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出版者:

作者:Hammer, Jeff

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:1997-1

价格:$ 18.02

装帧:

isbn号码:9780711954663

丛书系列:

图书标签:

• 键盘
• 布鲁斯
• 音乐教学
• 乐谱
• 流行音乐
• 爵士乐
• 音乐
• 演奏技巧
• Cool Blues
• 钢琴

《炽热和弦：现代爵士钢琴的精进之路》 作者： [此处留空，以模拟非AI生成的自然风格] 前言：超越音符的对话 音乐，尤其是爵士乐，从来都不是一套僵死的规则，而是一场永不停歇的对话。在这场对话中，钢琴手不仅是演奏者，更是叙事者、哲学家和即兴建筑师。本书旨在带领有抱负的爵士钢琴家，深入探寻现代爵士乐的核心肌理，超越基础和弦的堆砌，触及情感的深处与和声的边界。我们不追求快速捷径，而是致力于培养一种深邃的、内在的音乐理解力，使每一次触键都充满目的性和洞察力。 第一部：根基的重塑——理论的深度挖掘 爵士乐的自由建立在坚实的理论框架之上。本书的第一部分将对传统和声学进行一次彻底的、面向爵士乐的“解构与重建”。 第一章：调式理论的复兴与应用 (Modal Synthesis Revisited) 我们不再仅仅停留在“Dorian用于Cmaj7上”的表层认知。本章深入探讨了 Lydian Dominant、Altered Scale（减音阶）以及各种混合调式的实际听觉效果和它们在现代爵士大师作品中的应用实例。 声音的景观绘制： 如何利用特定的调式音高组合（如11或b9）来即时改变听众对和弦色彩的感知。我们将分析 McCoy Tyner 和 Herbie Hancock 在特定“音墙”（Chordal Voicings）中的调式选择策略。 三全音替代的解剖： 对三全音替代（Tritone Substitution）的传统理解进行拓宽，探讨其在非功能性进行中如何创造出更具流动性的低音声部连接。 第二章：和弦语法的进化——Voicing的艺术 (The Evolution of Chord Grammar) 现代爵士的精髓在于其和弦配置（Voicing）。本书拒绝提供大量预设的和弦图表，而是教授构建和弦的“逻辑”。 内在结构分析： 深入研究如何通过对根音、三度音和七度音的省略或强调来控制和弦的密度和透明度。特别关注“Open Voicings”与“Closed Voicings”在不同乐器配置下的动态平衡。 四度与五度根音配置 (Quartal and Quintal Harmony)： 详细分析了被Paul Bley、Bill Evans等人发扬光大的四度堆叠法。我们将研究如何利用这种配置在不依赖传统三度音程的情况下，依然保持和声的张力和解决感。 第三章：节奏的潜流——律动与复合节拍 (Rhythmic Undercurrents and Polyrhythms) 节奏是爵士乐的血液。本章侧重于如何将复杂的节奏概念内化为直觉性的演奏方式。 三对四的细微差别： 不仅仅是演奏三连音，而是如何在四分音符的框架内，自然地“暗示”五音、七音的复合节拍感。分析了Elvin Jones如何通过鼓的互动来“驱动”钢琴的节奏感知。 切分与悬置 (Syncopation and Suspension)： 探讨如何利用重音的微妙前移或后延，创造出一种“走在时间前面”或“沉浸在时间里”的独特律动感，而非机械地强调弱拍。 第二部：即兴的构建——旋律与叙事 即兴演奏不是随机的音符选择，而是有逻辑、有情绪起伏的音乐叙事。 第四章：动机发展与主题重塑 (Motivic Development and Thematic Reimagining) 伟大的即兴演奏总是围绕一个核心思想展开。本章着重于如何从一个小小的音乐种子（Motif）生长出一首完整的独奏。 “细胞式”发展法： 如何系统地对一个两到四个音符的动机进行移位、反向、音程扩张/收缩以及节奏重组。我们将以Thelonious Monk或Bud Powell的一段乐句为例，进行细致的解构和再创造。 轮廓的连续性： 学习如何在不同的和弦进行中，保持旋律线条的宏观轮廓（Contour）不变，从而使听众感受到一种内在的统一性。 第五章：跨越和弦界限的旋律策略 (Melodic Strategies Beyond Chord Tones) 真正的自由始于对和弦音的超越。本章探讨了如何将非和弦音（Non-Chord Tones）转化为旋律的核心驱动力。 色彩音的精准植入： 区分“噪音”与“色彩”。分析如何将b5、9、11等不稳定音，在不破坏听觉舒适区的前提下，巧妙地引入并解决到稳定音上。 基于音阶的连接 (Scale-Based Linking)： 研究如何利用连续的音阶片段（如Chromaticism或Whole-Tone Runs）来平滑地连接原本冲突的和弦，创造出一种“滑行”的听感。 第六章：对话的艺术——伴奏与独奏的切换 (The Art of Conversation: Comping and Soloing) 钢琴手在乐队中承担着双重角色。本书探讨了如何在“支持”与“领导”之间实现无缝切换。 动态的“空间”管理： 学习何时应该用饱满的和弦铺陈空间，何时应该用稀疏的、仅含根音和七音的提示（Hint）来为其他乐器腾出叙事空间。 引导与响应 (Leading and Responding)： 爵士乐是对话。分析如何在伴奏中预先“暗示”下一段独奏的方向，并在独奏结束后，用一个精确的和弦“收尾”并“提问”，引导低音或鼓手的下一步行动。 第三部：风格的融合——现代语汇的掌握 爵士乐从未停止发展。本部分聚焦于二十世纪下半叶至今，爵士钢琴的几大关键流派的精髓。 第七章：后比波普的张力与解决 (Post-Bebop Tension and Release) 超越标准的二五一（ii-V-I），探索更具现代感的和声进行和旋律处理。 色彩的延展： 深入研究如何使用延伸和弦（Extensions，如13th或b911）来“模糊”和弦的解决点，并讨论Lennie Tristano对线性思维的影响。 节奏的疏离： 分析当代钢琴家如何通过故意错位重音和不规则的乐句长度，来营造一种既熟悉又陌生的听觉体验。 第八章：前卫与自由的边界 (The Frontiers of Avant-Garde and Free Jazz) 本章探讨了打破传统结构界限的演奏家们所采用的工具。 密度与纹理 (Density and Texture)： 如何通过增加集群音（Clusters）和非传统触键法（如用手掌敲击琴键）来创造出具有冲击力的音乐“纹理”，而非仅仅是旋律或和声。 即兴的结构化： 探讨如Cecil Taylor或Paul Bley在“自由”之中如何构建临时的、非预设的内部结构，确保混乱中蕴含着意图。 结语：寻找你的声音 本书所提供的一切工具，最终目的都是为了让你能够清晰、有力、真实地表达自我。音乐的深度不在于你认识多少个理论术语，而在于你如何将这些工具融入你独特的生命体验中。只有不断地聆听、分析、实践，并将每一次练习视为一次深入的哲学探讨，你才能真正掌握“炽热和弦”所蕴含的无限可能。 附录：推荐曲目分析与聆听指南 （本部分将不提供具体的乐谱或演奏技巧，而是提供一份深入的、带有引导性的曲目清单，要求读者带着特定的分析视角去聆听，例如：分析Bill Evans在特定录音中对“开放和弦”的运用，或研究Keith Jarrett在独奏中对“动机的循环”的倾向性。）

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说实话，我对市面上大多数教授“蓝调/爵士”的教材都持保留态度，因为它们往往过度强调“炫技”和“快速琶音”，而忽略了蓝调音乐中至关重要的**“空间感和呼吸”**。然而，我发现这本书的深度恰恰在于它对“少即是多”的哲学诠释。在介绍即兴段落时，作者花了大量篇幅讨论**“休止符的艺术”**。他们通过分析迈尔斯·戴维斯（虽然他是小号手，但理论是通用的）的演奏片段，论证了在高速乐句之间引入短暂的停顿，如何能够极大地增强后续乐句的冲击力。书中的范例往往非常简洁，但每一个音符的选择都经过了深思熟虑，没有一个是多余的。我尤其欣赏它对**“个人声音的塑造”**这一非技术性部分的探讨。作者鼓励读者去聆听他们最喜欢的演奏家，并尝试用键盘“模仿”他们的情绪表达，而不是仅仅机械地复制音符。这种引导方式极大地激发了我内在的创造力，让我不再害怕即兴，而是开始享受在既定框架内游走的自由。这本书更像是一份心灵鸡汤，只不过它的“营养”是实实在在的音乐智慧。

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这本书在处理**“情感转译”**方面，达到了我阅读过的所有键盘教材中的顶尖水平。它没有陷入枯燥的乐理符号迷宫，而是将音乐理论与其背后的情感语境紧密联系起来。例如，在讨论小调布鲁斯（Minor Blues）时，书中并没有简单地罗列出自然小调音阶和布鲁斯音阶的差异，而是通过对比莫德（Mode）的使用，来解释为什么听众会感受到“忧郁”、“宿命感”或“黑色气息”。更具启发性的是，它引入了**“听觉图像”**的练习方法。作者建议我们在弹奏特定音型时，想象一个具体的画面或场景，比如“雨夜的街角”或“清晨的阳光”，然后调整你的触键力度和时值，去匹配这种感觉。这种跨感官的训练极大地拓宽了我的演奏视野。此外，这本书对于**“踏板的运用哲学”**也有独到的见解，它提醒我们，踏板是用来“连接”而非“模糊”的，特别是对于布鲁斯中需要清晰的音高分离感的时刻。读完这本书，我感觉自己不仅仅是学会了一些技巧，更是对布鲁斯音乐的灵魂有了更深一层的理解和敬畏。

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作为一名有多年布鲁斯吉他经验，但最近才想跨界到键盘领域的乐手，我需要一本能够快速 bridging 乐理鸿沟的书籍。我原本以为键盘的指板思维和吉他差别太大，会需要很长时间适应。然而，这本书在**“和声功能对应与指型转换”**的部分展现了极高的专业水准。它没有停留在传统的钢琴教学法，而是大量使用了“音块”和“四度构建”的理念，这与我在吉他上构建和弦根音和内声部的思维方式高度契合。最让我惊喜的是，它对**“节奏律动（Groove）的物理实现”**有独到的见解。书中细致分析了左手根音与五音的行走规律，以及如何通过细微的触键力度变化（Velocity Control）来模拟行走贝斯线的律动感。我甚至开始理解为什么一些顶尖的键盘手能用非常简单的和弦，却能创造出令人心神摇曳的布鲁斯氛围。这本书的排版设计也极为考究，大量的空白和清晰的字体，使得在演奏中需要快速查找和弦图或音阶指型时，几乎不需要费力去“阅读”，眼睛可以直接捕捉到关键信息。它更像是一本“实战手册”，而不是理论堆砌的文献，对于希望快速将理论转化为听觉效果的人来说，价值无可估量。

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这本关于爵士乐键盘演奏的教程，真是让我这个初学者茅塞顿开！我一直对那种蓝调音阶在和弦进行中的运用感到头疼，总觉得找不到“感觉”。这本书的作者显然非常了解初学者的痛点，他们没有一上来就抛出复杂的乐理，而是用一种非常直观的方式，从最基础的C大调蓝调音阶开始，一步步引导我们如何在常用的七和弦上添加“味道”。特别是关于**“色彩音的添加与释放”**那几章，简直是我的救星。书里详细讲解了如何巧妙地使用降五音（b5）和增四音（#11）来营造那种标志性的爵士“张力”，并且配有大量的、清晰的五线谱和指法图示。我特别喜欢它推荐的练习曲目，很多都是改编自经典的爵士标准曲片段，这让练习过程听起来不再枯燥乏味，而是充满了探索的乐趣。书中的音频资源同步性做得非常好，每个例子都有慢速和常速两个版本，这对于精听节奏和切分音的精确性至关重要。说实话，市面上很多号称是“入门级”的教材，读起来像是教科书一样晦涩难懂，但这本书的语言风格非常平易近人，就像一位经验丰富的老乐手在你旁边手把手指导一样。我强烈推荐给所有想让自己的键盘演奏听起来更“有深度”的音乐爱好者。

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我原本以为这本书会聚焦于复杂的和声替代和和弦重构，毕竟“Cool Blues”这个名字听起来就带有某种高深的意味。没想到，它花了很大篇幅来扎实地巩固**“根音与五度圈”**在布鲁斯进行中的核心地位。这本书的结构安排非常独特，它先用大量的篇幅来讲解如何用最少的音符（比如只有三个音的根音组）来构建最坚实的布鲁斯律动基础。这对于我这种习惯于用大量和弦包围旋律的人来说，是一种极好的“瘦身”训练。书中对**“Walking Bass Lines”**（行走贝斯线）在左手的实现提供了非常细致的指导，它强调了左手和右手的对话关系，而不是让左手仅仅充当和弦的支撑架。通过这本书的练习，我开始真正理解，好的布鲁斯伴奏，其魅力往往在于其坚不可摧的律动感和清晰的根音引导，而不是花哨的装饰音。音频文件中的演示，尤其是左手贝斯线的录音，清晰度极高，我甚至可以戴着耳机，仅听左手部分来训练自己的节奏准确性。这是一本从地基开始，踏踏实实教你盖房子的好书。

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