具体描述
This updated edition of Costumes for the Stage aims at simplicity in all aspects of designing and making costumes. It is designed primarily for those who need to dress plays on a small budget, whether for amateur, semi-professional, or professional groups. Starting with five pages illustrating the basic shapes of each period, Sheila Jackson provides practical advice for every kind of play, together with drawings, diagrams, and patterns from which to work. Included are sections on Greek plays, medieval miracles and mysteries, Shakespeare, seventeenth century, eighteenth century, Victorian and Edwardian costume, the twenties and thirties, and the present day. Each section covers the details of men's and women's clothes (hats, collars, shoes, jewelry, etc.) as well as methods for adapting and simplifying the style of the period. There are also sections on pantomimes and musicals, pageants and school plays, and invaluable advice on underwear, fabrics, measurements and fitting, the use of color, and simple ways to make masks, crowns, and decorations. The revised edition features expanded text and new illustrations. Hundreds of line drawings and no-nonsense, authoritative text combine to make this an essential book of costume design.
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读后感
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用户评价
读完这本书，我最大的感受是，它彻底颠覆了我对“服装设计师”角色的传统认知。作者将设计师描绘成一个处于权力金字塔顶端的“视觉总导演”，他们不仅要与导演沟通，还要与舞美设计师、灯光设计师，甚至与演员的身体限制进行多方博弈。书中有一章专门讨论了“服装的运动学约束”，即服装如何限制或解放演员的肢体表达，这一点对我的启发性极强。我以前只关注服装是否“好看”，现在我开始思考，那件戏服的裙摆在演员快速转身时，产生的气流和视觉拖影，是否准确地传达了角色内心的“失控感”。书中引用了许多关于人体工程学在舞台服装设计中的应用实例，比如如何设计一件中世纪盔甲，既能保证其视觉上的压迫感，又不至于让演员在舞台上虚脱。这本书的叙事风格非常坦诚，它毫不避讳地揭示了高雅艺术背后的艰难妥协、预算限制以及与演员之间产生的权力拉锯战。这种“揭秘”的姿态，让原本高高在上的服装艺术，变得真实可触，充满了人性的复杂。
评分坦白讲，初翻这本书时，我一度感到有些“不知所措”。它的结构并非传统的按时间线或剧种分类，反而更像是一系列散点式的、高度专业化的案例研究集合。书中对“光影与纺织品反射率”的章节，简直像是一堂高等物理课与艺术史的跨界融合。我花费了相当长的时间才消化完其中关于“舞台聚光灯下，羊毛与合成纤维对暖色调的吸收与折射差异”的详尽图表和数学模型。这远远超出了我对于一本“服装书”的期望，它更像是为剧院技术总监和高级灯光设计师量身定做的参考书。书中的一些术语，比如“折射角度的临界点”或者“偏振光对丝绒纹理的破坏性影响”，如果没有一定的舞台技术背景，阅读起来会有些吃力。我必须承认，在阅读过程中，我频繁地查阅了许多与光学和材料科学相关的补充资料，才能真正理解作者所强调的“视觉真实性”是如何被精确计算出来的。不过，一旦你克服了最初的技术门槛，你会发现作者试图建立的，是一个将美学决策与技术限制完美融合的严密体系。它揭示了那些我们习以为常的、看似“自然”的舞台效果背后，隐藏着多少精密的科学计算和权衡取舍。这本书的价值不在于提供现成的设计方案，而在于提供一种近乎科学的分析方法论。
评分这本书的收尾部分，处理得极为高明和具有前瞻性，它没有落入对过去辉煌的缅怀，而是将焦点完全投向了数字时代对舞台服装带来的冲击。作者探讨了“虚拟试装系统”和“可穿戴电子元件”在未来剧场中的应用潜力，并提出了一个尖锐的问题：当服装的“触感”和“重量”都可以被模拟时，我们是否还需要依赖传统面料？这种对未来技术的敏锐洞察力，让整本书的讨论超越了“历史回顾”的范畴，成为了一个面向未来的行业宣言。书中对“智能服装”的初步概念性设计图进行了展示，虽然尚处于理论阶段，但已经勾勒出了一个令人兴奋的蓝图——服装可以根据环境温度改变颜色，甚至可以根据演员的心跳速率同步闪烁微光。这部分内容充满了实验精神和大胆的想象力，它不仅是对服装设计技艺的梳理，更是对“剧场体验”边界的不断拓宽。总而言之，这不是一本能让你轻松读完的书，但它绝对是能让你读完后，看待舞台艺术的视角发生根本性转变的宝贵财富。
评分这本名为《Costumes for the Stage》的书，在我心中留下了极其深刻的印象，但它所呈现的内容，却远超我最初对“舞台服装”这一主题的想象。我原以为它会是一本聚焦于历史服饰演变或是特定戏剧流派的服装设计手册，然而，它更像是一次对“角色构建”与“视觉叙事”的深度哲学探讨。作者巧妙地将服装设计置于更宏大的戏剧理论框架之下，探讨了面料的选择如何影响观众对角色心理状态的感知，以及色彩搭配在不借助台词的情况下，如何主动引导观众的情绪波动。例如，书中对“灰色的层次”在表现人物内心挣扎时的细腻分析，令人拍案叫绝。它不是简单地告诉你“悲剧角色穿深色”，而是深入剖析了从炭黑到石灰白之间，不同灰度如何微妙地暗示了角色的道德模糊性或精神衰退过程。这种对细节的执着，使得这本书即便对于非服装专业人士，也具有极强的启发性。它强迫你重新审视剧场中每一个可见的元素，认识到服装绝非附属品，而是与灯光、音效、表演同等重要的叙事工具。对于舞台美术系的学生来说，这无疑是一部革命性的教材；而对于热衷于舞台剧的普通观众，它则像一双魔术眼镜，让你看到平时忽略掉的、隐藏在华服之下的深层密码。我尤其欣赏作者在探讨面料触感时，那种近乎诗意的描述，仿佛你能透过文字感受到丝绸的冰凉和粗麻布的粗粝。
评分这本书的排版和视觉呈现，是我读过的舞台艺术书籍中，最让我感到“不妥协”的一本。它几乎没有使用任何我们常见的那种教科书式的、低分辨率的剧照拼贴，而是采用了大量的、经过极其讲究的布景和光照条件拍摄的单品特写。这种对“图像质量”的苛求，让每一次翻页都像是在进行一次博物馆级别的视觉鉴赏。那些关于配饰，特别是头饰和珠宝部分的论述，简直是令人叹为观止。作者不仅描述了这些配饰的造型，更重要的是，他们深入挖掘了这些物品在剧作中作为“信物”或“权力象征”的文化根源。例如，书中对某一特定时期欧洲宫廷耳环的文化意涵分析，可以单独拿出来写一篇论文。更让我印象深刻的是，书中的每一张配图，似乎都经过了严格的版权和技术审查，它们不仅仅是插图，而是带有注释的“证据”。唯一的遗憾是，由于篇幅所限，很多极具潜力的案例（比如对日本能剧面具与服装的对比分析）只是一带而过，让人意犹未尽，希望作者能在后续版本中，对此类跨文化的研究做更深入的拓展。
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