The Best of Lerner and Loewe pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Lerner, Alan Jay/ Loewe, Frederick

出品人:

页数:96

译者:

出版时间:1981-1-1

价格:USD 10.95

装帧:

isbn号码:9780793582457

丛书系列:

图书标签:

• 音乐剧
• 百老汇
• 经典歌曲
• 列纳与洛威
• 音乐合集
• 歌剧
• 音乐
• 戏剧
• 美国音乐
• 流行音乐

《不朽的旋律：20世纪音乐剧黄金时代的辉煌》 一部深入剖析20世纪中叶音乐剧创作艺术与时代精神的权威之作。 本书并非简单的作品汇编或传记梳理，而是一部融合了音乐学分析、剧场社会史考察以及深度文本解读的学术专著。它旨在全面揭示1940年代末至1960年代初，一个被公认为“音乐剧黄金时代”的核心特征、关键转折点及其对后世艺术的深远影响。 第一部分：黄金时代的黎明与基石（1943-1950） 本部分追溯了二战后美国百老汇剧场如何从战时的娱乐功能转向承载更复杂社会议题的艺术形式。重点分析了奥斯卡·汉默斯坦二世（Oscar Hammerstein II）与理查德·罗杰斯（Richard Rodgers）在《俄克拉荷马！（Oklahoma!）》之后，如何确立了“整体性音乐剧”（Integrated Musical）的叙事范式。 核心章节深入探讨了以下主题： 叙事与音乐的共生： 分析了如何通过歌曲推进情节、刻画人物内心冲突，而非简单地作为插曲出现。详细比对了《卡门·琼斯（Carmen Jones）》与《南太平洋（South Pacific）》中对种族与身份议题的微妙处理。 舞台技术的革新： 考察了在剧场空间中，灯光设计（如乔治·科特曼的工作）和舞蹈编排（如阿格尼丝·德·米尔的自然主义风格）如何服务于戏剧张力。 “新美国人”的肖像： 探讨了剧作家如何开始关注美国本土的故事和人物，摆脱欧洲歌剧的影子，塑造出具有地域性和阶层色彩的美国角色。例如，对《吉普赛女王（Gypsy）》中早期巡回演出的剧团生态的描摹。 第二部分：风格的多元化与成熟（1950-1957） 进入50年代，音乐剧开始展现出惊人的风格多样性。本部分重点分析了几位关键创作者如何在保持叙事完整性的前提下，探索更具实验性的音乐语言和主题深度。 一、伯恩斯坦与歌剧的边界： 本书以大量篇幅分析了伦纳德·伯恩斯坦（Leonard Bernstein）如何将复杂的对位法、爵士乐节奏与古典和声结构融入到百老汇的框架内。特别对《西区故事（West Side Story）》的音乐结构进行了细致的乐谱分析，指出其如何在前所未有的程度上挑战了传统音乐剧的旋律简单性，并探讨了其对莎士比亚悲剧的现代都市重构。 二、喜剧的深度挖掘： 深入分析了法兰克·莱瑟（Frank Loesser）的创作哲学。不同于罗杰斯和汉默斯坦的抒情性，莱瑟的作品，如《红男绿女（Guys and Dolls）》，展现了对市井俚语、幽默讽刺以及特定美国方言的精准捕捉。研究集中于他对主题音乐（Leitmotif）的运用，以及如何通过对不同社会阶层的音乐风格（如布鲁克林小人物的粗犷与上流社会的优雅）的并置，增强戏剧的讽刺效果。 三、舞台的社会性转向： 本部分也审视了音乐剧如何介入日益紧张的政治和社会议题。考察了对政治讽刺剧的初步尝试，以及对历史题材的严肃对待。 第三部分：艺术的高峰与内在的矛盾（1958-1964） 这一时期被认为是黄金时代的顶点，但也孕育了最终导致其结构性转变的内在张力。 1. 严肃题材的突破： 重点分析了詹姆斯·哈默斯坦（James Hammerstein，奥斯卡的儿子）与其他创作者合作的尝试，以及约书亚·洛根（Joshua Logan）在引导剧本方向上的作用。探讨了歌剧化倾向的增强，以及随之而来的，商业上对“严肃”作品的接受度变化。 2. 角色驱动的叙事革命： 本部分的核心论点在于：角色复杂性的提升开始挤压传统音乐剧的叙事节奏。详细分析了史蒂芬·桑德海姆（Stephen Sondheim）早期作为歌词作者的贡献，特别是他对语言的精确性、反传统的情感表达以及对人物内心矛盾的揭示，如何为后来的“反穆西卡尔”（Anti-Musical）奠定了基础。对比了传统“一曲定情”模式与桑德海姆在处理爱情与幻灭时的微妙手法。 3. 剧场经济与时代的更迭： 最后，本书从经济和制作角度分析了黄金时代如何走向终结。高昂的制作成本、演员薪酬的上涨，以及观众口味对更具冲击力、更贴近新一代社会情绪的戏剧形式的渴望，共同促成了1960年代中期音乐剧叙事模式的根本性断裂。 结论：留存的遗产与“最佳”的定义 全书最后总结了这一时期作品对当代音乐剧创作的不可磨灭的影响。它论证了“黄金时代”的成功并非偶然的灵感爆发，而是一系列艺术革新、技术成熟与时代需求的精确碰撞的结果。本书旨在为读者提供一个理解这些不朽作品复杂性的全新框架，超越单纯的怀旧情结，深入其创作的内核。 本书特色： 收录了大量珍贵的剧本节选、乐谱片段及舞台设计手稿的细节分析。 附有详尽的“创作者关系图谱”，梳理了剧作家、作曲家、作词人与导演之间的合作与冲突。 首次对该时期作品中的“美国梦”叙事进行了批判性的去神话化解读。

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读完《剧场万花筒：幕布升降的故事》，我最大的感受就是一种扑面而来的、属于那个时代的集体记忆的冲击力。这本书的叙事风格极其松散而又充满人情味，它不是按照时间线或作品名来编排，而是像一个老戏骨在茶馆里拉着你，回忆他一辈子看过的那些“精彩瞬间”。书中充满了大量未经修饰的第一手访谈和轶事，比如某位主演在首演之夜的紧张、某个关键道具在彩排时发生的意外，这些细节让那些遥远的经典瞬间变得无比鲜活和真实。它很少谈论高深的理论，更多的是聚焦于人与人之间的化学反应——演员与导演、作词家与作曲家、剧院老板与观众之间的那种微妙互动。这本书更像是一本情感流动的传记合集，它让你感受到的，是整个剧院行业在特定历史时期所散发的活力和韧性。读它的时候，我常常会停下来，想象自己坐在昏暗的剧院里，与周围的观众一同屏息凝神，等待着下一束追光亮起的那一刻的激动心情。

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坦白说，我原本以为这又是一本充斥着浮夸赞美的“粉丝向”读物，没想到《戏梦人生侧写》竟然如此深刻地触及到了创作的痛点和光芒。这本书的笔触极为克制和冷静，它没有回避那些作品背后的争议、失败的尝试，甚至是那些被历史尘封的、未曾上演的草稿。这种“去神化”的处理方式，反而让我对这些艺术大师们产生了更强烈的共鸣。书中对于某些经典唱段的“原始版本”与“最终定稿”的对比分析，简直是神来之笔。它揭示了艺术创作的本质——它不是灵光乍现，而是一个漫长、痛苦且不断自我否定的过程。我印象特别深的是关于创作搭档之间那种复杂情感的描写，他们是如何在互相依赖中又不断地挑战对方的极限。这本书提供的视角是独特的，它让你看到伟大作品诞生的背后，那些人性化的挣扎与荣耀，读起来充满了代入感和思辨的乐趣，远超一般的作品介绍范畴。

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这本《舞台上的魔法师》真是一场音乐剧的饕餮盛宴，我最近沉浸其中，简直无法自拔。它收录的剧目跨度极大，从早期的那种精致、略带矜持的英式幽默，到后期那种直击人心的、史诗般的浪漫叙事，都能找到完美的代表作。我尤其欣赏作者对选曲之间如何体现时代变迁的细腻分析。比如，他们是如何巧妙地将二战后美国社会那种乐观又略带焦虑的情绪，融入到那些轻快的旋律和略显讽刺的歌词中去的。阅读的过程就像是重新经历了一遍百老汇黄金时代的缩影，每一个章节都像是打开了一个精致的音乐盒，里面流淌出的不仅是动听的旋律，更有那个时代特有的文化肌理和人文精神。书中对词曲作者的创作心路历程描述得极为生动，仿佛能看到他们在昏暗的排练室里，为了一句歌词、一个和弦的转调而争论不休的画面。这对于任何一个真心热爱音乐剧的人来说，都是一种无上的享受。它不仅仅是一本评论集，更像是一部微型的音乐史诗，引人入胜，回味无穷。

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翻开这本《声光背后的匠心录》，我立刻被它那种近乎学术研究的严谨态度所吸引，但又不失作为爱好者那种澎湃的热情。它并没有过多地停留在对经典歌曲的简单罗列和赞美上，而是深入剖析了那些作品是如何在技术层面取得突破的。比如，书中有一段专门分析某个特定配器手法如何首次被引入到歌剧改编的音乐剧中，那种乐器编排的创新，是如何使得戏剧张力得到了前所未有的提升。我感觉自己像是在听一位资深的音乐制作人讲解幕后故事，充满了专业术语，但解读得极其清晰到位。特别是关于舞台灯光设计与音乐情绪变化的相互作用那一章，简直是教科书级别的分析。它让我意识到，我们所听到的那些感人至深的旋律，背后凝聚了多少设计者对人性、对情感的深刻洞察和技术上的精益求精。这本书的价值在于，它教你如何“听懂”音乐剧，从一个被动的欣赏者，蜕变为一个能够品鉴其复杂结构的内行门道。读完后，再去看任何一场演出，都会多了一层全新的、更深层次的理解。

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我必须承认，这本书《旋律的几何学》完全颠覆了我对传统音乐剧叙事结构的认知。它的侧重点明显偏向于音乐理论和结构分析，对于那些只关注剧情和情感的读者来说，可能需要一些耐心去消化。作者用非常清晰的图表和分析框架，将那些看似天马行空的音乐结构，解构成了一系列可量化的“模块”。比如，书中详细拆解了某个著名三幕剧的“动机回溯”是如何贯穿始终，并随着剧情的推进，在和声色彩上进行微妙的演变。这让我对音乐的“记忆点”有了全新的理解，原来那些洗脑的旋律并非偶然，而是经过了极其精妙的数学般的设计。这种严谨的分析，让我想起了大学时代攻读作曲理论的艰苦，但在这里，所有的理论都被巧妙地应用到了我们耳熟能详的经典曲目上，使得枯燥的理论变得生动起来。对于想要深入研究音乐剧编曲或结构设计的专业人士，这本书无疑是一份宝贵的参考资料，它教会你如何像建筑师一样去“聆听”舞台上的作品。

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