Examining the development of avant garde theatre from its inception in the 1890s right up to the present day, Christopher Innes exposes a central paradox of modern theatre; that the motivating force of theatrical experimentation is primitivism. What links the work of Strindberg, Artaud, Brook and Mnouchkine is an idealisation of the elemental and a desire to find ritual in archaic traditions. This widespread primitivism is the key to understanding both the political and aesthetic aspects of modern theatre and provides fresh insights into contemporary social trends. The original text, first published in 1981 as Holy Theatre, has been fully revised and up-dated to take account of the most recent theoretical developments in anthropology, critical theory and psychotherapy. New sections on Heiner Muller, Robert Wilson, Eugenio Barba, Ariane Mnouchkine and Sam Shepard have been added. As a result, the book now deals with all the major avant garde theatre practitioners, in Europe and North America. Avant Garde Theatre will be essential reading for anyone attempting to understand contemporary drama.
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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴,那种粗粝的纸张质感,边缘微微泛黄的处理,配合上烫金的标题字体,立刻就营造出一种陈旧而又前卫的矛盾美感。我得说,光是捧在手里摩挲,就已经能感受到作者试图通过这种物理形式传达出的某种颠覆性精神。内页的排版更是匠心独运,大胆地使用了不对称布局和大量的留白,有些页面的文字甚至被故意裁剪或者错位,仿佛在模仿某种舞台布景的碎片化和不稳定感。我花了很长时间去研究那些小小的、印刷质量并不算完美的插图——那些模糊的、像是舞台速写或者幕后照片的影像——它们似乎在用一种非叙事性的方式,引导读者进入一个更深层的、关于“观看”与“被观看”的哲学迷宫。这本书的实体本身,就是对传统书籍美学的一次挑战,它不像一本安分守己的读物,更像是一件被精心布置过的装置艺术品,每一次翻阅都像是在参与一次不完全的、需要读者主动去“完成”的剧场体验。这种对媒介本身的颠覆性探索,远比单纯的内容探讨来得更有冲击力,让人在阅读前就已经进入了那种被拉扯、被质疑的后现代情绪之中。
评分我以为我会直接被那些晦涩难懂的理论术语淹没,但这本书的叙事节奏出乎意料地流畅,尽管它的主题极其边缘和实验化。作者似乎有一种神奇的能力,可以将那些看似毫无关联的艺术思潮,通过一种近乎诗歌的韵律串联起来。我特别欣赏它处理“时间性”的方式,章节之间没有清晰的线性逻辑,更多的是通过意象的反复出现和主题的螺旋上升来构建意义场。读到关于空间感的那部分时,我简直无法合上书本,作者对剧场空间如何消解“第四堵墙”的论述,让我脑海中浮现出无数个在小型黑盒子剧场里,与演员目光交汇的瞬间。那种被侵犯的私密感,那种对传统戏剧观看模式的彻底解构,被文字描绘得淋漓尽致。更妙的是,作者并没有停留在描述和批判,他大量引用了那些极端的、甚至可以说是“失败的”先锋剧目案例,用一种近乎辩护的姿态去挖掘它们在“无效性”中蕴含的巨大潜力。这是一种非常高级的写作手法,既保持了学术的严谨,又充满了对艺术实践的赤诚热爱,读完后我感觉自己对“什么是剧场”这个问题,有了一种全新的、充满不确定性的理解。
评分这本书给我最大的启发,在于它对“极限”的不断试探和描摹。作者似乎对任何形式上的“安全地带”都抱持着一种深深的怀疑态度,他热衷于探讨那些被主流艺术史边缘化、甚至被学术界视为“死胡同”的探索。我尤其对其中探讨的“不可表述性”部分印象深刻。作者并未满足于仅仅指出某些概念或情感是无法用语言完全捕捉的,而是穷尽了各种修辞和结构上的手段,去“模仿”那种接近语言崩溃边缘的状态。这是一种非常高风险的写作尝试,稍有不慎就会滑入真正的胡言乱语。然而,这本书的作者显然驾驭得相当出色,他成功地在“清晰的阐释”和“语言的崩塌”之间找到了一个微妙的平衡点,让读者在理解他批判的同时,也能亲身体验到那种被语言边界拒之门外的挫败感。这种对艺术边界的持续施压和挑战,让这本书不仅仅是一本理论著作,更像是一份持续不断的、向所有既有规范发出的挑战书。它会让你重新审视自己对“什么是成功表达”的定义,非常具有颠覆性。
评分这本书的语言风格就像是经过了高压蒸汽处理的实验性音乐,充满了尖锐的断裂和不可预测的变奏。有时候,你会发现作者在同一句话里,同时使用了高度学院化的术语和极其口语化的俚语,这种风格上的混搭,完美呼应了主题中关于打破高雅与低俗界限的诉求。我发现自己必须反复回读某些段落,不是因为内容太难理解,而是因为作者故意在句法结构上设置了陷阱。比如,他可能会突然把一个长达半页的主语从句放在句子的末尾,直到最后才揭示出核心动词,这种对句子节奏的操纵,本身就是一种对传统清晰表达的“背叛”,却极大地增强了阅读过程中的那种“失重感”。这种文字上的“激进行为”,让阅读本身成了一种需要高度集中注意力的体力劳动。它不是那种可以让你在沙发上放松地翻阅的书籍,它要求你端正坐好,像对待一份复杂的乐谱那样,去解码每一个标点符号背后的潜台词。我为这种将“形式”提升到与“内容”同等甚至更高地位的写作勇气,感到由衷的钦佩。
评分这本书在探讨“观众角色”时,简直像一个冷酷的解剖学家。它彻底撕碎了“被动接受者”的幻想,用一种近乎苛刻的标准来审视我们每一次走进剧场的行为动机。我尤其对其中关于“参与性”与“表演性”的辩证关系感到震撼。作者并没有简单地鼓吹让观众走上舞台,而是深入挖掘了观众在心理层面如何成为表演的一部分,如何通过自己的缺席或在场,完成了一场原本只属于舞台的“行动”。这种对观看行为本身进行反思的深度,远远超过了以往我读过的任何关于观众理论的书籍。它迫使我回顾了自己过去看戏的经历,那些我自以为“看懂了”的时刻,在作者犀利的笔触下,瞬间变得脆弱不堪,充满了自我欺骗的成分。这本书的文字风格非常冷峻,几乎没有多余的情感渲染,完全依赖概念的精确打击,就像一把手术刀,精确地切开了观众与表演之间那层舒适的、虚假的帷幕。读完这部分,我发现自己对任何新的演出都会不自觉地多一分警惕和审视,生怕自己又落入了作者所描述的某种“观看的陷阱”。
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