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出版者:

作者:Alfred Publishing Staff (COR)

出品人:

页数:255

译者:

出版时间:2009-1

价格:$ 28.19

装帧:

isbn号码:9780739057735

丛书系列:

图书标签:

• 吉他谱
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• 流行摇滚
• 编配
• 技巧

好的，这是一份关于一本假想的名为《Rock Charts Guitar》的图书的详细简介，内容将围绕吉他演奏、音乐理论、以及摇滚乐风格的深入剖析展开，但会刻意避开“Rock Charts Guitar”这个具体书名所暗示的“图表/谱例”的直接内容。 --- 《六弦之魂：构建当代摇滚吉他的声音蓝图》 作者： [虚构作者名称，例如：亚历山大·范德维尔德] 出版社： [虚构出版社名称，例如：回声之声出版] 页数： 780 页 (精装典藏版) 定价： [虚构定价] 核心理念：超越指板的演奏艺术 《六弦之魂：构建当代摇滚吉他的声音蓝图》并非一本简单的技巧速成指南，它是一部致力于探究摇滚吉他手如何从技术层面跃升至艺术表达的深度研究专著。本书的核心在于揭示那些定义了经典与现代摇滚声音的底层逻辑、和声结构，以及对音色塑造的哲学思考。我们相信，真正的吉他大师不仅是技巧的执行者，更是音乐语言的构建者和声音景观的设计师。 本书旨在为中高级吉他学习者、专业乐手以及音乐理论爱好者提供一个坚实而全面的框架，帮助他们理解：是什么让特定的音符组合在摇滚乐的语境中产生如此强大的情感冲击力？ 第一部：和声的炼金术——从布鲁斯根源到前卫探索 摇滚乐的血脉深深植根于布鲁斯，但其演化却是不断打破边界的。本部分将带读者深入剖析摇滚和声的演变历程，从最基础的 I-IV-V 结构中提炼出次属和弦、和声小调应用、以及七和弦的色彩变化。 1.1 布鲁斯与摇滚的血缘纽带： 详细解析布鲁斯音阶与五声音阶的灵活运用，探讨如何通过节奏的切分和推移，赋予传统布鲁斯进行以现代的张力。重点分析如吉米·亨德里克斯 (Jimi Hendrix) 在标准布鲁斯进行中加入的“即兴和弦装饰音”技法。 1.2 调式思维的迁移与重构： 超越传统的自然大/小调，深入研究调式（Modes）在重金属、前卫摇滚和实验摇滚中的实际应用。例如，弗里吉亚调式（Phrygian）如何成为西班牙风情金属乐的标志性声音，以及利底亚调式（Lydian）如何为旋律注入“光明而疏离”的特质。本书提供了大量乐理基础，指导读者如何“听”出并“应用”这些调式，而非仅仅记忆它们的指板位置。 1.3 复杂和弦的色彩学： 探讨九和弦、十一和弦、十三和弦在摇滚乐中的微妙作用。我们不仅仅教授如何演奏这些和弦，更深入分析在何种情绪背景下，一个降九和弦（b9）能够瞬间将听众拉入黑暗的深渊，或是一个增五和弦（5）如何创造出“漂浮”的听觉体验。 第二部：节奏的骨架与律动的核心 摇滚乐的律动（Groove）是其最具辨识度的特征之一。本书将节奏视为一种雕塑，而非仅仅是节拍的重复。 2.1 驱动力与切分： 剖析重型节奏（Heavy Riffs）的构建原理。这部分着重于对“重音”的理解——何时强调强拍，何时利用弱拍的切分来制造摇摆（Swing）或推进行的力量感。通过对AC/DC、Metallica 等乐队riff结构的解构，展示如何利用节奏的密度变化来控制能量的释放。 2.2 复合拍号的挑战与释放： 尽管摇滚乐多以常见的 4/4 拍为主，但前卫摇滚、数学摇滚（Math Rock）对复合拍号（如 7/8, 9/8）的运用，极大地拓宽了摇滚的疆域。本书提供了一套系统化的方法，帮助演奏者理解和内化这些非常规的节拍，确保演奏时依然保持音乐的连贯性和流畅性。 2.3 节奏的层次： 深入探讨主音吉他、节奏吉他、乃至低音吉他之间如何相互作用，形成一个紧密的节奏网络。分析“填充”（Fills）的艺术，即如何在不破坏主要律动的前提下，巧妙地插入短暂的装饰性乐句，以增强段落之间的过渡。 第三部：音色雕塑——硬件与感知的交汇点 摇滚吉他的声音是技术、设备和演奏者意图的复杂融合。《六弦之魂》用大量的篇幅，探讨了如何从音符的选择，到最终抵达听众耳朵之间的声学旅程。 3.1 失真的哲学： 深入探讨不同类型失真（Overdrive, Distortion, Fuzz）背后的电路原理和听觉差异。本书详尽地比较了晶体管失真与电子管失真在压缩度、谐波含量上的区别，并引导读者理解如何根据音乐风格选择恰当的“脏度”。我们不只是列举效果器，而是解析其对音头（Attack）和延音（Sustain）的根本影响。 3.2 空间与环境的塑造： 混响（Reverb）和延迟（Delay）是构建声音“维度”的关键。本书探讨了房间模拟（Room Simulation）、板式混响（Plate Reverb）和弹簧混响（Spring Reverb）各自能为摇滚乐段落带来什么样的心理暗示。尤其关注延迟的时间设置与摇滚乐中重复乐句的互动关系，如何利用延迟创造出“声音的迷宫”。 3.3 动态控制与演奏者的触感： 讲解演奏者的力度（Touch Sensitivity）是如何直接影响失真电路的反应。探讨如何通过微妙地控制拨片与琴弦的接触角度和力度，在不改变设备设置的情况下，实现从清晰的干净音色到厚重失真的动态过渡，这是许多大师级演奏者区分于普通乐手的核心秘诀。 第四部：即兴的结构——从思维到指尖的转化 即兴演奏是摇滚乐的灵魂，但它绝非随心所欲的胡乱弹奏。本书将即兴视为一种有组织的对话，需要预备的词汇和清晰的表达结构。 4.1 主题的展开与变奏： 教授如何围绕一个核心音乐动机（Motif）进行发展。即兴不是不断地重复音阶，而是对初始想法进行节奏、音高、音色的系统性“变奏”。提供了从“主题陈述”到“高潮发展”再到“回溯收尾”的完整即兴叙事结构范例。 4.2 跨越指板的视野： 引导读者打破对特定把位或小区域的依赖，学习如何将和声结构映射到整个指板，实现更具逻辑性和流动性的独奏线条。重点训练“横向思维”与“纵向思维”的结合运用，确保乐句在跨越音域时依然保持音乐的连贯性。 4.3 情感驱动的独奏： 最终，本书回归到音乐的本质——情感传达。分析了如何通过选择特定的音程（如三度、六度、宽广的八度跳跃）来直接影响听众的情绪反应，并强调在激烈的演奏中保持清晰的“目的性”是伟大独奏的标志。 --- 《六弦之魂》 是一本献给所有渴望深入理解摇滚吉他艺术的实践者的著作。它要求读者投入时间去聆听、去分析、去感受，最终，将这些知识内化为自身独特的音乐语言。它提供的不是现成的答案，而是通往更深层理解的地图和罗盘。

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作为一名多年来一直在探索吉他技术瓶颈的爱好者，我总是希望能找到一些能够突破现状的“秘籍”。《Rock Charts Guitar》恰好满足了我的这种期待，但它给我的惊喜远不止于此。这本书的编排非常巧妙，它没有像许多教程那样简单粗暴地堆砌技巧，而是将复杂的吉他乐句拆解成一个个可管理的单元，然后深入剖析其背后的音乐原理。我尤其欣赏它在讲解“音色设计”和“效果器运用”的部分，这部分内容在其他吉他书籍中往往被一带而过，而《Rock Charts Guitar》却给予了详尽的阐述。它不仅仅是告诉你“用失真音色”，而是告诉你“什么样的失真音色在什么样的段落能起到最好的效果”，甚至还涉及了不同类型失真效果器在音色特性上的细微差别。更让我感到兴奋的是，书中提供了一些非常实用的“和声框架”和“旋律发展思路”，这些内容让我能够摆脱对简单音阶练习的依赖，学会如何在已有的和弦基础上进行更富有创造性的旋律设计。阅读这本书的过程，就像是开启了一扇通往摇滚吉他内在世界的大门，让我看到了那些优秀吉他手们在创作和即兴时所运用的思维方式。我感觉自己的音乐创作能力正在悄然发生变化，不再是东拼西凑，而是有了更清晰的脉络和方向。

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老实说，我最初拿到《Rock Charts Guitar》的时候，并没有抱太大的期望。我之前读过不少吉他教程，很多都流于表面，要么是枯燥的技术练习，要么是对经典乐句的简单模仿。但这本书完全颠覆了我的看法。它不是一本“照着弹”的书，而是一本“为什么这样弹”的书。最令我印象深刻的是它对“节奏型”和“切分音”的讲解，这部分内容非常细致，甚至连同一个节奏型在不同的律动感下会产生怎样的情绪差异都做了详尽的分析。它不仅仅是告诉你怎么弹出切分音，更是让你理解切分音是如何制造出紧张感和动感的。我发现，很多时候吉他乐句之所以好听，关键就在于那些精妙的节奏处理。这本书还提供了一些非常棒的“编曲思路”，教你如何在乐队中找到自己的位置，如何用吉他演奏来衬托主唱和鼓点，而不是一味地追求炫技。这种宏观的音乐视角，是我在其他技术类书籍中很少看到的。它让我明白，一个优秀的吉他手不仅仅是会弹，更要懂得如何去“歌唱”，如何让自己的吉他声音在整个音乐作品中起到画龙点睛的作用。这本书让我对吉他的理解上升到了一个新的维度，我不再仅仅把它当作一个乐器，而是把它当作一个表达情感和思想的媒介。

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我一直对吉他演奏中的“乐感”和“味道”感到困惑，总觉得弹奏出来的东西少了点什么，不够有灵魂。在网上闲逛时，偶然看到了《Rock Charts Guitar》的宣传，虽然名字听起来像是纯粹的乐谱集，但我被它的副标题——“解构摇滚吉他表现力的秘密”——吸引住了。我本来以为它只会罗列一堆常见的吉他riff和solos，然后告诉你怎么弹。但当我翻开第一页，就被它那种严谨的分析方式所震撼。它没有直接丢给你一个复杂的乐句，而是从最基础的音程关系、和弦进行开始，一步步地剖析摇滚乐中那些让人血脉贲张的吉他线条是如何构建出来的。我最喜欢的部分是它对“律动”的讲解，用了很多非常形象的比喻，甚至还引用了一些音乐理论之外的关于身体感知和情绪共鸣的讨论。这让我意识到，吉他演奏不仅仅是手指在琴弦上的舞蹈，更是内在情感和节奏感的外化。这本书让我开始重新审视自己的练习方法，不再是机械地模仿，而是尝试去理解每一个音符背后的逻辑和情感。虽然我还没有完全消化里面的所有内容，但它已经极大地拓宽了我的音乐视野，让我对“好听”的吉他声音有了更深刻的认识。我迫不及待地想把这些新领悟运用到我的吉他练习中，希望能真正弹奏出属于我自己的“摇滚味道”。

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我一直觉得，许多吉他教程在讲解“乐句”的时候，都忽略了乐句背后的“情绪”和“叙事”。《Rock Charts Guitar》这本书在这方面做得尤为出色。它不是简单地告诉你一个吉他SOLO怎么弹，而是会告诉你这个SOLO在歌曲的哪个部分出现，它想要表达怎样的情绪，以及它如何与歌曲的其他部分相互呼应。我最喜欢它的“和声色彩”和“调性模进”的讲解，这部分内容对于我这样对乐理不太精通的人来说，简直是福音。它用非常直观的方式，将复杂的和声概念变得易于理解，并且直接应用到了具体的吉他乐句分析中。我发现，那些听起来非常“酷”的吉他段落，往往都建立在一些非常巧妙的和声运用之上。这本书不仅仅是关于“弹奏”，更是关于“创作”和“表达”。它鼓励你去思考，去创造，而不是仅仅去模仿。我开始尝试着用书中提供的一些“旋律构建模块”，来创作自己的吉他riff和solos，感觉比以前更有方向感和灵感。这本书让我意识到，吉他演奏的魅力，在于它能够讲述故事，能够传递情感，而不仅仅是发出悦耳的声音。

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一直以来，我都渴望能够更深入地理解摇滚乐中那些极具辨识度的吉他元素，但很多教程要么太过基础，要么过于晦涩。直到我遇到了《Rock Charts Guitar》，我才发现了一本真正能够触及灵魂的书。《Rock Charts Guitar》最让我惊喜的是它对“演奏技巧”和“音乐性”的完美结合。它不仅仅是教授指法和琶音，更是深入剖析了这些技巧背后的音乐逻辑。我尤其赞赏它在讲解“延音”、“推弦”和“闷音”等技巧时，所提供的那种细致入微的指导。它不仅仅告诉你怎么做，更是告诉你为什么这么做，以及在什么情境下使用这些技巧能够达到最好的效果。书中还提供了一些关于“即兴创作”的宝贵建议，这些建议非常实用，能够帮助我在不熟悉的情况下也能即兴弹奏出有味道的乐句。我发现，很多时候，吉他演奏的“味道”就藏在这些看似微小的细节之中。这本书让我对吉他演奏有了全新的认识，我不再仅仅追求速度和复杂性，而是更加注重音色、情感和整体的音乐性。我感觉我的吉他水平正在经历一次质的飞跃，我能够更自信地表达自己的音乐想法了。

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