Jazz Play Along

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出版者:
作者:Taylor, Mark
出品人:
页数:71
译者:
出版时间:
价格:132.00 元
装帧:
isbn号码:9780634053573
丛书系列:
图书标签:
  • 爵士乐
  • 即兴演奏
  • 乐谱
  • 伴奏
  • 音乐教学
  • 音乐练习
  • Jazz
  • Play-Along
  • 乐器学习
  • 音乐爱好者
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具体描述

好的,这是一本名为《Blues Licks & Techniques for Guitar》的图书的详细简介: 《Blues Licks & Techniques for Guitar》 革新你的蓝调演奏:从基础到精湛的实用指南 图书简介 《Blues Licks & Techniques for Guitar》是一本专为渴望精通蓝调吉他艺术的乐手们量身打造的深度教程。本书摒弃了空泛的理论说教,专注于提供一套系统化、实战性极强的学习路径,旨在帮助演奏者构建扎实的蓝调基础,并解锁那些最具表现力和感染力的演奏技巧。无论你是刚刚接触蓝调音乐的新手,还是希望突破瓶颈、深化自己风格的资深乐手,这本书都将成为你工具箱中最不可或缺的资源。 核心理念:实践驱动的蓝调精髓 本书的核心理念在于“实践出真知”。我们深知,蓝调的灵魂不在于死记硬背音阶,而在于如何运用这些元素在音乐中“讲述故事”。因此,全书围绕构建真实的音乐语言展开,将复杂的技巧拆解为易于吸收的模块,并通过大量的实际乐句(Licks)和演奏情境来巩固学习成果。 第一部分:蓝调的基石——音阶、音阶与和声框架 在深入探讨技巧之前,本书首先为读者打下了坚实的理论基础,但这一切都将围绕演奏展开: 1. 蓝调音阶的深度挖掘: 不仅仅是介绍C大调和弦上的五声音阶和蓝调音阶,更重要的是阐释“升五度音”(Blue Note)在不同调性中的精确位置和听感差异。我们将展示如何在不同的和声背景下(如大小调转换)灵活运用这些音符,实现情绪的即时转换。 2. 五声音阶的“色彩魔术”: 探讨如何通过巧妙地叠加大小调五声音阶,来创造出经典“双重调性”的和声张力,这是许多大师级演奏的标志性声音。 3. 和弦进行与即兴的对应关系: 详细分析I-IV-V 12小节布鲁斯进行中的每一个和弦对应最有效的音阶和琶音框架。我们将展示如何在II-V-I结构中融入爵士蓝调元素,拓宽演奏的音乐领域。 第二部分:掌握蓝调的“语言”——经典乐句的解构与重塑 本部分是本书的精髓所在,我们聚焦于那些定义了蓝调风格的标志性乐句。每个乐句不仅提供清晰的指法和乐谱,更重要的是深入剖析其背后的动机和演奏技巧: 1. 芝加哥电声布鲁斯的能量核心: 学习如何运用强劲的推弦(Bends)、颤音(Vibrato)和揉弦(Shakes)来模仿如B.B. King、Albert King等巨匠的标志性声音。我们提供了一系列针对性练习,旨在让你每次推弦都能精确到位,音高完美。 2. 德州摇滚布鲁斯的狂野与精准: 探索Stevie Ray Vaughan风格中快速连奏(Alternate Picking)与双音(Double Stops)的结合。重点练习如何保持速度的同时,让每个音符都充满蓝调的“肉感”。 3. 密西西比三角洲的原始魅力: 对于指弹(Fingerstyle)爱好者,本书将详细演示如何模仿Robert Johnson和Muddy Waters的律动,包括如何同时演奏低音根音和旋律线,以及基础的拨片/手指混合技巧。 4. 乐句的“组合与变化”: 最重要的不是记忆乐句,而是学会使用它们。我们将指导读者如何将两个独立的乐句流畅地连接起来,以及如何通过改变节奏、音高或推弦力度来“个性化”每一个学习到的乐句,使其成为你自己的声音。 第三部分:提升表现力的演奏技巧精研 蓝调演奏的感染力往往来源于细节。本部分将你的演奏从“弹奏正确”提升到“弹奏动人”的境界: 1. 颤音(Vibrato)的艺术: 颤音是蓝调吉他手的“签名”。本书细致区分了手腕式、手指式和手臂式颤音的特点和适用场景。提供专门的听觉练习,帮助你找到最适合自己音色的颤音“宽度”和“速度”。 2. 推弦的精确控制: 我们将推弦的难度级别分为三级:半音推、全音推、以及超过全音的“超级推弦”。通过附带的音频示例,你可以精确对比标准音高和你的推弦音高,确保每次推弦都精准地达到目标音。 3. 律动(Groove)的内在驱动: 蓝调的律动是其灵魂。我们深入探讨了“摇摆感”(Shuffle)和“切分音”(Syncopation)在吉他演奏中的体现。通过慢速分解练习,确保你的节奏感能够真正“卡”在鼓点上。 4. 哇音踏板(Wah Pedal)的精妙运用: 讲解如何利用哇音踏板来模仿人声的“哭腔”,以及如何在即兴段落中用它来增加动态和戏剧性,而非仅仅是效果装饰。 附录:资源与进阶路径 本书的最后一部分提供了实用的工具和下一步的学习方向: 推荐聆听清单: 一份精选的蓝调唱片列表,按地域和风格分类,确保学习者有正确的“听觉范本”。 伴奏音轨(Backing Tracks): 附带高品质的纯布鲁斯伴奏音轨,覆盖慢速、中速和快速的三种节奏型,所有乐句和技巧练习都设计为可以直接套用在这些音轨上进行即兴演奏。 即兴挑战: 针对特定和弦进行设计的小练习,帮助你立即将所学技巧应用到实战中。 《Blues Licks & Techniques for Guitar》不仅仅是一本教材,它更像是一位经验丰富的导师,在你耳边低语着蓝调的秘密。拿起吉他,准备好用你的音乐,讲述属于你自己的蓝调故事吧。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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阅读体验上,这本书最大的问题在于其对“高级技巧”的处理方式——它似乎把“难”等同于“好”。我发现书中有大量篇幅都在介绍一些非常小众、甚至可以说是炫技的演奏技巧,比如某些罕见的泛音组合或者极速的琶音跑动。诚然,这些技巧在某些特定的、非常前沿的音乐作品中可能有所应用,但对于绝大多数希望提升基础能力、巩固中级技巧的演奏者来说,这些内容完全是“噪音”。它就像是一本烹饪书,花了三分之二的篇幅教你如何处理稀有的松露和鱼子酱,却只用一页纸简单提及了如何煎一块完美的牛排。这种内容比例的失衡,严重地误导了学习者的时间分配。我个人更看重的是扎实的基本功和音乐的流畅表达,而这本书恰恰在这方面着墨最少。它更像是一个“技巧清单”,而不是一个“成长指南”。每次当我尝试进入那些复杂的章节时,我都感觉自己像个被赶鸭子上架的孩子,被迫去尝试那些远超我当前能力范围的事情,这不仅打击了我的学习积极性,更让我对“进步”的定义产生了困惑。我更希望看到的是循序渐进的、有明确目标设定的练习模块,而不是这种由浅入深又突然插入“深渊”的结构。

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这本书的装帧和印刷质量,让我对出版商的品控产生了深深的怀疑。纸张的厚度勉强可以接受,但在多次翻阅之后,书页的边缘已经开始出现轻微的卷曲和磨损,这对于一本经常需要摊开放在谱架上使用的工具书来说,简直是效率的杀手。更让人头疼的是,那些图示和指法标记的清晰度。很多关键的图表,比如涉及到复杂指型转换的示意图,线条粗细不均,有些关键的阴影标记模糊不清,使得你在快速阅读时必须花费额外的精力去辨认,这在演奏过程中是绝对不允许的。我记得有一次,在一个和弦指法的表格里,我差点因为一个模糊的黑点而按错了弦的位置,后果在现场演奏中不堪设想。除了物理质量上的问题,书中对某些复杂的演奏技巧的描述也显得过于“节省篇幅”。比如,它提到了关于“拇指盖音”的技巧,但给出的解释只有寥寥数语,甚至没有提供一个明确的示例图来展示拇指应该如何放置才能有效压住低音弦。我花了整整一个下午在网上搜索相关的视频教程,才勉强弄懂了那个技巧的大致原理。这本书似乎在追求某种“极简主义”的呈现方式,但这种极简在传授复杂技巧时,就变成了对读者的不负责任。它更像是一份初稿,而不是一本经过市场检验的成品。

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从教学法的角度来看,这本书似乎完全忽略了现代学习者对即时反馈和交叉参考的需求。它更像是一本单向的信息输出工具,你读它,然后你就得自己去消化吸收。让我感到非常沮丧的是,书中对于练习曲目的音频配套支持几乎为零。在如今这个数字时代,一本乐谱教材如果不能提供至少对应的MIDI或者简单的音频示范文件,其价值至少要打个对折。我无法确定我的节奏、我的音准、我的力度是否符合作者的预期。每当我学习到一个新的和弦进行或一个复杂的节奏型时,我只能依靠自己有限的想象力去“脑补”它听起来应该是什么样子。这使得学习效率极低,因为你无法及时纠正自己错误的听觉认知。此外,书中缺乏任何互动元素或在线资源链接,没有配套的视频讲解,也没有一个可以提问的社区或论坛入口。这让我感觉自己像是在与一本沉睡的古籍对话,孤独且缺乏支持。对于我来说,学习乐器需要的是一个完整的生态系统,而这本书,仅仅提供了一块坚硬但冰冷的基石,让你在上面独自搭建一切。我强烈建议未来的修订版能够增加数字化支持,否则,它在现代教育工具的竞争中,将会彻底沦为过时的存在。

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我拿到这本乐谱集时,首先感受到的是它那股扑面而来的“学院派”的严谨,但这种严谨似乎用错了地方。它在技术细节上的打磨是毋庸置疑的,比如对特定音阶在不同调式下的应用,提供了非常详尽的指位图和对应的音符排列。然而,当你真正想将这些知识投入到实际演奏中时,那种“纸上谈兵”的感觉就暴露无遗了。书里提供的示范曲目,说实话,编排得非常晦涩。它们更像是理论的例证,而非可以流畅演奏的音乐片段。我试着去跟着演奏其中的一段快节奏变奏,结果发现,虽然每一个音符都标注得清清楚楚,但节奏的切分和律动感却完全没有体现出来。这就像是在看一份菜谱,所有食材和步骤都列出来了,但你就是做不出那个让人垂涎欲滴的成品味道。我特别关注了书里关于“感觉”和“律动”的章节——那部分内容少得可怜,仅仅用了几段干巴巴的文字描述了诸如“摇摆”(Swing)和“推拉”(Push and Pull)的概念,完全没有提供任何可以模仿和内化的听觉参考,这对于学习一门如此依赖听觉和身体反应的艺术形式来说,是致命的缺陷。我不得不承认,我最后还是得关上这本书,打开我的播放器,去听那些大师的录音,才能真正理解那些写在纸面上的音符究竟该如何“呼吸”。如果这是一本纯粹的理论参考书,或许还能勉强接受,但作为一本“演奏指导”,它在音乐情感的传达上做得实在太失败了。

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这本书,说实话,拿到手的时候我有点犹豫,封面设计得挺复古,但是内页的排版感觉有点……怎么说呢,像是直接从老旧的乐谱集里扫描出来的,没有任何现代化的优化。我原本期望的是一套能紧跟时代,或者至少在视觉上能让人耳目一新的教材。翻开目录,第一印象是内容覆盖面广得有点让人摸不着头脑,从基础的指法练习到复杂的和声进行分析,横跨了至少三个不同学习阶段的知识点,感觉像是一个资料汇编而不是一个精心设计的学习路径图。我花了大量时间试图理清它的逻辑结构,但每次都感觉像是在一个巨大的迷宫里绕圈。比如,在讲到三度和七度和弦的构建时,作者突然跳跃到了一个关于特定时期比波普(Bebop)独奏风格的深入探讨,两者之间的过渡生硬得让人措手不及。对于一个初学者来说,这种结构无疑是灾难性的,它迫使你同时处理太多不相关的信息。即便是对我这种已经摸索了几年的人来说,也需要不断地对照着其他参考资料才能勉强理解作者在这里想表达的深层联系。更别提书中的一些术语解释,简直是含糊其辞,仿佛作者默认读者已经具备了某种预设的知识背景,这对于自我学习者来说,简直就是一座难以逾越的高墙。我不得不承认,它的内容深度是存在的,但这种深度被极度混乱的组织方式给稀释和掩盖了。我真希望作者能在结构上多花点心思,哪怕牺牲一些篇幅来梳理一下脉络也好。

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