具体描述
For nearly 300 years, oboe players have painstakingly evolved the individualized skill of reedmaking. David A. Ledet's unique study of techniques for styling oboe reeds analyzes, in detail, 166 examples of reeds by 80 artists from 14 countries. Each reed is strikingly photographed both in reflected light and in silhouette, clearly illustrating the relative thickness and shaping of the various sections of the reed.Oboists' reflections on their reedmaking techniques and brief biographical sketches introduce the photographs. As background to his survey, Ledet discusses various aspects of tone production, gives a brief history of the instrument, and offers valuable advice about pedagogical techniques. The book also documents musicians such as Robert Bloom, Henri de Busscher, Janet Craxton, Peter Graeme, Harold Gomberg, John Mack, Ronald Roseman, Ray Still, and the celebrated Marcel Tabuteau. "Oboe Reed Styles" is a valuable historical and technical record, essential for teacher, performers, and students of all ages and abilities.
作者简介
目录信息
foreword by Richard Killmer--------------------xi
acknowledgments--------------------------------xiii
introduction-----------------------------------------xv
PART 1: TONE PRODUCTION
1. Respiration--------------------------------------3
2. Articulation---------------------------------------20
3. The Embouchure------------------------------26
4. The Instrument---------------------------------33
5. The Acoustics of the Room-----------------48
6. The Listener-------------------------------------52
PART 2: OBOE REEDS
7. Reeds of Individual Oboists----------------57
8. A Delineation of Reed Styles---------------167
9. Summary and Conclusions----------------174
notes-------------------------------------------------207
bibliography----------------------------------------211
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读后感
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用户评价
这本书简直是音乐爱好者的福音，特别是对于那些对管乐器世界充满好奇的新手来说，它像是一盏指明方向的灯塔。我原本对双簧管那种复杂而精妙的簧片制作一窍不通，总觉得那是只有经验丰富的大师才能掌握的神秘技艺。然而，这本书以一种极其平易近人且富有启发性的方式，将那些看似高不可攀的专业知识层层剥开，展现在我们面前。作者的叙事风格非常吸引人，他没有使用那些让人望而生畏的专业术语堆砌，而是通过生动的比喻和贴近生活的例子，将簧片制作的每一个步骤——从芦苇的选择、刮削的力度、到最终的塑形和调整——都描绘得栩栩如生。我特别欣赏其中关于“声音的哲学”的探讨，它不仅仅关注技术层面的操作，更深入地触及了演奏者如何通过簧片来表达内心情感的微妙联系。读完第一部分，我感觉自己像是获得了一把开启乐器灵魂的钥匙，不再只是一个被动的听众，而是开始理解声音是如何被“创造”出来的。这种从技术到艺术的完美融合，使得这本书的阅读体验非常愉悦且富有成效，它激发了我动手尝试的强烈愿望，即便我目前还没有正式开始制作自己的簧片。
评分这本书的实战价值，主要体现在其对“故障排除”和“微调艺术”的细致入微的讲解上。很多书籍会告诉你如何“做”一个好的簧片，但很少有书会详细说明当你的簧片突然“罢工”时，该如何进行抢救和精修。书中有一整个章节专门探讨了常见问题，比如簧片在湿度变化时的反应、长时间演奏后舌尖区域的疲劳变化，以及如何通过最细微的刮削来调整音准的上下偏差。作者提供了一套近乎“诊断手册”的流程，指导读者如何通过聆听声音的细微变化来判断问题根源，并推荐了不同的工具组合来应对不同的问题。特别是关于“打磨时的节奏感”和“对压力点的感应”的描述，非常具体和操作性强。读完这一部分，我感觉自己不再是盲目地去尝试和猜测，而是有了一套系统性的、可重复验证的方法论来应对簧片变化莫测的脾气。这让原本令人焦虑的后期调整过程，变成了一种充满掌控感的精细工艺。
评分这本书的排版和设计风格，可以说是将实用主义和古典美学结合得淋漓尽致。封面采用了一种低饱和度的墨绿色调，配上烫金的字体，散发出一种沉静而专业的质感，让人忍不住想立刻翻开细读。内页的纸张选择也极为考究，触感温润，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。更令人称道的是，书中穿插了大量由资深制作者亲手绘制的工笔插图和技术示意图。这些图示的精准度令人惊叹，每一个角度、每一个刻度的标注都恰到好处，它们有效地弥补了文字描述可能出现的模糊地带。我经常发现，有些复杂的簧片削薄技巧，仅仅通过阅读文字描述是难以想象的，但一旦对照书中的俯视图和侧视图，那种“豁然开朗”的感觉是无与伦比的。此外，作者在引用历史文献和不同流派的制作传统时，都附上了清晰的脚注和参考资料来源，这体现了极高的学术严谨性。总的来说，这本书不仅是知识的载体，更是一件值得收藏的艺术品，它的物理形态本身就提升了阅读和学习的仪式感。
评分这本书对于深入探讨各种地域和历史背景下的簧片制作流派，展现出了惊人的广度和深度。它没有将簧片制作局限于某种单一的“标准答案”，而是像一位渊博的学者，带领读者漫游于不同的音乐地理。从维也纳古典乐派偏爱的柔和、富有歌唱性的簧片，到法国学派追求的清晰、明亮的音色要求，再到现代管弦乐团对超强穿透力的需求，作者都详尽地分析了这些风格差异背后的技术逻辑。他不仅介绍了如何识别和调整这些风格所需的空气阻力和切口角度，还追溯了这些偏好是如何随着乐器设计和作曲家意图的演进而变化的。这种宏观的视角让我意识到，簧片制作远非简单的工具调整，它承载着一个音乐学派的审美取向和历史演进。对于想要精通不同时期作品演奏的专业人士来说，这本书提供了不可或缺的参考框架，帮助他们在技术上实现对历史原貌的精确还原与理解。
评分我尝试过很多关于管乐器维护和配件制作的书籍，但说实话，很多都显得过于学术化，或者干脆就是一本冷冰冰的“操作手册”。而这本书的独特之处在于其叙事的“人情味”。作者似乎非常善于捕捉初学者在学习过程中会遇到的那些细微的挫败感和兴奋点。例如，在描述如何处理“颤音”和“高音区的稳定性”时，作者分享了他早期尝试失败的几次经历，那些笨拙的尝试和随之而来的沮丧，反而让人感到亲切和真实。这种坦诚的分享极大地减轻了阅读的压力，让人明白，即使是大师也曾是学徒。书中还穿插了一些关于不同时期著名双簧管演奏家对簧片偏好的轶事，这些小故事不仅丰富了内容，更像是一次穿越时空的音乐沙龙。它告诉我，簧片不是一个孤立的技术问题，而是与演奏者的个性、音乐风格乃至时代背景紧密交织的产物。这种将技术与人文关怀完美结合的写作手法，使得这本书的阅读过程充满了乐趣和情感共鸣。
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