Chuck Close Prints

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出版者:Princeton University Press
作者:Terrie Sultan
出品人:
页数:160
译者:
出版时间:2003-08-25
价格:USD 55.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780691115764
丛书系列:
图书标签:
  • 肖像画
  • 版画
  • 查克·克洛斯
  • 艺术
  • 绘画
  • 当代艺术
  • 美国艺术
  • 人像
  • 艺术史
  • 印刷术
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具体描述

Chuck Close - a man who describes himself as "an artist looking for trouble" - has for three decades consistently but variously challenged the accepted boundaries of the printmaking tradition. Published to accompany a retrospective of his prints opening at Blaffer Gallery and traveling to the Metropolitan Museum of Art and several additional museums around the country, this is the first comprehensive survey of Close's revolutionary prints. Featuring exquisite reproductions of the prints together with essays on Close's career and in-depth interviews with the artist and his master printmakers, the volume blends words and images to give readers unique insight into the creative process.The text highlights the intensely collaborative nature of Close's project and looks into the challenges posed by the unprecedented huge scale he prefers. Close may labor on a single print for as long as two years, working out aesthetic problems that might involve the retrieval of a centuries-old European method on one day and the creation of an entirely new technique (such as applying sunscreen to block light) the next.'Prints have moved me in my unique work more than anything else has,' Close says. 'Prints change the way I think about things'. From the artist's ambitious first mezzotint to his recent pulp-paper multiples, this book chronicles the genius of Chuck Close in the medium in which he has done his most exciting work. Taken together, these prints constitute a remarkable self-portrait of the creative drive, vision, and intellect of one of America's most important living artists.Exhibition schedule include: Blaffer Gallery, the Art Museum of the University of Houston September 13-November 23, 2003; The Metropolitan Museum of Art, New York January 13-April 18, 2004; Miami Art Museum, Florida May 14-August 22, 2004; Knoxville Museum of Art, Tennessee October 29, 2004-March 27, 2005; Mint Museum of Art, Charlotte, North Carolina April 16-August 7, 2005; Addison Gallery of American Art, Andover, Massachusetts September 6-December 4, 2005; Modern Art Museum of Fort Worth, Texas April 16-June 28, 2006; Madison Museum of Contemporary Art in Madison, Wisconsin July 29 - October 6, 2006; Orange County Museum of Art, Newport Beach, CA January 28-April 20, 2007; Boise Art Museum, Idaho May 12-August 11, 2007; and, Portland Art Museum, Oregon September-December 2007.

艺术的边界与视角的重塑:当代肖像摄影的革新之路 图书名称: 《视觉的迷宫:从古典到数码时代的肖像探索》 图书简介: 《视觉的迷宫:从古典到数码时代的肖像探索》是一部深度剖析肖像艺术发展脉络的权威著作。本书旨在超越对单一艺术家或特定流派的聚焦,而是将视角置于整个肖像摄影史的宏大叙事中,审视技术进步、社会变迁以及哲学思辨如何共同塑造了我们理解“人像”的方式。 本书结构严谨,分为四个主要部分,层层递进地揭示了肖像艺术从其诞生之初到数字时代的深刻演变。 第一部分:影像的诞生与“真实”的困境(19世纪中叶至20世纪初) 本部分追溯了摄影术发明初期,肖像摄影如何迅速取代了昂贵的肖像画,成为中产阶级记录自身存在的主要媒介。我们仔细考察了早期摄影棚的布景、灯光和姿态的程式化,探讨了维多利亚时代对于“体面”与“永恒”的追求如何在最初的银盐印相中定格。 重点章节包括:对早期达盖尔法和湿版工艺的细致分析,以及这些技术局限性如何催生出一种庄重、近乎冥想的肖像风格。此外,我们深入探讨了“相貌的真实性”这一早期美学命题。摄影师如何利用曝光时间来捕捉人物的静态本质,以及这种被严格控制的“真实”如何与文学和绘画中的浪漫主义肖像产生了微妙的张力。我们还将目光投向了乔治·伊斯特曼的柯达相机普及化对肖像摄影民主化的影响,探讨了“人人皆可记录自己”的观念如何首次挑战了精英阶层的肖像特权。 第二部分:现代主义的解构与主体的碎片化(20世纪20年代至60年代) 随着现代主义思潮的兴起,肖像艺术开始了一场彻底的内部革命。本部分的核心议题是:当主体性成为哲学探讨的焦点时,肖像如何捕捉内在的精神状态而非外在的皮囊? 我们详细研究了先锋派艺术家如何利用蒙太奇、多重曝光和非传统的视角来打破传统的构图规范。例如,对阿尔弗雷德·史蒂格里茨晚期作品中对情绪光影的运用,以及在包豪斯运动中,摄影如何被视为一种分析人类行为和身体动态的科学工具。 此阶段的重点在于“心理肖像”的构建。摄影师不再满足于记录面部特征,而是试图通过环境、手势乃至环境光线的暗示,揭示人物的社会角色、潜意识的冲突或异化的体验。本部分通过对战后欧洲和美国艺术摄影的对比分析,展示了在两次世界大战的冲击下,肖像如何从颂扬个体英雄主义转向对普通人身份焦虑的深刻刻画。 第三部分:社会学的介入与身份的政治化(20世纪70年代至90年代) 进入后现代语境,肖像摄影不再是纯粹的美学实践,而是强有力的社会评论工具。本部分聚焦于社会学理论如何渗透到肖像的实践之中,特别是关于权力、性别、种族和阶层的话语。 我们投入大量篇幅分析了纪实摄影和观念摄影如何交织在一起。这一时期的肖像作品常常是精心布置的场景,质疑了观众对“客观记录”的盲目信任。例如,探讨了女性主义摄影家如何通过自拍和对凝视的反转,重新夺回对自己身体和形象的叙事权。同时,我们也考察了那些专注于特定边缘群体的摄影项目,这些项目不仅是记录,更是为被忽视的群体争取可见性、进行政治动员的行动。 技术层面上,彩色摄影和大型格式相机的普及,使得肖像的细节达到了前所未有的清晰度,这反过来也让作品对社会表象的批判更加尖锐和不留情面。观众被要求直面那些被主流文化所美化或隐藏的现实。 第四部分:数字时代的消融与重构(21世纪初至今) 最后一部分探讨了数字革命对肖像这一古老艺术形式带来的颠覆性影响。本书认为,数字技术不仅改变了拍摄和冲印的过程,更从根本上改变了我们对“肖像作为稳定实体”的认知。 我们分析了“自拍”(Selfie)现象背后的文化逻辑,将其视为个体对自身形象进行持续、流动、公共编辑的当代实践。这不仅是技术的普及,更是主体性自我构建的一种新范式。同时,本书也考察了数字后期制作(如Photoshop的广泛应用)如何使得“完美肖像”成为一种可以工业化生产的商品,进而引发了关于审美标准真实性的新一轮伦理辩论。 此外,本书还探讨了人工智能和深度伪造技术对传统肖像的终极挑战。当人脸可以被轻易地合成或替换时,肖像的意义——从记录一个特定时刻的特定人物——是否已经消解?我们将通过分析当代数字艺术家如何利用这些工具进行创作,来探讨未来肖像艺术可能走向何方:是回归对原始人性的挖掘,还是彻底拥抱虚拟与超现实的建构? 总结: 《视觉的迷宫》超越了对“谁是伟大的肖像摄影师”的简单罗列,它是一部关于观看、被观看以及自我呈现的哲学史。它邀请读者以批判性的眼光,重新审视那些我们习以为常的面孔和影像,理解肖像艺术如何在每一次技术和思想的浪潮中,不断地挑战、重塑并最终定义我们的人性认知。本书适合所有对摄影史、视觉文化、艺术哲学以及当代社会学感兴趣的读者深入研读。

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读后感

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用户评价

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我是在一个非常偶然的机会下翻到这本书的,当时我正在为我的研究生论文寻找关于后现代肖像学的灵感。这本书提供的视角是如此独特且令人耳目一新。它没有陷入那种老生常谈的关于“再现的危机”的哲学辩论,而是通过极其扎实的案例分析,展示了技术如何重塑我们的视觉认知。那些关于网格结构和点阵系统的论述,彻底颠覆了我对传统肖像画的刻板印象。作者巧妙地将高科技的扫描和低技术的丝网并置对比,揭示了信息在不同媒介间流动时所发生的结构性转变。我特别喜欢其中关于“信息缺失的补偿”那一章,它探讨了当我们被赋予大量碎片化信息时,大脑是如何主动地填补空白,从而构建出完整的、但可能带有强烈主观色彩的“真实”。这对于理解当代社会中信息流的构建逻辑具有极大的启发性。这本书的论述逻辑严密,引用了跨学科的知识,从视觉心理学到信息论,构建了一个非常坚实的理论框架,绝非一般艺术评论能比拟。

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说实话,我本来对手册类的书籍兴趣不大,通常觉得它们枯燥乏味,充斥着技术术语。然而,这本书以一种近乎小说叙事的口吻,讲述了艺术家在创作过程中所经历的挣扎与突破,这让我完全放下了偏见。尤其是关于合作关系的描述,让我印象极为深刻。艺术家与印刷师之间的那种微妙的、互相制约又互相成就的关系,被刻画得栩栩如生。这不再是单向度的“天才创作者”神话,而是展现了一个复杂的工作室生态系统。我仿佛能感受到那种在大型印刷机前,双方为了一个细微的色彩偏差而反复磨合的紧张气氛。书中对特定批次印刷品的“意外缺陷”的记载,读起来简直像是在阅读探案小说,每一个失误都隐藏着一个关于材料特性的秘密。这种人性化的叙事,加上对技术细节的毫不含糊的交代,使得这本书既有学术的深度,又不失阅读的愉悦感。它让我对“手工制作”的价值有了全新的理解——那是一种与机器的对话,而不是简单的征服。

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这本书带来的最大震撼,在于它如何解构了“原作”的概念,尤其是对于限量版艺术品的价值体系提出了尖锐的质疑。作者没有简单地抨击市场机制,而是从技术复制的可能性出发,探讨了在数字时代,我们究竟在为什么买单——是作者的签名,还是那几张纸上的油墨痕迹?书中对不同版本之间微小差异的详尽比对,尤其是那些被称为“艺术家草图”和“最终版”之间的过渡,模糊了创作过程与最终产品的界限。阅读过程中,我脑中不断浮现出我们这个时代对“原创性”的焦虑。它引导我思考,当复制技术无限接近完美时,艺术的“独特性”该如何安放?与其说这是一本关于印刷技术的书,不如说它是一部关于当代艺术哲学、关于媒介本体论的深刻探讨。它不仅仅是记录了历史,更重要的是,它为我们理解未来的艺术生产和消费提供了一种全新的、极具批判性的思维框架。读完之后,我对任何印刷品都会多看几眼,试图从中捕捉到被技术隐藏起来的“信息结构”。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴,从封面那略带粗粝感的纸张纹理,到内页油墨的细腻层次感,无不透露出对艺术媒介本身的尊重与痴迷。我尤其欣赏那种对于印刷技法探索的执着。作者似乎对“复制”这件事抱有一种近乎偏执的迷恋,不仅仅是简单地呈现作品,更像是在解剖每一个碳粉颗粒、每一个套印误差如何最终汇聚成一幅令人屏息的图像。读着那些关于丝网印刷如何被推向极限的段落,我仿佛能闻到工作室里松节油和油墨混合的气味。那些早期的实验性作品,那些充满不确定性的尝试,被详尽地记录下来,而不是被美化成一个完美无瑕的艺术史叙事。这让我意识到,伟大的艺术往往诞生于对材料的无休止的搏斗之中。整本书的排版布局也极为考究,大量留白的使用,使得那些精细的图像细节得以充分呼吸,避免了信息过载,让阅读体验成为一种沉浸式的、缓慢的品鉴过程,而不是匆忙的浏览。这本册子本身,更像是一件精心制作的艺术品,而非仅仅是一本说明手册。

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这本书的文本密度高得惊人,我需要反复阅读才能完全消化其中蕴含的深意。它的文字风格极其凝练,充满了精确的、近乎科学的描述,但同时又保持着一种独特的、略带疏离感的诗意。它不像一本面向大众读者的艺术普及读物,更像是一份留给同行的、高度专业的内部报告。我尤其关注其中关于色彩理论在特定印刷媒介中的应用部分。作者对CMYK色彩模型在不同基底上的光谱表现差异的分析,深入到了化学层面,这对我正在进行的光学实验提供了宝贵的参考。我必须承认,其中有几段关于光线折射和颜料颗粒大小的论述,我不得不查阅相关的物理学教材才能完全理解。但正是这种挑战性,让这本书的价值倍增。它迫使读者走出舒适区,去主动建构知识体系,而不是被动接受既有的结论。这对于任何希望在视觉艺术领域进行深入研究的人来说,都是一本不可或缺的工具书。

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