American Drama through WWI pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Richardson

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页数:0

译者:

出版时间:1997-10

价格:$ 32.77

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isbn号码:9780805716184

丛书系列:

图书标签:

• American Literature
• Drama
• World War I
• American History
• Theater
• 20th Century
• Cultural History
• Literary Criticism
• United States
• War Literature

剧场之魂：英国戏剧的百年变迁 (1850-1950) 一部深入剖析英国戏剧在维多利亚晚期、爱德华时期直至二战前夕的深刻变革与风格演进的权威著作。 内容提要 本书旨在为读者提供一个宏大而精微的视角，审视英国戏剧在十九世纪中叶至二十世纪中叶——一个社会结构剧烈动荡、思想观念飞速迭代的关键时期——所经历的艺术蜕变。我们聚焦于剧作家的创作实践、舞台技术的革命性进步，以及剧场作为社会舆论载体所承担的复杂职能。 本书摒弃了对美国戏剧领域的任何涉猎，而是将全部笔墨集中于英伦三岛的舞台艺术。我们将详尽考察自然主义的兴起如何挑战了传统“孔雀室”戏剧的虚伪性，以及象征主义和早期现代主义思潮如何重塑了叙事结构和角色塑造。全书分为四个主要部分，层层递进，揭示英国戏剧如何从为中产阶级提供消遣的工具，转变为批判社会弊病、探索人类生存困境的严肃艺术形式。 --- 第一部分：维多利亚的黄昏与现实主义的曙光 (1850-1900) 本部分关注支撑了维多利亚时代文化主体的“柳树街戏剧”（Willow-the-Wisp Dramas）的衰落，并追溯现代戏剧的萌芽。 1. 戏院的体制与赞助人文化： 详细分析伦敦西区（West End）的商业剧院系统，探讨演员-经理人制度（Actor-Manager System）如何制约了题材的选择与艺术的创新。我们考察了特许剧院（Patent Theatres）解散后的权力真空，以及新兴的“小剧场”（Independent Theatres）如1891年成立的独立剧院（The Independent Theatre）如何成为引进易卜生和契诃夫思想的先锋阵地。 2. 喜剧的转型：社会讽刺与“有思想的喜剧”： 重点分析奥斯卡·王尔德（Oscar Wilde）的“为美而写”的唯美主义喜剧与乔治·伯纳德·萧（George Bernard Shaw）的“问题剧”（Problem Play）之间的分野。 王尔德的语言游戏： 探讨《认真的重要性》和《理想丈夫》中对传统道德的颠覆性运用，分析其对形式美学的极致追求如何掩盖其对社会阶级的犀利观察。 萧的辩论剧场： 深入剖析萧如何将舞台变为公共论坛，以清晰的逻辑和辛辣的对话挑战财产制度、性别角色和政治腐败。我们细致梳理了《卖主与买主》中对道德相对性的探讨。 3. 自然主义的入侵与舞台美学的冲突： 研究在英国舞台上被本土化和温和化的自然主义倾向。探讨亨利·阿瑟·琼斯（Henry Arthur Jones）等剧作家如何在保留传统结构的同时，试图引入更真实的家庭冲突和阶级矛盾。本节将详细描述“第四堵墙”概念在英国舞台上的逐步接受过程，以及对布景、灯光真实感的追求。 --- 第二部分：爱德华时代的文化焦虑与戏剧探索 (1900-1914) 随着维多利亚时代的道德约束松动，英国戏剧开始更直接地面对工业化、女性解放和帝国衰落带来的焦虑。 1. 乔治·伯纳德·萧的成熟期与意识形态的强化： 深入分析萧在世纪之交的作品，如《麦克白与克莱尔》和《巴巴拉少校》，考察他如何将戏剧武器化，以推动社会改革议程。 2. 约翰·高尔斯沃斯的“社会正义”戏剧： 聚焦高尔斯沃斯（John Galsworthy）对财产、继承权和中产阶级虚伪性的关注。通过分析《斗争》（The Forsyte Saga的戏剧改编及早期作品），揭示其温和的、改良主义的立场如何区别于激进的社会主义思潮。 3. “艺术剧院”的兴起与先锋实验： 关注大不列颠的“艺术剧院运动”（Art Theatre Movement），特别是格林尼治的“叛逆者剧院”（The Revolt Theatre）等小型团体，这些团体是欧洲象征主义和早期表现主义思潮在英国的试验田。 --- 第三部分：战时剧场与文化断裂 (1914-1920s初) 第一次世界大战对英国社会和艺术产生了不可逆转的冲击。本部分考察戏剧如何应对创伤、宣传以及战后对“旧世界”的幻灭。 1. 战争宣传与爱国主义戏剧的泛滥： 记录战时剧院为维护士气所扮演的角色，分析那些歌颂帝国力量、简化敌我矛盾的通俗剧目的结构特点。 2. 战后创伤与对“英雄主义”的反思： 考察少数作品如何开始触及战争的残酷现实和年轻一代的“迷惘一代”情绪，尽管这种深刻的批判往往需要通过象征性的手法间接表达。 3. 戏剧的“去政治化”与逃避主义： 分析战后初期，观众对“轻松娱乐”的需求如何导致以“高雅喜剧”（Light Comedy）和“流行音乐剧”为代表的逃避现实作品的盛行，从而暂时压制了严肃戏剧的发展势头。 --- 第四部分：现代主义的渗透与“废墟之上”的重建 (1920s中叶-1939) 本部分探讨战间期，英国戏剧如何重新确立其在欧洲现代主义浪潮中的位置，以及本土创新如何为二战后的复兴奠定基础。 1. 诺埃尔·考沃德（Noël Coward）的“装饰艺术”剧场： 深入分析考沃德对“战后一代”享乐主义和道德模糊性的捕捉。他的作品，如《私生活》，以其高度风格化的对白、对阶级特权的戏谑，标志着一种新的、精致的都市喜剧的诞生。 2. 政治觉醒与工人阶级戏剧的萌芽： 关注那些尝试从更底层的视角审视英国社会矛盾的剧作家。虽然规模较小，但他们对经济萧条、失业问题的关注预示着未来戏剧的社会责任感。 3. 舞台技术的进步与剧作家的合作： 记录电气化照明和更复杂的机械布景如何使舞台更贴近现代主义的美学要求，并考察本土导演（如在旧维克剧院工作的先驱们）对剧本诠释的介入程度。 4. 总结：迈向新的未来： 在法西斯主义阴影笼罩欧洲之际，英国戏剧在结构、主题和语言上完成了从维多利亚的温室到现代世界的过渡。本书总结了本土人才的培养体系，为下一次重要的戏剧革新——如二战后“愤怒的青年”运动的爆发——积蓄了能量。 --- 本书的价值： 本书的独特之处在于其严格聚焦于英国本土的戏剧发展脉络，细致梳理了从古典主义残余到现实主义萌芽，再到现代主义实验的完整演变链条。它详细分析了特定时期英国社会文化对剧场创作的约束与驱动力，为研究英国文学、戏剧史及社会史的学者和爱好者提供了不可或缺的参考资料。本书的叙事风格严谨而富有洞察力，力求再现那个时代剧场舞台上的每一次思想交锋和艺术突破。

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这是一部需要反复咀嚼才能领会其深意的力作。作者对特定历史时期剧场美学的演变进行了史诗般的梳理，其广度令人惊叹。我特别关注到书中对戏剧批评在塑造公众舆论方面所扮演角色的分析。在媒体尚未完全分化的年代，剧评人无疑是决定一部作品命运的关键人物，书中对这些评论家群体及其偏好的详细描摹，揭示了艺术接受史中一个常常被忽略的侧面。阅读过程中，我感受到一种极强的代入感，这主要得益于作者选取材料的独特视角——他总是能找到那些最能体现时代精神的、极具爆发力的瞬间进行剖析。其语言风格如同老练的散文家，流畅且富有韵律感，但在关键的学术论断上，又展现出无可辩驳的力度。这本书成功地证明了，在第一次世界大战爆发前夕，美国戏剧就已经在酝酿着一场深刻的、面向自身的、具有世界水平的艺术革命。它不仅仅是回顾，更像是对那个“黄金时代”前夜的深情回望与精准定格。

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这本书的价值在于它提供了一个高度成熟的批评框架，用以审视美国戏剧如何从模仿欧洲传统走向自我确立。结构安排上，作者巧妙地将政治事件与戏剧流派的兴衰交织在一起，使得历史的脉络清晰可见。我个人认为，书中对于“美国身份”这一主题的探讨最为深刻。在那个民族自我认同尚未完全固化的时期，剧场是如何成为一个讨论“我们是谁”的公共空间的？书中对这一问题的回答是多维度的，它考察了不同族裔群体在舞台上形象的建构与解构，揭示了文化权力如何在剧作家的选择中悄然运作。在语言运用上，作者的笔触时而细腻如雕刻家打磨细节，时而又如史诗般宏大叙事，这种文风的交替变化，使阅读体验张弛有度，避免了单调。它迫使读者跳出舒适区，去重新评估那些曾经被认为是经典的作品，并从新的角度审视它们在构建美国文化叙事中的作用与局限。

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这部作品以其对20世纪初美国戏剧图景的细致梳理，成功地为我们描绘了一幅丰富多彩的文化画卷。作者并没有止步于简单的剧作家罗列，而是深入挖掘了时代背景对剧作创作的深刻影响。初读之下，我立刻被那种扑面而来的历史感所吸引，仿佛能真切地感受到彼时美国社会在快速工业化与传统价值观碰撞下的那种微妙张力。书中对现实主义戏剧思潮的探讨尤为精到，它不仅仅是理论上的阐述，更是通过对具体剧作的文本细读，展示了这些作品如何勇敢地触及阶级矛盾、移民困境以及性别角色的转变等敏感议题。特别是对早期女性剧作家如何在新兴的剧场空间中为自己的声音争取位置的描写，令人印象深刻。这种细致入微的分析，让原本看似遥远的艺术现象变得鲜活可感。整本书的论证逻辑严密，但叙事语言却保持了一种引人入胜的节奏，使得即便是对戏剧史不太熟悉的读者，也能轻松地跟随作者的思路，领略到那段时期美国舞台艺术的勃勃生机与深刻内涵。这种平衡感，是很多学术著作难以企及的优点。

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这部关于战前美国戏剧的著作，最让我赞叹的是其对文化商品化现象的敏锐洞察。作者没有美化那个时代的剧场，而是坦诚地展示了商业成功与艺术完整性之间时常存在的紧张关系。书中对于“通俗剧”与“严肃戏剧”之间界限的模糊处理，是全书的一大亮点，它探讨了市场需求如何反作用于艺术创作的导向，以及剧作家们如何在迎合大众品味的同时，试图植入更具批判性的内核。从文风上看，本书的叙述风格极为沉稳、考究，大量运用了跨学科的理论视角，但所有的理论都服务于文本分析，没有出现任何故弄玄虚的痕迹。这种脚踏实地的学术态度，为读者构建了一个坚实的知识基础。它教导我们，一部戏剧作品的意义，绝不仅仅存在于剧本本身，更在于其被演出、被消费、被社会接纳或抵制的整个生命周期之中。这种历史唯物主义的视角，为理解后续美国戏剧的发展奠定了坚实的基础。

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读完这本书，我产生了一种强烈的错觉，仿佛自己刚刚经历了一场穿越时空的旅行，亲身参与了1914年以前美国剧场最激进、最富有探索精神的年代。作者对先锋戏剧运动的剖析堪称精彩绝伦，他没有将这些探索视为孤立的艺术实验，而是将其置于全球现代主义思潮的大背景下进行考察。我尤其欣赏他对舞台技术革新与戏剧主题深化的双向互动关系的捕捉。例如，如何通过新的布景和灯光技术，来表达日益碎片化和内在化的现代人心理，这种技术层面的讨论，绝非干巴巴的介绍，而是与剧中人物的内心挣扎紧密结合的。书中对一些鲜为人知但极具影响力的地区性剧团的介绍，更是令人耳目一新，拓宽了我对“美国戏剧”边界的认知。这本书的行文风格极其富有激情，文字的张力仿佛能与舞台上的高潮片段相媲美，让人忍不住想立刻去寻找那些被提及的剧目进行观摩或重温。它更像是一本充满洞察力的导览手册，而非枯燥的教科书，成功地激发了读者对这段历史更深层次的求知欲。

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