文化挪用(cultural appropriation)问题时,也展现了极高的职业素养和敏锐的伦理关怀,没有简单地贴标签,而是深入分析了权力关系在身体交流中的作用。这本书的价值在于它提供了一个扎实的知识框架,让任何一个对当代艺术有兴趣的人,都能在这个框架下建立起自己的批判性视角。它成功地将编舞从一种纯粹的技艺提升到了文化批判的高度,是近年来我读到的关于身体艺术最全面、最有深度的文献之一。

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这部作品对于理解当代舞蹈的脉络简直是一次醍醐灌顶的体验,它并没有拘泥于简单的流派划分,而是深入剖析了二十世纪末至本世纪初,舞蹈语汇是如何被解构、重塑,并最终演化出我们今天所见的这种极具观念性和跨学科特征的面貌。作者以一种近乎人类学家的细致入微,追踪了那些关键性的艺术事件和具有里程碑意义的编舞家,比如对默斯·坎宁汉的动作理论如何被后来的实践者们以何种激进或微妙的方式继承和反叛。特别令人称道的是,书中对“身体性”(embodiment)这一核心议题的探讨,它不再仅仅关乎技巧的展示,而是探讨了身体在特定社会、政治语境下所能承载和表达的意义重量。我尤其欣赏它在描述那些晦涩难懂的现场装置艺术时,所使用的那种兼具学术严谨性与文学美感的笔触,让复杂的理论不再是高悬于空的口号,而是能让人在脑海中清晰“看见”那些动态的图像和情感的张力。它成功地将编舞实践与哲学思辨紧密地编织在一起,为我们提供了一个理解当代舞台艺术深层逻辑的有力工具。

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