Alfred's Premier Piano Course pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Lancaster, E. L./ Manus, Morton (EDT)

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:2006-2

价格:$ 7.85

装帧:

isbn号码:9780739037034

丛书系列:

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• 钢琴教材
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• 基础乐理
• 钢琴练习
• 循序渐进
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好的，这是一份关于一本名为《探索和声的奥秘：从巴赫到现代的钢琴和声学原理》的图书简介，这份简介旨在详尽地描述该书的内容，而不提及您提到的原书名。 --- 《探索和声的奥秘：从巴赫到现代的钢琴和声学原理》 导言：开启通往音乐结构核心的大门 音乐，如同语言一般，拥有其内在的语法和逻辑。《探索和声的奥秘：从巴赫到现代的钢琴和声学原理》是一部全面、深入且实用的和声学教科书，旨在为所有致力于提升音乐理解力和演奏技巧的钢琴学习者、教育工作者以及音乐理论爱好者提供一张详尽的地图。本书不仅仅是枯燥规则的堆砌，更是一次对西方音乐体系自文艺复兴晚期到二十世纪中叶核心声音逻辑的系统性考察。 我们相信，真正掌握和声，并非是机械地背诵那些“允许”与“禁止”的规则，而是要深刻理解声音是如何组织、如何运动，以及如何在不同历史时期构建情感张力与解决的艺术。本书将引导读者跨越不同时代，亲身体验和声语言的演变历程，并最终将这些理论知识转化为灵活的键盘实践能力。 第一部分：古典和声的基石——功能与连接 本卷着重于建立扎实的、以功能和声为核心的理解框架，这是理解绝大多数西方古典音乐的基础。我们将从最基础的音程、三和弦开始，逐步构建起调性系统的完整结构。 第一章：音响的初识与三和弦的建立 本章详细考察了构成和声的最小单位——音程的性质（协和与不协和）。随后，重点探讨了大小调音阶的构建及其与三和弦（大、小、增、减）的内在关系。我们不会止步于简单的三和弦构成，而是深入分析其在听觉上的“色彩”差异，并教授如何通过听觉辨识这些基础和弦的内在情绪倾向。 第二章：七和弦的深化与和声的色彩 七和弦是赋予音乐更丰富色彩和驱动力的关键。本书详尽解析了属七和弦（Dominant Seventh）作为解决倾向的核心作用，并系统地介绍了导七和弦、减七和弦（Diminished Seventh）的独特功能与应用。特别地，我们为读者准备了专门的听觉训练模块，用以区分不同类型七和弦在不同情境下的瞬时听感效果。 第三章：和声功能与和声进行（Cadences and Progressions） 这是理解古典音乐结构的关键。本章围绕功能和声的三大支柱——主和弦（Tonic, T）、属和弦（Dominant, D）和下属和弦（Subdominant, S）展开。我们不仅教授基本的T-S-D-T进行，更剖析了更为复杂的和声连接方式，如经过和弦、副属和弦（Secondary Dominants）如何巧妙地导向不同的调性，从而实现远关系转调。大量的实例分析将从巴赫的赋格到莫扎特的奏鸣曲中抽取，以清晰的键盘谱例展示这些原则的实际操作。 第四章：转调的艺术与调性布局 调性变化是音乐叙事的重要手段。本章将转调过程分为“直接转调”、“关系调转调”和“偏离关系调转调”。书中提供了实用的技巧，教导学习者如何识别和构建“桥梁和弦”（Pivot Chords），使得调性转换过程听起来自然且富有逻辑，而非突兀的跳跃。 第二部分：对位与织体的精妙结合 和声的魅力不仅在于垂直的堆叠，更在于水平的线条运动。本卷将和声学与对位法（Counterpoint）的精髓相结合，强调线条的独立性与和声的相互作用。 第五章：固定音型与和声的结构性表达 本章集中探讨了固定音型（如巴赫的《平均律钢琴曲集》中体现的织体）是如何被和声所驱动的。我们将分析琶音、分解和弦以及持续低音（Basso Continuo）在和声语境下的作用，展示如何通过保持一个持续的线条（对位）来支撑不断变化的核心和声。这对于提升演奏者的手指独立性和对织体层次的感知至关重要。 第六章：不协和音的处理与和声的张力释放 不协和音是音乐戏剧性的源泉。本章详细解构了各种延迟音（Suspensions）、经过音（Passing Tones）、邻音（Neighbor Tones）以及“预备”与“解决”的机制。我们强调，每一个不协和音都必须有一个清晰的“功能性身份”和预设的解决路径，这正是古典作曲家们构建紧张与放松循环的秘诀。 第三部分：浪漫主义的扩展与和声语言的突破 随着音乐从古典主义走向浪漫主义，作曲家们开始挑战既有的功能性限制，引入更丰富、更具色彩的音响。 第七章：半音化与色彩和弦的引入 本章深入探讨了浪漫主义时期和声的标志性特征——对半音化的广泛运用。我们将分析“减七和弦”的多功能性（作为导向多个调性的工具），以及“那不勒斯六和弦”（Neapolitan Sixth）的独特魅力。通过肖邦和李斯特的作品实例，读者将学习如何利用这些色彩和弦来创造强烈的情感色彩和空间感。 第八章：增和弦与和声的模糊化 增和弦（Augmented Triads）在浪漫主义中常被用作制造模糊、梦幻或不安气氛的工具。本书分析了增和弦作为“中性”和弦的特点，即它缺乏明确的解决倾向，这使得作曲家能够更自由地在不同的调性之间游移。 第四部分：迈向现代——调性边界的探索 本书的最后部分将目光投向二十世纪初的音乐变革，探讨作曲家们如何开始解构或彻底抛弃传统的功能和声体系。 第九章：调式（Modes）的回归与平行和声 在对传统功能和声的过度使用产生疲劳后，许多作曲家重新挖掘了中世纪和文艺复兴时期的调式（如多利亚调式、弗里吉亚调式）。本章将分析这些调式是如何被重新注入色彩，以及它们如何与传统和声并存。此外，我们探讨了“平行和声”（Planar Harmony）的概念，即和弦在不遵循传统功能连接的路径下，以平行的五度或三度关系进行移动。 第十章：十二音体系的边缘：集群与音响构架 虽然本书的核心是调性体系，但为了完整性，我们简要介绍了二十世纪前卫音乐对和声的冲击。本章侧重于“音响集群”（Tone Clusters）和“非功能性和弦”（Non-functional Chords）在钢琴音乐中的应用。重点在于理解这些新的“声音组织”是如何构建张力的，即便它们不再依赖于主属关系。 实践与应用：键盘上的理论转化 贯穿全书，每一章节都配有大量的“实践练习”和“演奏分析”。我们不鼓励死记硬背，而是提倡通过“听觉确认”和“即时演奏”来内化理论。 听觉训练模块： 专门设计的听力练习，帮助读者准确分辨和弦的细微差别。 即兴与写作练习： 引导读者将学到的和声进行应用于简单的即兴创作或对现有旋律进行和声配伴，真正做到“用理论演奏”。 曲目解析： 从巴赫的对位作品到德彪西的印象派和声，选取关键片段进行深入的指法和和声分析。 结语：走向成熟的音乐家 《探索和声的奥秘》的目标是培养出不仅能“读懂”乐谱，更能“理解”音乐家思维的演奏者。掌握了和声的精髓，钢琴演奏将不再是技巧的堆砌，而是对声音结构和情感表达的深刻对话。拿起这本书，准备好探索音乐世界中最激动人心的逻辑核心吧。

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老实说，当我第一次翻开这本书时，我有点被它“朴实无华”的封面给欺骗了。我本以为这又是一本中规中矩、毫无新意的进阶教材，毕竟市面上的同类书籍多如牛毛。然而，深入阅读后我才发现，它的价值完全体现在其内容的深度和广度上。这本书的选曲非常考究，跨越了不同的时代和风格，但每一首曲目都不是孤立的技巧展示，而是被巧妙地嵌入到一个更宏大的音乐语境之中。它没有那种咄咄逼人的“炫技”倾向，而是鼓励学习者去探索音色和触键的无限可能性。特别是关于踏板使用的那一章节，讲解得极其精辟，不是简单地告诉你“该踩还是不该踩”，而是深入剖析了不同踏板在不同空间和声背景下产生的混响和色彩变化。对于我这种追求细腻音质的演奏者来说，这部分内容简直是醍醐灌顶。读完后，我感觉自己对钢琴的“声场”有了全新的认识，不再只是盯着黑白键，而是开始想象声音在房间里是如何流淌、碰撞和消散的。

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这本书的叙事风格非常独特，它不像教科书那样板着脸孔，反而像是一位老派音乐家在午后阳光下，泡着红茶，和你分享他毕生对键盘艺术的感悟。它没有刻意使用晦涩难懂的术语来显示其专业性，而是用一种非常亲切、近乎哲学的语言来探讨音乐的本质。我最喜欢它对于“乐句”这个概念的阐述。在很多教程里，“乐句”只是一个需要被划分的段落，但这本书将其比喻成人类的呼吸和语言的停顿，这使得学习者能够从生物学的、更人性化的角度去构建音乐的逻辑。这种深层的、超越技巧层面的引导，让我对每次练习都充满了期待，因为我知道，我不仅仅是在雕琢指法，更是在雕琢我表达情感的方式。我甚至会放慢速度，去品味那些看似不重要的过渡句，因为作者告诉我，那里往往隐藏着作曲家的“小心思”。这是一本需要慢读、细品的书，急于求成只会错失它真正的精髓。

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这本书给我的最大感受是“解放”。在学习前期，我们总是被各种规则束缚，生怕弹错一个音，违反了某个“禁忌”。但随着阅读的深入，我发现作者鼓励的是一种“有根据的自由”。它详细分析了古典时期到浪漫主义时期，音乐家是如何在既定的框架内进行“叛逆”和“创新”的。它不是让你去随意更改音符，而是让你理解每一个音符背后的功能和潜在的情感张力，从而让你有能力去决定在特定情境下，哪个音符需要被强调，哪个音符可以被弱化。这种对演奏自由度的深度解析，极大地激发了我的创造力。我不再是机械地重复乐谱上的标记，而是开始尝试用自己的“声音”去重新诠释作品。这本书提供了一个坚实的基础，让你敢于在成熟的音乐理解之上，大胆地施展自己的艺术个性和判断力，这对于任何一个想要在钢琴演奏领域找到自己独特声音的人来说，都是无比宝贵的财富。

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这本书真是让我大开眼界，特别是对于那些像我一样，从小接受传统钢琴教育，但总觉得在音乐表达上缺少了那么一点“灵魂”的成年学习者来说，简直是一剂强心针。我一直以来都依赖那些非常结构化、注重技巧的教材，它们教你如何完美地弹奏音符，但很少深入探讨“为什么”要这样弹奏。然而，这本书的编排方式，更像是一位经验丰富的音乐导师在旁边循循善诱。它不是简单地给你一堆练习曲，而是通过精心挑选的曲目，引导你自然地去理解和声的走向，以及如何在指尖下塑造音乐的层次感。我尤其欣赏它在节奏处理上的细腻讲解，很多时候，同一段旋律，换一种呼吸感，出来的感觉就完全不同，这本书恰恰捕捉到了这种微妙的差别。它迫使你不仅仅是用手指在演奏，而是用耳朵去聆听，用心去感受每一个音符之间的连接。对于那些希望从“能弹奏”提升到“能演奏”的钢琴爱好者，这本书绝对是值得反复研读的宝典。它教会我的远不止是技巧，更是一种对音乐本体的敬畏和理解。

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对于那些已经掌握了基础读谱能力，但总是在“如何让音乐听起来更高级”这个问题上感到困惑的进阶学习者，这本书提供了一种非常实用的进阶路径。它的结构设计非常巧妙，将复杂的理论知识巧妙地融入到实际的演奏练习之中，让你在不知不觉中吸收了大量的和声与对位知识，而无需陷入枯燥的理论推导。我尤其赞赏它对“织体”（Texture）的处理建议。很多时候，演奏会显得拥挤不堪，就是因为声部间的平衡出了问题。这本书用非常直观的图示和对比练习，教会我如何像一位优秀的织布工一样，控制高音、中音和低音的“纱线”的松紧度，确保每一个声部都能清晰地被听到，但又和谐地融为一体。这极大地提升了我对多声部作品的驾驭能力。如果你的目标是能够自信地弹奏巴赫的赋格或者德彪西的复调作品，那么这本书里关于声部清晰度的训练，绝对是不可或缺的一环。

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