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出版者:

作者:Boggess, Bill/ Boggess, Louise

出品人:

页数:274

译者:

出版时间:2009-10

价格:$ 22.59

装帧:

isbn号码:9780764333187

丛书系列:

图书标签:

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光影流转的时代风华：解析维多利亚与爱德华时代的装饰艺术与玻璃制造 本书将带您深入探寻十九世纪中叶至二十世纪初，即维多利亚时代晚期至爱德华时代，西方世界，特别是英国和欧洲大陆在装饰艺术、手工艺及其核心材料——玻璃制品——领域所经历的深刻变革与辉煌成就。我们将着重考察这一时期社会经济结构的剧变如何催生了对物质文化和室内装饰的新需求，并由此塑造了独特的审美风尚。 第一部分：工业革命的遗产与审美转向（1850-1880） 在工业革命的鼎盛时期，机械化生产极大地改变了手工艺品的面貌。玻璃制造不再是完全依赖传统工匠技艺的孤立领域，而是开始与新兴的工业技术相结合。本部分将梳理这一背景下，玻璃制品在功能性与装饰性上的初步融合。 机器制造的普及与“大众化奢侈品”： 探讨滚压、模制玻璃工艺（Pressed Glass）如何使原本昂贵的透明玻璃器皿得以大规模生产，进入中产阶级家庭。这包括对早期美国、英国和波希米亚（今捷克地区）工厂生产的日用玻璃器皿进行比较研究，分析其在仿制高档手工制品（如切面水晶）方面的努力与局限。 折衷主义的艺术思潮： 维多利亚中期盛行的折衷主义风格，表现为对历史风格的重新挪用与混合。我们将分析洛可可复兴、哥特复兴等风格如何体现在玻璃器皿的设计元素中，例如繁复的雕刻、色彩的堆叠以及对厚重金属配件的运用。 有色玻璃的兴起： 介绍早期有色玻璃的化学原理与艺术应用。重点关注深宝石色（如深红、钴蓝）的玻璃制品，它们往往用于凸显厚重感和贵族气息，与当时流行的深色木质家具相匹配。 第二部分：工艺美术运动的理性与自然（1880-1901） 随着对工业化批量生产带来的粗糙和审美贫乏的反思，工艺美术运动（Arts and Crafts Movement）应运而生。这场运动强调回归手工、推崇材料的本真性以及设计与功能的统一。 对机械化的抵制与手工的回归： 深入探讨威廉·莫里斯及其追随者如何倡导艺术家应重新成为手工艺人。在玻璃领域，这意味着对过分精细的机切痕迹的摒弃，转而采用更具手工温度的表面处理。 英国玻璃设计的地域性： 侧重分析英国本土工坊，如达德利（Dudley）和伯明翰地区的工作室，在设计中如何融入地方性的自然形态，例如对本地植物、鸟类和水生生物的简化和图案化处理。这些作品通常具有简洁的线条和朴实的色彩，旨在服务于日常生活，而非仅仅追求炫耀。 玻璃器皿的功能性重塑： 考察工艺美术思想如何影响灯具和花瓶的设计。灯具开始倾向于使用磨砂或半透明的玻璃罩，以提供柔和、均匀的光线，取代了早期刺眼的水晶灯。 第三部分：新艺术运动的曲线与东方影响（1890-1914） 新艺术运动（Art Nouveau）是欧洲设计史上一次具有里程碑意义的运动，它彻底打破了传统古典的束缚，追求有机、流动的线条和对女性形态、植物藤蔓的极致赞美。 “鞭笞线”与有机形态的统治： 详细剖析新艺术运动玻璃设计的核心特征——不对称性、蜿蜒的“鞭笞线”（Whiplash Line）以及对自然界生命力的捕捉。分析法国和比利时（尤其是南希学派）在这一领域取得的卓越成就。 玻璃工艺的革命性创新： 重点介绍这一时期玻璃制作技术的突破，尤其是多层玻璃（Cased Glass）的运用。描述如何通过蚀刻（Etching）、喷砂（Sandblasting）和酸蚀（Acid Etching）等复杂的组合工艺，在同一器皿上创造出浮雕般的深度和不同程度的透明度。 工艺大师的肖像： 聚焦于几位代表性艺术家，如埃米尔·加莱（Émile Gallé）和达尔瑟姆兄弟（Daum Brothers）。分析他们的作品如何融合了东方主义（如日本浮世绘对光影和构图的影响）与西方象征主义，使玻璃成为承载文学和哲学意象的载体。我们关注他们如何通过色彩的微妙渐变（如“覆盆子色”或“豌豆绿”）来模拟自然光线的变化。 装饰性与叙事性： 阐述新艺术玻璃如何从简单的容器转变为微缩的雕塑或叙事场景，经常描绘黎明、薄雾、蜻蜓或水百合等主题。 第四部分：爱德华时代的精致与过渡（1901-1914） 爱德华七世时代是传统与现代交锋的时期。装饰风格趋于明亮、轻盈，反映了上流社会对休闲和享乐的追求，但工业化和新的功能主义思潮已在酝酿。 色彩的转向与透明度的回归： 讨论在爱德华时代，玻璃的审美偏好从维多利亚的厚重深色转向更轻盈、更透明的风格。水晶玻璃在英国和欧洲大陆的再度盛行，强调切割技术带来的极致闪光效果。 装饰风格的世俗化： 分析新艺术运动的复杂技术如何被简化，并融入更具古典秩序感的装饰图案中，例如涡卷纹（Scrollwork）和花环（Swag）图案的重新应用，但线条比维多利亚时期更为柔和。 灯具的演变： 考察照明技术（煤气灯到早期电灯）的进步如何影响玻璃灯罩的设计。探讨蒂芙尼（Tiffany）等美国公司在玻璃艺术上的贡献，特别是其标志性的金属镶嵌玻璃（Favrile Glass）技术，及其在欧洲市场产生的反响与竞争。 结论：面向未来的序曲 本书的收尾部分将回顾这一漫长而丰富的时期。维多利亚时代的厚重、工艺美术的正直、新艺术的流动，共同为二十世纪初的现代主义（如装饰艺术风格 Art Deco 和包豪斯）的出现奠定了基础。通过对这些工艺、风格和艺术家的细致考察，我们得以理解，玻璃作为一种媒介，如何忠实地记录和反映了一个时代从工业阴影走向现代光芒的复杂历程。

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这本书的行文风格，说来奇特，它成功地在学术的严谨性和大众的易读性之间架起了一座坚实的桥梁。一方面，它引用的脚注和参考资料非常扎实，涉及了大量的档案文献和博物馆馆藏记录，这保证了其作为参考书的权威性；但另一方面，作者叙事时所使用的语言，却保持着一种近乎口语化的亲切感。比如，在探讨某个著名的切割设计是如何被竞争对手“借鉴”时，作者的措辞里就带有一丝幽默的讥讽，这让人在学习历史的同时，也感受到了那个时代商业竞争的硝烟味。我尤其喜欢书中对“业余爱好者”现象的讨论。在那个年代，拥有并展示这类精美切割玻璃，被视为一种身份的象征，书中引用了一些当时的社会名流的日记片段，描述了他们在沙龙聚会上展示新购入的玻璃器皿时的那种骄傲与炫耀。这种社会学视角的切入，使得玻璃不再仅仅是冰冷的工艺品，而是成为了特定社会阶层生活方式的缩影，让整体的阅读体验丰富了不止一个维度。

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从装帧设计的角度来看，虽然我一开始觉得封面略显保守，但内部的版式设计却展现出了极高的专业水准。每一页的留白恰到好处，既保证了文字阅读的舒适度，也为那些尺寸巨大的、需要跨页展示的玻璃器皿高清照片留足了空间。摄影作品的质量是评价这类书籍的试金石，而这里的照片无疑是顶级的。它们不仅清晰地捕捉到了切割面的锐利度，更重要的是，成功地再现了玻璃内部的“深度感”和“流动感”。特别是那些带有复杂多层切割（Overlays）的作品，往往在平面的图片中会显得扁平，但这本书中的摄影师似乎掌握了特殊的布光技巧，使得每一层切割的边缘都仿佛悬浮在空中，层次分明。阅读时，我经常需要停下来，反复比对图注和实物照片，体会那种三维空间在二维平面上的精准再现。这本书的出版质量本身，就已经达到了对所描绘的“光影艺术”的最高致敬，它不仅仅是一本关于玻璃的书，它本身就是一件值得珍藏的印刷品。

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这本书的封面设计，说实话，初看之下有些朴实得过头了，甚至可以说是有些沉闷，那种厚重的，略带泛黄的纸张质感，很容易让人联想到那些尘封在图书馆角落里的学术专著。然而，一旦你翻开内页，那种感觉立刻就被打破了。作者在组织材料时的那种匠心独运，简直就像一位技艺精湛的玻璃切割师，将原本可能晦涩难懂的历史和技术细节，切割、打磨、排列得井井有条。我特别欣赏其中关于早期制造工艺的章节，它不仅仅是简单地罗列了日期和专利号，而是深入探讨了“为什么”——为什么在那个特定的时间点，美国的玻璃制造商会转向这种高度装饰性的切割风格。书中对不同时期切割图案的演变进行了细致的图文对比，清晰地展示了从早期的仿欧式复杂几何图案，到后期更加大胆、具有美国本土特色的“花卉”和“扇形”纹样的过渡。更让我惊喜的是，作者没有止步于纯粹的美学分析，还穿插了一些当时的商业记录和市场反应，这使得整本书的叙事不仅有深度，更有广度，让人感觉触摸到了那个时代美国手工业蓬勃发展的脉搏。阅读过程仿佛跟随一位经验丰富的收藏家走进了那些隐秘的私人展厅，每一件展品背后都有其独特的故事和市场背景，绝非枯燥的图录。

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如果要用一个词来概括我对这本书中“鉴别真伪与修复”章节的感受，那一定是“解密”。在收藏界，关于如何区分大师作品和流水线仿制品的传闻总是很多，真假难辨。这本书没有提供任何“万能公式”，而是极其耐心地拆解了几个标志性的案例。它并没有直接告诉你“这个划痕是假的”，而是引导你观察刀具轨迹的深度变化、气泡的分布模式，以及在特定角度下，光线穿过玻璃体时产生的微小畸变。这种教学方式，是基于对工艺原理的深刻理解，而非简单的经验总结。我记得其中一处分析了某个特定工厂在1910年代后半期因更换了新的砂轮材料后，其“星爆”切割边缘出现的那种难以察觉的粗糙感，这简直是教科书级别的细节描述。对于那些热衷于“捡漏”或害怕买到赝品的收藏家来说，这本书提供了必要的工具和思维框架去审视物品，它教你的不是“看什么”，而是“如何看”。

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我总觉得，评价一本关于特定工艺品的书籍，如果不能触及到材料本身的“手感”和“光影”，那就等于失了魂魄。这本书在这方面的描写，可以说是达到了令人惊叹的细致程度。它不仅仅是告诉你“这是铅玻璃”，而是深入剖析了高铅含量对折射率的影响，以及这种影响如何被当时的切割工具所利用，从而创造出那种特有的、如同钻石般璀璨的闪光。书中有一部分内容专门描述了不同光照条件下，同一件玻璃器皿反射光线的细微差别，这在文字中呈现出来，竟然没有丝毫的干瘪感，反而能激发读者去寻找相似的实物进行印证。我试着在午后阳光下观察我收藏的一些老式玻璃杯，发现书中所描绘的那些“火彩”（Fire）——那种分解出的光谱色彩——确实存在，而且不同制造商的作品，其火彩的“脾气”也大相径庭。这种基于感官体验的分析，极大地提升了阅读的沉浸感，让我感觉自己不是在看一份文献报告，而是在进行一场跨越时空的实物鉴赏会。对于任何一个渴望从“爱好者”升级到“鉴赏家”的读者来说，这种对细节的执着捕捉是至关重要的。

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